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Im Rahmen des international renommierten Festivals für zeitgenössischen Tanz Tanzwerkstatt Europa in München wird die renommierte polnisch-slowenische Choreografin Magdalena Reiter das Tanzstück „Quartet“ aufführen.

Sie schuf mehr als 20 Choreografien, die für freie Produktionshäuser und als Auftragsarbeiten entstanden. Außerdem entwarf Reiter Choreografien für Oper- und Theaterproduktionen und arbeitet als Movement Coach für den Film. Unter anderem leitet sie Choreografie- und Tanzworkshops. Sie erhielt den Ksenija-Hribar-Preis 2021-22, den Preis für die beste Performance beim 2. Slovene Dance Festival Gibanica sowie beim 8. Teaterfest in Sarajevo.

„Quartet“ ist eine Performance für eine Tänzerin, einen Tänzer und zwei Kameras. Diese Forschungsreise ist den inneren und äußeren Strukturen unserer Beziehungen gewidmet. Die Kameras verfolgen das Geschehen live und fungieren als Spiegel und Voyeur; sie vergrößern und verändern das Sichtbare und legen das Verborgene frei. Die zentralen Konstruktionsprozesse der Choreographie und der Performance selbst sind Reduktion, Vervielfältigung und Montage. Reduktion auf die grundlegendsten Elemente von Beziehung, Bewegung und körperlicher Nähe. Gehen, Berühren, Schauen – all das macht die Partitur des Tanzstücks "Quartet" aus. Der Blick des Paares, der Blick der Kameras, der Blick des Zuschauers. Und das Spiel als Essenz der Beziehung und als Akt der Aufführung selbst. Das Spiel der möglichen Kombinationen reduzierter und erweiterter Elemente. Der zentrale Punkt zwischen dem Körper und dem zweidimensionalen Bild ist das Spiel der Gegensätze zwischen Lust und Gewalt, Koexistenz und Entfremdung. Die fabrizierte Geschichte, die aus verschiedenen Perspektiven gezeigt wird, entfaltet sich vor dem Publikum und ermöglicht es, die Konstruktion der Bühnenrealität selbst zu verfolgen.

Das Festival Tanzwerkstatt Europa wird seit 1991 vom Verein Joint Adventures gemeinsam mit dem Kulturreferat der Stadt München veranstaltet. Als Werkstatt für neue Ideen und Ästhetiken setzt sie wichtige Impulse im zeitgenössischen Tanz und der Performance-Kunst.

Das Gastspiel der Aufführung "Quartet" entstand in Zusammenarbeit zwischen Joint Adventures, SKICA Berlin und dem Gibanica Festival.

Foto: Darja Štravs Tisu

beepblip [Ida Hiršenfelder] ] ist Klangkünstlerin und Archivarin. Sie komponiert immersive psychogeografische Klanglandschaften unter Verwendung analoger Elektronik, modularer DIY-Klangsynthesizer, Feldaufnahmen und Computermanipulation. Ihr Interesse gilt der Klangökologie und der Verräumlichung von Klängen. Sie war Mitglied des Klangkollektivs Theremidi Orchestra (2011–2017) und ist derzeit Mitglied von Jata C, einer Gruppe, die Klangökologien erforscht (2018-) und der Modularsynthese-Community Clockwork Voltage. Ihre Soloalben Noise for Strings, Vol. 1 (2019) und Vol. 2 (2020) wurden bei Kamizdat veröffentlicht. Sie studierte Sonologie am Königlichen Konservatorium in Den Haag. Sie wurde mit dem Bunker-Preis "Zlata Strela" für Klanglandschaften für die Saison 2023/24 ausgezeichnet.

Die Verräumlichung von Klängen oder sogenannte immersive Systeme sind ein Bereich der Musikproduktion und -rezeption, der sich international rasch ausbreitet, da die Software und die technischen Hilfsmittel für diese Art der Übertragung elektroakustischer Kompositionen immer zugänglicher werden.

Während ihres Aufenthalts in der Künstlerresidenz in Berlin wird sich die Künstlerin vertieft mit der Arbeit der Institution Spæs befassen und ihre neue ambisonische Komposition "Telo vetra" (dt. Der Körper des Windes) produzieren.

Website: Link

Foto: Marijo Zupanov

beepblip [Ida Hiršenfelder] je zvočna umetnica in arhivistka. Komponira potopitvene psihogeografske zvočne krajine z uporabo analogne elektronike, naredi-sama modularnih sintetizatorjev zvoka, terenskih posnetkov in računalniške manipulacije. Zanima jo zvočna ekologija in zvočno prostorjenje. Bila je članica zvočnega kolektiva Theremidi Orchestra (2011–7), trenutno je članica skupine Jata C, ki raziskuje zvočne ekologije (2018–) in skupnosti Clockwork Voltage za modularno sintezo. Njena samostojna albuma Noise for Strings, Vol. 1 (2019) in Vol. 2 (2020) sta izšla pri založbi Kamizdat. Študirala je sonologijo na Kraljevem konservatoriju v Haagu. Je prejemnica Bunkerove nagrade zlata Strela za zvočno krajino za sezono 2023/24.

Zvočno prostorjenje ali tako imenovani potopitveni sistemi so področje glasbene produkcije in recepcije, ki se v mednarodnem prostoru pospešeno širijo, saj so programska in tehnična orodja za tovrstno posredovanje elektroakustičnih kompozicij čedalje bolj dostopna.

Bivanje v umetniški rezidenci bo avtorica namenila podrobnejšemu seznanjanju z delovanjem institucije Spæs (Berlin) in produkciji nove ambisonične kompozicije Telo vetra.

Splet: Link

Foto: Marijo Zupanov

Aljaž Koprivnikar (1987) ist Dichter, Literaturkritiker, Übersetzer und Organisator von Literaturprojekten. Seine Gedichte wurden in mehrere Sprachen übersetzt und sein Debütgedichtband Anatomija (dt. Anatomie) wurde 2019 in Griechenland und Slowenien veröffentlicht. Seine Lyrik wurde 2023 zweimal in deutscher Übersetzung veröffentlicht, und spanische und tschechische Übersetzungen seiner Gedichtbände sind in Vorbereitung. Als künstlerischer Leiter des Fabula Festivals und Koordinator der europäischen Poesieplattform Versopolis sowie der Projekte ThinkPub, ArtAct und NovelEU verbindet er aktiv europäische Literaturen. Er arbeitet zwischen Ljubljana, Berlin und Prag und kooperiert regelmäßig mit Berliner Institutionen wie der Lettretage, wo er Projekte an der Schnittstelle von Kreativität und interkultureller Zusammenarbeit entwickelt.

Das Projekt (De)kompozicije (dt. (De)kompositionen) in Berlin wird sich auf die Entstehung neuer Gedichte und die Übersetzung des Gedichtbandes Anatomija und des kommenden Gedichtbandes ins Deutsche konzentrieren. Neben der kreativen Arbeit wird ein Schwerpunkt auf der Zusammenarbeit mit dem Literaturhaus Lettretage liegen, wo Möglichkeiten für neue gemeinsame Projekte in Kooperation zwischen dem slowenischen, dem deutschen und dem weiteren europäischen Raum ausgelotet werden sollen. Die Residenz wird engere Verbindungen zu Berliner Institutionen wie dem Haus für Poesie und dem Literarischen Colloquium ermöglichen, mit denen der Autor bereits bei früheren Projekten zusammengearbeitet hat. Ein längerer Aufenthalt in Berlin wird seine Arbeit vertiefen und die Schaffung nachhaltiger Verbindungen ermöglichen, die die Zusammenarbeit zwischen slowenischen und deutschen Literaturschaffenden und -institutionen bereichern werden.

Foto: Jaka Gasar

Aljaž Koprivnikar (1987) je pesnik, literarni kritik, prevajalec in organizator literarnih projektov. Njegova poezija je prevedena v več jezikov, prvenec Anatomija pa je izšel leta 2019 v Grčiji in Sloveniji. Leta 2023 je njegova poezija dvakrat izšla v nemškem prevodu, trenutno sta v pripravi španski in češki prevod njegove pesniške zbirke. Kot umetniški direktor Festivala Fabula ter koordinator evropske platforme za poezijo Versopolis in projektov ThinkPub, ArtAct in NovelEU dejavno povezuje evropske literature. Deluje med Ljubljano, Berlinom in Prago ter redno sodeluje z berlinskimi institucijami, kot je literarna hiša Lettretage, kjer razvija projekte na presečišču ustvarjalnosti in medkulturnega sodelovanja.

Projekt (De)kompozicije v Berlinu bo osredotočen na ustvarjanje novih pesmi in prevajanje zbirk Anatomija ter prihajajoče zbirke v nemški jezik. Poleg ustvarjalnega dela bo velik poudarek na sodelovanju z literarno hišo Lettretage, kjer bodo v sodelovanju med slovenskim, nemškim in širšim evropskim prostorom raziskovali možnosti za nove projekte sodelovanja. Rezidenca bo omogočila tesnejše povezovanje z berlinskimi ustanovami, kot sta Haus für Poesie in Literarisches Colloquium, s katerima je avtor že sodeloval pri preteklih projektih. Daljše bivanje v Berlinu bo poglobilo njegovo ustvarjanje ter omogočilo oblikovanje trajnostnih povezav, ki bodo obogatile sodelovanje med slovenskimi in nemškimi literarnimi ustvarjalci ter institucijami.

Foto: Jaka Gasar

Prost vstop!

21. 6. bo na berlinskem prizorišču PANDA platforma v okviru dogodka Fête de la Musique at PANDA! nastopil Vlado Kreslin, priznani slovenski kantavtor. Poznamo ga njegovih zimzelenih skladbah, v katerih združuje slovensko ljudsko izročilo s sodobnim rockom in bluesom.

Svojo glasbeno pot je začel leta 1969 kot bobnar v skupini Apollo, v osemdesetih letih pa je zaslovel kot glavni vokalist rock skupine Martin Krpan. Kreslinovo ustvarjanje je odločilno prispevalo k revitalizaciji slovenske ljudske glasbe, premagovanju generacijskih vrzeli in kulturnih razlik.

V svoji karieri je Kreslin nastopal z mednarodno priznanimi umetniki, kot so R.E.M., The Dubliners, Allan Taylor, Hans Theessink, Vlatko Stefanovski, Antonella Ruggiero in Barcelona Gipsy and Klezmer Orchestra. S svojo zasedbo je dvakrat nastopil kot predskupina Boba Dylana.

Za svoje delo je prejel več priznanj, med drugim Ježkovo nagrado, Zlato piščal za življenjsko delo in red za zasluge, ki mu ga je leta 2022 podelil predsednik Republike Slovenije za izjemen ustvarjalni prispevek k slovenski glasbeni umetnosti.

Kreslin je tudi pesnik in igralec. Njegove pesniške zbirke, kot je "Namesto koga roža cveti", so prevedene v več jezikov. Nastopil je tudi v filmih, kot sta "Halgato" (1994) in "Traktor, ljubezen in rock'n'roll" (2008).

Foto: Regina Sablotny

Eintritt frei!

Am 21. Juni wird Vlado Kreslin, ein gefeierter slowenischer Singer-Songwriter, im Rahmen der Veranstaltung Fête de la Musique at PANDA! auf der Berliner PANDA platforma auftreten. Er ist bekannt für seine immergrünen Lieder, in denen er slowenische Volkstraditionen mit zeitgenössischem Rock und Blues verbindet.

Seine musikalische Reise begann 1969 als Schlagzeuger der Band Apollo. In den 1980er-Jahren wurde er als Leadsänger der Rockgruppe Martin Krpan einer breiten Öffentlichkeit bekannt. Kreslins Arbeit war maßgeblich an der Wiederbelebung der slowenischen Volksmusik beteiligt – sie überwindet Generationen- und Kulturgrenzen.

Im Laufe seiner Karriere trat Kreslin mit internationalen Künstlern wie R.E.M., The Dubliners, Allan Taylor, Hans Theessink, Vlatko Stefanovski, Antonella Ruggiero und dem Barcelona Gipsy and Klezmer Orchestra auf. Besonders erwähnenswert ist, dass er zweimal das Vorprogramm von Bob Dylan bestritt.

Für seine Verdienste um Musik und Kultur wurde Kreslin mit zahlreichen Auszeichnungen in der Republik Slowenien geehrt.

Kreslin ist auch ein Dichter und Schauspieler. Seine Gedichtbände, darunter „Namesto koga roža cveti “ („An wessen Stelle blüht die Blume “), wurden in mehrere Sprachen übersetzt. Auch als Schauspieler war er u. a. in den Filmen „Halgato “ (1994) und "Traktor, ljubezen in rock’n’roll" (2008) zu sehen.

Foto: Regina Sablotny

Nastop slovenske glasbenice Urške Preis na otvoritvi festivala:

3. 6. / 18:00

Akademie der Künste / Hanseatenweg 10, Berlin

Nastopa slovenskega_e pesnika_ce Ingo Jesen Vitman Öri:

11. 6. / 19:30

silent green Kulturquartier / Gerichtstraße 35, Berlin

12. 6. / 17:30

silent green Kulturquartier / Gerichtstraße 35, Berlin

Poesiefestival Berlin je eden največjih in najbolj priznanih pesniških festivalov v Evropi. Pesnice in pesniki z vsega sveta vsako leto v juniju na različnih berlinskih prizoriščih prebirajo svojo poezijo, ki jo mnogi od sodelujočih združujejo tudi z glasbo, vizualno umetnostjo ali instalacijami. 3. junija bo na otvoritvi glavnega dela festivala nastopila slovenska glasbenica Urška Preis. Letos se bo festivala iz Slovenije udeležil_a pesnik_ca Ingo Jesen Vitman Öri, ki bo v okviru dveh dogodkov predstavil_a svojo poezijo. Na dogodku »Writing Identites« bodo nastopili pesnice in pesniki, ki se osvobajajo spolnih vlog in uporabljajo inovativen, radikalen jezik. Na dogodku »this grand impossible morning« pa bosta o svoji poeziji, s katero rušita binarne spolne in družbene kategorije, spregovorila_i dva_e queer pesnika_ci.

Foto: OlaQueen

Auftritt der slowenischen Musikerin Urška Preis bei der Eröffnung des Festivals:

3. 6. / 18:00

Akademie der Künste / Hanseatenweg 10, Berlin

Auftritte des oder der slowenischen Dichter:in Ingo Jesen Vitman Öri:

11. 6. / 19:30

silent green Kulturquartier / Gerichtstraße 35, Berlin

12. 6. / 17:30

silent green Kulturquartier / Gerichtstraße 35, Berlin

Das Poesiefestival Berlin ist eines der größten und wichtigsten Poesiefestivals Europas. Jedes Jahr im Juni lesen Dichterinnen und Dichter aus aller Welt an verschiedenen Orten in Berlin aus ihren Gedichten, die oft auch mit Musik, bildender Kunst oder Installationen kombiniert werden. Am 3. Juni wird die slowenische Musikerin Urška Preis bei der Eröffnung des Hauptteils des Festivals auftreten. In diesem Jahr nimmt Dichter:in Ingo Jesen Vitman Öri aus Slowenien am Festival teil und wird ihre oder seine Poesie in zwei Veranstaltungen vorstellen. Bei der Veranstaltung „Writing Identities“ werden Dichterinnen und Dichter vorgestellt, die aus Geschlechterrollen ausbrechen und eine innovative, radikale Sprache verwenden. Bei der Veranstaltung „this grand impossible morning“ werden zwei queere Dichter:innen über ihre Poesie sprechen, die Geschlechter- und soziale Binaritäten aufbricht.

Foto: OlaQueen

Im Juni halten sich die Intermedia-Künstler Sara Bezovšek und Dorijan Šiško für einen Künstleraufenthalt in Berlin auf.

Sara Bezovšek ist eine visuelle Künstlerin, die mit Internetkunst, Experimentalfilm und Grafikdesign arbeitet. Ihre künstlerische Praxis ist geprägt von der Wiederaneignung von Online- und Popkulturmaterial. Mit einer dichten visuellen Referenzsprache erschließt sie das kollektive Imaginäre und konstruiert Erzählungen, die zugleich Kritik und Feier der hochgradig gesättigten Online-Medienlandschaften darstellen, durch die wir uns täglich bewegen. Sie hat einen MA in Grafikdesign von der Akademie für bildende Kunst und Design in Ljubljana. 2018 erhielt sie den studentischen Prešeren-Preis, 2021 den Hauptpreis des FeKK-Festivals und 2022 den Vesna-Preis für den besten slowenischen Experimentalfilm. 2024 wurde sie beim Slowenischen Filmfestival mit einer besonderen Erwähnung ausgezeichnet.

Dorijan Šiško ist ein intermedialer Künstler und Grafikdesigner, der in den Bereichen Videospiele, experimentelle Schnittstellen, Rauminstallationen, 3D-Grafik und digitale Animation arbeitet. Er interessiert sich für spekulative, postdigitale, postinternetbezogene, experimentelle und kritische Aspekte von Kunst und Design. Durch das Erschaffen virtueller, visuell-theoretischer Welten erforscht seine Arbeit Themen wie periphere digitale Kulturen, parallele Realitäten, die dunkle Seite des Internets, alternative Zukunftsszenarien der Menschheit und die Post-Wahrheit. Er hat einen MA in Grafikdesign von der Akademie für bildende Kunst und Design in Ljubljana, ist Koordinator des Kunstkollektivs Freštreš sowie visueller Koordinator der Gruppe Nimaš Izbire. Für die 34. Ljubljanaer Grafikbiennale – Iskra Delta – entwarf und mitkuratierte er das Musikprogramm, und für das internationale Festival KIBLIX 2020–2021 gestaltete er das gesamte Grafikdesign. Er wurde mit zwei Brumen-Preisen und dem Tresk-Preis ausgezeichnet.

Während ihres Aufenthalts in Berlin werden sie ihr neues Projekt Black Box fertigstellen, mit dem sie ihre gemeinsame Erforschung der Bedeutung von Wahrheit und Identität in der heutigen Gesellschaft fortsetzen. Das Projekt wird im Juli in einer Ausstellung in der Galerie Panke in Berlin vorgestellt. Black Box ist eine intermediale Erfahrung in Form eines installativen Videospiels und einer räumlichen Intervention, die die Besucher:innen mit der Komplexität zeitgenössischer Ideologien und sozialer Transformationen in einer Zeit technologischen Fortschritts und medialer Fragmentierung konfrontiert.

Sara Bezovšek: LINK

Dorijan Šiško: LINK

Foto: Marijo Zupanov

Junija bivata v berlinski umetniški rezidenci intermedijska umetnika Sara Bezovšek in Dorijan Šiško.

Sara Bezovšek je vizualna umetnica, ki se ukvarja z internetno umetnostjo, eksperimentalnimi filmi in grafičnim oblikovanjem. Za njeno umetniško prakso je značilna reapropriacija spletnega in popkulturnega gradiva. Z uporabo gostega vizualnega jezika referenc se dotika kolektivnega imaginarija ter gradi pripovedi, ki so hkrati kritika in praznovanje močno nasičenih spletnih medijskih pokrajin, skozi katere se vsakodnevno premikamo. Na Akademiji za likovno umetnost in oblikovanje v Ljubljani je magistrirala iz grafičnega oblikovanja. Leta 2018 je prejela študentsko Prešernovo nagrado, leta 2021 glavno nagrado na festivalu FeKK, leta 2022 pa nagrado vesna za najboljši slovenski eksperimentalni film. V letu 2024 je prejela posebno omembo na Festivalu slovenskega filma.

Dorijan Šiško je intermedijski umetnik in grafični oblikovalec, ki deluje na področjih videoiger, eksperimentalnih vmesnikov, prostorskih instalacij, 3D grafike in digitalne animacije. Zanimajo ga spekulativnooblikovalski, postdigitalni, postinternetni, eksperimentalni in kritični aspekti umetnosti in oblikovanja. Z ustvarjanjem virtualnih vizualno-teoretskih svetov v svojih delih raziskuje teme, kot so obrobna digitalna kultura, paralelne realnosti, temne strani interneta, alternativne prihodnosti človeštva in postresnica. Magistriral je iz grafičnega oblikovanja na Akademiji za likovno umetnost in oblikovanje,. Je koordinator umetniškega kolektiva Freštreš in vizualni koordinator skupine Nimaš izbire. Za 34. Grafični bienal Ljubljana – Iskra Delta je oblikoval in sokuriral glasbeni program, za Mednarodni festival KIBLIX 2020–2021 pa je oblikoval celostno grafično podobo. Prejel je dve Brumnovi nagradi in nagrado Tresk.

Med rezidenco v Berlinu bosta zaključila svoj novi projekt Črna Škatla (Black Box), s katerim nadaljujeta raziskovanje pomena resnice in identitete v sodobni družbi. Projekt bosta premierno predstavila julija na razstavi v galeriji Panke v Berlinu. Črna Škatla je intermedijska izkušnja v obliki instalacijske video igre in prostorske intervencije, ki obiskovalce sooča s kompleksnostjo sodobnih ideologij ter družbenih preobrazb v času tehnološkega napredka in medijske fragmentacije.

Sara Bezovšek: LINK

Dorijan Šiško: LINK

Foto: Marijo Zupanov

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EUNIC Berlin, mreža evropskih kulturnih inštitutov (katere del je SKICA Berlin), 31. maja 2025 ponovno organizira festival Babylon Europa, s katerim se letos zaključuje mesec Evrope. Na berlinskem prizorišču ufaFabrik bodo nastopili umetnice in umetniki iz 12 evropskih držav, ki bodo z različnimi umetniškimi oblikami proslavili kulturno identiteto in raznolikost Evrope. Festival bo postal središče umetniške razprave, ki bo raziskovala glas kot most med kulturnim izražanjem, osebno zgodovino in družbeno izmenjavo. Kaj pomeni glas v umetnosti? Kako se uporablja – kot glasbilo, kot nosilec čustev, kot politična izjava ali pesniška gesta? Kaj je mogoče izraziti z glasom, česar drugače ne moremo?

Nastopili bodo izvajalci, ki posegajo po različnih zvrsteh, kot so jazz, klasična, elektronska in ljudska glasba: Simona de Rosa (Italija), Militsa Gladnishka in Mihail Yossifov sextet (Bolgarija), ONHA (Belgija/Valonija-Bruselj), Loulia (Francija), Helene Glüxam (Avstrija), Zsombor Féher (Madžarska), Leonor Amaral (Portugalska), Ina West (Poljska), Ganna Gryniva (Ukrajina), TBD (Slovaška) in dih jemajoči nastopi s Catherine Elsen (Luksemburg), Tomaž Grom (Slovenija), Viviano Drugo (Romunija).

Iz Slovenije bo sodeloval Tomaž Grom, kontrabasist, skladatelj, ustanovitelj Zavoda Sploh ter kurator več festivalov. Nastopal je na festivalih po Evropi in Severni Ameriki in ustvaril glasbo za številne gledališke, plesne in lutkarske predstave ter filme. Glasbo razume kot medij komunikacije in ne le estetski užitek. Je mojster improvizacije, ki mu omogoča, da dela napake in se izgublja, a hkrati najde rešitve.

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EUNIC Berlin, ein Netzwerk europäischer Kulturinstitute (zu dem auch SKICA Berlin gehört), veranstaltet am 31. Mai 2025 wieder das Festival Babylon Europa, der in diesem Jahr das Ende des Europa-Monats markiert. Künstler*innen aus 12 europäischen Ländern werden in der Berliner ufaFabrik auftreten, um die kulturelle Identität und Vielfalt Europas durch eine Vielzahl von Kunstformen zu feiern. Das Festival wird zu einem Zentrum der künstlerischen Auseinandersetzung mit der Stimme als Brücke zwischen kulturellem Ausdruck, persönlicher Geschichte und gesellschaftlichem Austausch. Was bedeutet Stimme in der Kunst? Wie wird sie eingesetzt – als musikalisches Instrument, als Trägerin von Emotion, als politisches Statement oder poetische Geste? Was lässt sich mit der Stimme ausdrücken, was andere Formen nicht vermögen?

Das Showprogramm reicht von elektronischen Beats, pulsierenden Rhythmen, über Jazz, Klassik, bis Folk mit den Künstler:innen: Simona de Rosa (Italien), Militsa Gladnishka and Mihail Yossifov sextet (Bulgarien), ONHA (Belgien/Wallonie-Brüssel), Loulia (Frankreich), Helene Glüxam (Österreich), Zsombor Féher (Ungarn), Leonor Amaral (Portugal), Ina West (Polen), Ganna Gryniva (Ukraine), TBD (Slowakei) über atemberaubende Performances mit Catherine Elsen (Luxemburg), Tomaž Grom (Slowenien), Viviana Druga (Rumänien).

Aus Slowenien nimmt Tomaž Grom, Kontrabassist, Komponist, Gründer des Sploh-Instituts und Kurator mehrerer Festivals teil. Er ist auf Festivals in Europa und Nordamerika aufgetreten und hat Musik für zahlreiche Theater-, Tanz- und Puppenspiele sowie Filme komponiert. Er versteht Musik als Kommunikationsmittel und nicht nur als ästhetisches Vergnügen. Er ist ein Meister der Improvisation, die es ihm erlaubt, Fehler zu machen und sich zu verirren, aber gleichzeitig auch Lösungen zu finden.

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V Berlinu bosta 28. maja na kontrabasih prvič skupaj nastopila vrhunska glasbenika in improvizatorja Tomaž Grom ter Raed Yassin.

Tomaž Grom je slovenski kontrabasist in skladatelj, rojen leta 1972 v Ljubljani. Nastopal je na festivalih po Evropi in Severni Ameriki in ustvaril glasbo za številne gledališke, plesne in lutkarske predstave ter filme. Je ustanovitelj in programski vodja Zavoda Sploh, ki se ukvarja s produkcijo glasbenih in scenskih umetnosti ter izobraževanjem in založništvom. Prav tako je kurator festivala Neposlušno in avtor več performansov. Glasba je zanj medij komunikacije, pretok zamisli, iskanje, nepojasnjena vprašanja, in negotove situacije. Kompozicijo dojema kot improvizacijo, ki mu omogoča, da dela napake in se izgublja, a hkrati najde rešitve.

Gromu se bo pri drugem setu pridružil Raed Yassin, multidisciplinarni umetnik in glasbenik, ki se je rodil leta 1979 v Bejrutu. Skozi medije, kot so video, zvok, fotografija, besedilo, kiparstvo in performans razvija lastno konceptualno prakso. Izdal je več samostojnih glasbenih albumov, nekaj pa tudi kot del različnih skupin. Leta 2009 je ustanovil svojo neodvisno glasbeno založbo Annihaya.

Foto: Zavod Sploh

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Am 28. Mai werden die Spitzenmusiker und Improvisatoren Tomaž Grom und Raed Yassin zum ersten Mal gemeinsam in Berlin auf dem Kontrabass auftreten.

Tomaž Grom ist ein slowenischer Kontrabassist und Komponist, der 1972 in Ljubljana geboren wurde. Er ist auf Festivals in Europa und Nordamerika aufgetreten und hat Musik für zahlreiche Theater-, Tanz- und Puppentheaterstücke sowie Filme komponiert. Er ist Gründer und Programmdirektor des Instituts Sploh, das sich mit Musik, darstellender Kunst, Bildung und Verlagswesen befasst, sowie Kurator des Festivals Neposlušno und Autor mehrerer Performances. Musik ist für ihn ein Medium der Kommunikation, ein Fluss von Ideen, eine Suche, ungeklärte Fragen und ungewisse Situationen. Er versteht Komposition als Improvisation, die es ihm erlaubt, Fehler zu machen und sich zu verirren, aber gleichzeitig auch Lösungen zu finden.

Grom wird im zweiten Set von Raed Yassin begleitet, einem multidisziplinären Künstler und Musiker, der 1979 in Beirut geboren wurde. Er entwickelt seine eigene konzeptionelle Praxis durch Medien wie Video, Ton, Fotografie, Text, Skulptur und Performance. Er hat mehrere Soloalben und einige als Teil verschiedener Bands veröffentlicht. 2009 gründete er sein eigenes unabhängiges Musiklabel Annihaya.

Foto: Zavod Sploh

21. 5. / 19:30

Cinémathèque Leipzig / Karl-Liebknecht-Str. 109, Leipzig

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22. 5. / 19:30

V okviru Soundwatch Music Film Festival / Lichtblick-Kino / Kastanienallee 77, Berlin

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V Leipzigu in Berlinu bodo v maju predvajani trije filmi slovenskega režiserja in scenarista Igorja Zupeta. Filmi raziskujejo zgodovino, metodologijo in kulturni vpliv slovenske glasbene in večmedijske skupine Laibach ter z njo povezanega gibanja Neue Slowenische Kunst (NSK) in umetniškega kolektiva IRWIN. Projekciji v Leipzigu bo sledil pogovor z režiserjem, ki ga bo moderiral Alexander Pehlemann, urednik revije Zonic. Filmi bodo predvajani v slovenskem jeziku z angleškimi podnapisi.

Od Kapitala do kapitala: Države v času NSK (From Kapital to Capital: The States in Times of NSK)

Od Kapitala do kapitala (2017, 52') prikazuje zgodbo o kontroverznem plakatu, ki ga je skupina Novi kolektivizem, grafični oddelek NSK, leta 1987 prijavila na državni jugoslovanski natečaj za Dan mladosti. Njihova prijava je zmagala, vendar se je izkazala za zelo sporno. Osrednji motiv plakata je namreč nacistična slika alegorije tretjega rajha iz leta 1936, kar je nakazovalo na podobnosti med fašistično in socialistično realistično estetiko.

Opravičilo za modernost (An Apology for Modernity)

Opravičilo za modernost (2021, 71') je umetniški dokumentarec, ki je nastal v sodelovanju z umetniškim kolektivom IRWIN. V času 57. Beneškega bienala je kolektiv povabil kurdskega umetnika Ahmeta Öğüta, kustosa Charlesa Escheja in kustosinjo Zdenko Badovinac, da skupaj postavijo "Paviljon države NSK v času". Komisarji, kustosi, umetniki, delegati in obiskovalci paviljona si zastavljajo vprašanja o pomenu evropske kulturne in politične dediščine, njeni preteklosti in prihodnosti.

Laibach ~ 4'33 (4:33 Laibach Remake)

Kratki film Laibach ~ 4'33" (2019, 7') je poklon prelomni skladbi Johna Cagea, ki je prenovila pojmovanje glasbe, tišine in hrupa. Film je hkrati tudi prvi nemi glasbeni video, ki je nastal v okviru projekta STUMM433 založbe Mute Records. Projekt vključuje 50 priredb skladbe 4'33" izvajalcev, kot so Depeche Mode, New Order, Michael Gira, Wire, Einstürzende Neubauten, Nitzer Ebb in drugi.

Foto © Nordcross Production

21. 5. / 19:30

Cinémathèque Leipzig / Karl-Liebknecht-Str. 109, Leipzig

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22. 5. / 19:30

im Rahmen von Soundwatch Music Film Festival / Lichtblick-Kino / Kastanienallee 77, Berlin

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Am 21. Mai werden in der Cinémathèque Leipzig drei Filme des slowenischen Regisseurs und Drehbuchautors Igor Zupe gezeigt. Die Filme befassen sich mit der Geschichte, der Methodik und dem kulturellen Einfluss der slowenischen Musik- und Multimediagruppe Laibach, der damit verbundenen Bewegung Neue Slowenische Kunst (NSK) sowie dem Künstlerkollektiv IRWIN. Im Anschluss an die Filmvorführung findet eine Diskussion mit dem Regisseur statt, die von Alexander Pehlemann, Redakteur von Zonic, moderiert wird. Die Filme werden in slowenischer Sprache mit englischen Untertiteln vorgeführt.

Vorführung von From Kapital to Capital: The States in Times of NSK

From Kapital to Capital (2017, 52') erzählt die Geschichte eines kontroversen Plakats, das von der Gruppe Neuer Kollektivismus, der Grafikabteilung des NSK, für den Wettbewerb zum jugoslawischen Tag der Jugend 1987 eingereicht wurde. Ihr Beitrag gewann, erwies sich aber als höchst umstritten. Das zentrale Motiv des Plakats war ein Nazi-Gemälde aus dem Jahr 1936, das eine Allegorie des Dritten Reichs darstellt und Ähnlichkeiten zwischen der faschistischen und der sozialistischen realistischen Ästhetik suggeriert.

Vorführung von An Apology for Modernity

An Apology for Modernity (2021, 71') ist ein künstlerischer Dokumentarfilm, der in Zusammenarbeit mit dem IRWIN Künstlerkollektiv entstanden ist. Während der 57. Biennale Venedig lud das Kollektiv den kurdischen Künstler Ahmet Öğüt, den Kurator Charles Esche und die Kuratorin Zdenka Badovinac ein, gemeinsam an „Pavillon des NSK Staates“ zu arbeiten. Kommissare, Kuratoren, Künstler, Delegierte und Besucher des Pavillons stellen Fragen nach der Bedeutung des kulturellen und politischen Erbes Europas, seiner Vergangenheit und seiner Zukunft.

Vorführung von 4:33 Laibach Remake

Der Kurzfilm 4:33 Laibach Remake (2019, 7') ist eine Hommage an John Cages bahnbrechende Komposition, die den Begriff der Musik, der Stille und des Geräuschs neu definierte. Der Film ist auch das erste stille Musikvideo, das im Rahmen des STUMM433-Projekts von Mute Records produziert wurde. Das Projekt umfasst 50 Cover von dem Lied 4'33 von Künstlern wie Depeche Mode, New Order, Michael Gira, Wire, Einstürzende Neubauten, Nitzer Ebb und anderen.

Foto © Nordcross Production

BEWERBUNG

EUNIC Berlin präsentiert Next! Young European Design bereits zum dritten Mal im Rahmen der Berlin Design Week. In Zusammenarbeit mit Aedes Metropolitan Lab finden am 14. Mai in der Aedes Gallerie Präsentationen und eine Diskussion zwischen jungen europäischen Designern aus Rumänien, Malta, Polen, Finnland, den Niederlanden, Ungarn, Luxemburg, Estland und Slowenien statt.

Historisch gesehen haben gesellschaftliche Herausforderungen und Krisen stets neue Impulse im Design ausgelöst. Von der Arts-and-Crafts-Bewegung über das Bauhaus bis hin zu ökologischem Design in den 1970er-Jahren war Gestaltung immer auch eine Antwort auf soziale, wirtschaftliche und ökologische Umbrüche. Wie verändert sich das Design in Europa heutzutage, angesichts lokaler und globaler Krisen? Welche Strategien machen eine krisenfeste europäische Designlandschaft aus? Welche Rolle spielen dabei Tradition, Innovation, Kollaboration und das Künstlerische? Was ist Europas Stärke im Vergleich zu anderen Regionen? Junge Designer*innen sind einerseits in traditionsreichen Designbereichen ihres jeweiligen Landes verwurzelt und können somit auf langjähriges Know-how und bestehende Industrie- oder Handwerksstrukturen zurückgreifen, andererseits suchen sie nach progressiven und kreativen Lösungen für aktuelle Herausforderungen.

Programm:

In zwei Panels zu sozialen Aspekten und Nachhaltigkeit geben Künstlerinnen und Künstler Einblicke in ihre Arbeit und eröffnen mit einer moderierten Diskussion einen Dialog.

Begrüßung: Dunya Bouchi, Aedes, Berlin und Sasha Shavel Burkart, Präsidentin von EUNIC Berlin und Leiterin von SKICA Berlin.

Einführung und Moderation: Simona Binko, Kuratorin des Projekts

• Panel I - Design als Instrument für sozialen Wandel

Im ersten Teil des Abends richten wir den Fokus auf Design als Werkzeug für gesellschaftlichen Wandel, für soziale Innovation und Partizipation. Mit interdisziplinären Kollektiven und Studios sprechen wir über Projekte, die weniger Produkte als vielmehr soziale Räume und Prozesse gestalten:

Robida aus Slowenien arbeitet im verlassenen Dorf Topolò/Topolovo an der Schnittstelle von Design, Medien und Raum. Mit dem mehrsprachigen Robida Magazine und Radio Robida erforscht das Kollektiv kulturelle Möglichkeiten im post-ruralen Raum. Vida Rucli, slowenische Architektin, Kulturarbeiterin und Kuratorin für öffentliche Programme und Projekte des Kollektivs Robida, wird auftreten.

Atelier Ad-hoc aus Bukarest, Rumänien, betreibt neben seinem Designstudio auch eine NGO. Es entwickelt durchdachte, ressourcenschonende Räume und Interventionsstrategien für marginalisierte Gemeinschaften – und stärkt damit urbane Resilienz.

Die niederländische Plattform iii Instrument Inventors entstand aus der ArtScience-Tradition in Den Haag. Sie verbindet technologische Innovation mit theoretischer Reflexion und menschlicher Erfahrung.

Henna Lampinen gründete in Helsinki das Modelabel henna, das sich der Frage widmet, wie Mode inklusiver gestaltet werden kann.

• Panel II - Widerstandsfähigkeit der Konstruktion

Im zweiten Teil des Abends richten wir den Fokus auf Materialität und Handwerk als Schlüssel zur Resilienz im Design – und diskutieren Strategien für nachhaltige, widerstandsfähige und anpassungsfähige Gestaltung in Zeiten globaler Krisen.

Jules Péan aus Luxemburg beschäftigt sich im Projekt NEW ROCKS mit Materialexperimenten. Aus Abfällen lokaler geschlossener Minen stellt er neue Gesteine her, die er in funktionale Objekte verwandelt.

Magdalena Jugo nutzt in ihrer Geschirrkollektion Regional Dreaming lokale Materialien und Techniken – darunter Asche von Bioabfällen aus einer Müllverbrennungsanlage in Posen oder die historische Raugo-Brenntechnik baltischer Stämme, und vergisst dabei nie, den hohen ästhetischen Anspruch ihrer Objekte mit Funktionalität zu verbinden.

Siim Karro und sein Team von Myceen aus Estland erforschen Anwendungen von Pilzmyzel – von Lampenschirmen bis hin zu CO₂-negativen Baumaterialien.

Adrienn Király und Bálint Szalai betreiben in Budapest, Ungarn das sozial orientierte Label itthon. (zu Hause). In Zusammenarbeit mit lokalen Handwerker:innen entstehen alltagstaugliche Objekte, die auf traditionellen Techniken aus Bálints Heimatregion Vojvodina basieren.

Anthony Bonnici (Malta) präsentiert das Projekt URNA. In einem multinationalen Team entwickelte er ein neues Ritual für den Umgang mit menschlichen Überresten – als Reaktion auf die Einführung der Feuerbestattung in Malta. Das Projekt wird bei der London Design Biennale gezeigt.

Website Robida

Foto: komposter / EUNIC Berlin

PRIJAVA

EUNIC Berlin v okviru Berlinskega tedna oblikovanja že tretjič predstavlja projekt Next! Young European Design. V sodelovanju z Aedes Metropolitan Lab bodo 14. maja v galeriji Aedes potekale predstavitve in pogovor med mladimi evropskimi oblikovalci iz Romunije, Malte, Poljske, Finske, Nizozemske, Madžarske, Luksemburga, Estonije in Slovenije.

Družbeni pretresi in krize so vedno sprožili nove impulze v oblikovanju - od gibanja umetnostne obrti in Bauhausa do pojava ekološkega oblikovanja v sedemdesetih letih prejšnjega stoletja. Kako se oblikovanje v Evropi odziva in razvija v luči sedanjih lokalnih in globalnih kriz? Katere strategije se uporabljajo za oblikovanje odpornejše evropske oblikovalske kulture? Kako se na tem področju prepletajo tradicija, inovacije, sodelovanje in umetniško izražanje? In kje so prednosti Evrope v primerjavi z drugimi regijami? Mladi oblikovalci se opirajo na oblikovalsko tradicijo svoje države, ki jim omogoča dostop do obširnega strokovnega znanja ter obstoječih industrijskih in obrtnih struktur, hkrati pa iščejo napredne in ustvarjalne rešitve za izzive sodobnega sveta.

Program:

V okviru dveh panelov o socialnih vidikih in trajnosti bodo umetnice in umetniki predstavili vpogled v svoje delo in z moderirano razpravo odprli dialog.

Uvodni nagovor: Dunya Bouchi, Aedes, Berlin in Saša Šavel Burkart, predsednica EUNIC Berlin in vodja SKICA Berlin

Uvod in moderiranje: Simona Binko, kuratorka projekta

• Panel I - Oblikovanje kot orodje za družbene spremembe

Prvi panel obravnava projekte interdisciplinarnih kolektivov in studiev, ki oblikujejo družbene prostore in procese, ter se osredotoča na oblikovanje kot orodje za družbene spremembe, družbene inovacije in sodelovanje.

Nastopili bodo:

Kolektiv Robida iz Slovenije deluje v zapuščeni vasi Topolò na presečišču oblikovanja, jezika, medijev in prostora. Z večjezično revijo Robida in radiem Robida kolektiv raziskuje kulturne možnosti v post-ruralnem prostoru. Nastopila bo Vida Rucli, slovenska arhitekta, kulturna delavka ter kuratorka javnih programov in projektov kolektiva Robida.

Atelier Ad-hoc iz Bukarešte v Romuniji poleg svoje oblikovalske prakse vodi tudi nevladno organizacijo. Studio razvija premišljene, z viri učinkovite prostore in intervencijske strategije za marginalizirane skupnosti ter tako krepi odpornost mest.

Nizozemska platforma iii Instrument Inventors je izšla iz tradicije ArtScience v Haagu. Združuje tehnološke inovacije s teoretičnim razmislekom in človeškimi izkušnjami.

Henna Lampinen je v Helsinkih na Finskem ustanovila modno znamko henna, ki predstavlja, kako lahko moda postane bolj vključujoča.

• Panel II - Odpornost pri oblikovanju

Drugi sklop obravnava, kako lahko materialnost in obrtništvo spodbujata odpornost v oblikovanju, in razpravlja o strategijah za trajnostno in prilagodljivo oblikovanje v času globalnih kriz.

Nastopili bodo:

Jules Péan iz Luksemburga se s projektom NEW ROCKS ukvarja z eksperimentiranjem z materiali, pri čemer odpadke iz zaprtih lokalnih rudnikov spreminja v novo oblikovane kamnine in jih oblikuje v funkcionalne predmete. Magdalena Jugo (Poljska) v kolekciji namiznega posodja Regional Dreaming združuje lokalne materiale in tehnike - vključno s pepelom iz sežiganja organskih odpadkov v Poznanu in zgodovinsko metodo žganja Raugo baltskih plemen - in tako brez težav usklajuje estetsko odličnost s funkcionalnostjo.

Siim Karro in njegova ekipa pri podjetju Myceen iz Estonije raziskujeta različne možnosti uporabe micelija, od senčil za svetilke do gradbenih materialov z negativnimi emisijami CO₂.

Adrienn Király in Bálint Szalai vodita družbeno usmerjeno blagovno znamko itthon („doma“) v Budimpešti. V sodelovanju z lokalnimi obrtniki oblikujeta vsakodnevne predmete po navdihu tradicionalnih tehnik iz Bálintove domače regije Vojvodine.

Anthony Bonnici (Malta) predstavlja projekt URNA, ki ga je razvil v sodelovanju z večnacionalno ekipo. Projekt uvaja nov obred ravnanja s človeškimi posmrtnimi ostanki, ki je odziv na nedavno legalizacijo upepeljevanja na Malti. Predstavljen je na londonskem bienalu oblikovanja.

Spletna stran kolektiva Robida

Foto: komposter / EUNIC Berlin

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Glasbeno dogajanje v Chemnitzu bodo v maju popestrili številni evropski umetniki. Predstavili se bodo na ciklu koncertov "Europe Sounds", ki se bo odvijal od 7. do 9. maja v sklopu Tedna Evrope. Dogajanje se bo zaključilo 9. maja z umetniškimi prispevki iz Armenije in Grčije, poseben poudarek pa bo na gostih iz Slovenije, saj si v letu 2025 mesti Chemnitz in Nova Gorica delita naziv Evropske prestolnice kulture. Nastopila bo slovenska glasbena skupina Katalena.

Zgodba tega seksteta se je začela leta 2001 z glasbeno delavnico v jugovzhodni Sloveniji. Sprva je bila Katalena zamišljena kot le enkraten projekt, ki pa se je kmalu zatem razvil v bend. Navdih črpajo iz slovenske ljudske glasbene zapuščine, ki si jo prizadevajo poživiti in pomladiti z lastno, svežo energijo ter osvoboditi ideološke konotacije. Osnovno izhodišče njihovega ustvarjanja je prepričanje o brezčasnosti tradicionalne glasbe, ki jo združujejo z drugimi glasbenimi zvrstmi, kot so art rock, funk, jazz in blues. Zasedbo sestavljajo Vesna Zornik, Polona Janežič, Boštjan Gombač, Tibor Mihelič Syed, Boštjan Narat in Robert Rebolj. Igrali so v skoraj vseh klubih, koncertnih dvoranah in festivalskih prizoriščih v Sloveniji, nastopali pa so tudi v ZDA, Izraelu in po Evropi. Skupina je do sedaj izdala devet albumov: (Z)godbe (ZKP RTV Slovenija), Babje leto, Kmečka ohcet in Cvik cvak! (Dallas Records), Noč čarovnic, Enci benci Katalenci in Človek ni zver (Založba Pivec), Kužne pesmi (Založba Pivec) in glasba baleta Kekec (SNG Maribor). Vsi albumi so bili izjemno dobro sprejeti tako pri kritikih kot pri poslušalcih.

Spletna stran Katalene

Foto: Ivian Kan Mujezinović

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Im Mai wird Chemnitz von einer Reihe europäischer Künstler*innen belebt. Sie treten bei der Konzertreihe „Europe Sounds“ auf, die vom 7. bis 9. Mai im Rahmen der Europawoche stattfindet. Die Veranstaltung endet am 9. Mai mit künstlerischen Beiträgen aus Armenien und Griechenland sowie einem besonderen Schwerpunkt auf Gästen aus Slowenien, denn im Jahr 2025 teilen sich die Städte Chemnitz und Nova Gorica den Titel „Kulturhauptstadt Europas“. Die slowenische Musikgruppe Katalena wird auftreten.

Die Geschichte dieses Sextetts begann 2001 mit einem Musikworkshop in Südostslowenien. Ursprünglich war Katalena als einmaliges Projekt gedacht, aber bald darauf entwickelte sich daraus eine Band. Sie lassen sich vom slowenischen Volksmusik-Erbe inspirieren, das sie mit frischer Energie und ohne ideologische Zuschreibungen wiederbeleben und verjüngen wollen. Ausgangspunkt ihrer Arbeit ist der Glaube an die Zeitlosigkeit traditioneller Musik, die sie mit Elementen aus Artrock, Funk, Jazz und Blues verbinden. Die Band besteht aus Vesna Zornik, Polona Janežič, Boštjan Gombač, Tibor Mihelič Syed, Boštjan Narat und Robert Rebolj.

Sie spielten in fast allen Clubs, Konzertsälen und auf Festivals in Slowenien sowie in den USA, Israel und ganz Europa. Die Band veröffentlichte bisher neun Alben: (Z)godbe (ZKP RTV Slovenia), Babje leto, Kmečka ohcet und Cvik cvak! (Dallas Records), Noč čarovnic, Enci benci Katalenci und Človek ni zver (Pivec Publishing House), Kužne pesmi (Pivec Publishing House) und der Soundtrack zum Ballett Kekec (SNG Maribor). „Alle Alben fanden sowohl bei Kritikern als auch beim Publikum großen Anklang.

Katalena website

Foto: Ivian Kan Mujezinović

Vida Rucli ist Architektin, Kulturarbeiterin und Mitbegründerin des Kollektivs Robida, das im Dorf Topolò/Topolove in Venetien, im Grenzgebiet zwischen Italien und Slowenien, ansässig ist. Das Kollektiv Robida erforscht mit der Zeitschrift Robida und dem Radio Themen, die mit Topolove zusammenhängen, wie Verlassenheit, Stille und die Beziehung zwischen dem Vertrauten und dem Wilden. Sie engagieren sich für kulturelle Aktionen in post-ländlichen Gebieten und konzentrieren sich auf nachhaltige und umweltbewusste Kunstprojekte. In der Vergangenheit haben sie mehrere Workshops zu Feldaufnahmen und Architektur organisiert. 2021 eröffneten sie einen kleinen Coworking- und Catering-Raum Izba im Dorf Topolove und begannen mit der Entwicklung des Konzepts einer Künstlerresidenz. Eines ihrer wichtigsten Projekte ist die Akademie der Peripherie, die als Treffpunkt zwischen Mainstream-Theorien und peripheren Orten sowie zwischen wichtigen Autoren und der jungen Generation dient. Vida Rucli ist seit 2014 Redakteurin von Robida und seit 2017 Kuratorin für die öffentlichen Programme und Projekte von Robida. Sie hat an verschiedenen Universitäten wie Yale Architecture, Königliche Akademie der Bildenden Künste in Haag und der Polytechnische Universität Mailand gelehrt und mit dem Climate Care Festival (Floating University, Berlin, 2023) zusammengearbeitet. Sie ist Mitglied der internationalen Forschungsgruppe Ecologies of Care und des Floating e.V. in Berlin.

Während ihres einmonatigen Aufenthalts in Berlin wird sie sich auf das Projekt "Der Raum und das Buch: situierte Verlagspraktiken und räumliche Praktiken in fragilen Ökologien" konzentrieren. Sie wird neue Verbindungen zwischen räumlichen Praktiken in komplexen städtischen Ökologien und Verlagspraktiken, die sich konkret oder konzeptionell mit ökologischen Themen befassen, erforschen und knüpfen. Einige der Fragen, die sie sich während ihres Aufenthalts stellen wird, sind: Wie kann man fragile Ökologien von Räumen darstellen? Wie verortet man eine Ruine in einem Buch? Wie kann man eine nicht-menschliche Präsenz in einer Publikation darstellen? Wie kann man eine Publikation so gestalten, dass sie dem Raum und den Bedürfnissen des Raums gerecht wird? Am 14. Mai wird sie an der Veranstaltung Next! Young European Design teilnehmen, die gemeinsam mit SKICA Berlin (EUNIC Berlin) im Aedes Metropolitan Lab organisiert wird.

Website Robida

Website Next! Young European Design

Foto © Monique Ulrich

Vida Rucli je arhitektka, kulturna delavka in soustanoviteljica kolektiva Robida s sedežem v vasi Topolò/Topolove v Benečiji, na obmejnem območju med Italijo in Slovenijo. Kolektiv Robida z revijo in radiem Robida raziskuje teme, ki so povezane s krajem Topolove, kot so zapuščenost, tišina ter odnos med domačim in divjino. Ukvarjajo se s kulturnim delovanjem na post-ruralnih območjih in se osredotočajo na trajnostne in okoljsko ozaveščene umetniške projekte. V preteklosti so organizirali več delavnic terenskega snemanja in arhitekture, leta 2021 pa so v vasi Topolove odprli majhen coworking in gostinski prostor Izba ter začeli razvijati koncept umetniške rezidence. Eden izmed njihovih pomembnejših projektov je Akademija obrobja, ki služi kot prostor srečevanja med osrednjimi teorijami in obrobnimi kraji ter med pomembnimi avtorji in mlajšo generacijo. Vida Rucli je od leta 2014 urednica revije Robida, od leta 2017 pa kuratorka javnih programov in projektov kolektiva Robida. Predavala je na različnih univerzah, kot so Yale Architecture, Kraljeva akademija umetnosti v Haagu in Politehniška univerza v Milanu in sodelovala s festivalom Climate Care (Floating University, Berlin, 2023). Je članica mednarodne raziskovalne skupine Ecologies of Care in društva Floating e.V. v Berlinu.

V času enomesečne rezidence v Berlinu se bo posvečala projektu "Prostor in knjiga: Prakse situiranega založništva in prostorske prakse v krhkih ekologijah". Raziskovala in tkala bo nove vezi med prostorskimi praksami v kompleksnih mestnih ekologijah in založniškimi praksami, ki se z ekološkimi temami ukvarjajo konkretno ali konceptualno. Nekatera izmed vprašanj, ki si jih bo postavila v času rezidence, so naslednja: Kako predstavljati krhke ekologije prostorov? Kako v knjigi uprostoriti ruševino? Kako reprezentirati nečloveško prisotnost znotraj publikacije? Kako urediti publikacijo, tako da ta odgovarja prostoru in na potrebe prostora? 14. maja bo udeleženka projekta Next! Young European Design, ki bo potekal v soorganizaciji s SKICA Berlin (EUNIC Berlin) v Aedes Metropolitan Lab.

Spletna stran Robida

Spletna stran Next! Young European Design

Foto © Monique Ulrich

Kiezpoeten je kulturni kolektiv s sedežem v Berlinu, ki prireja in vodi delavnice ter dogodke slam poezije. 10. aprila ob 18.00 bo na njihovem dogodku Janus Slam an der BHT nastopilo šest izkušenih mojstrov slam poezije. Med njimi bo tudi slovenska pesnica Nika Gradišek.

Nika Gradišek (2001) je študentka sociologije in anglistike na Filozofski fakulteti Univerze v Ljubljani in novinarka ter urednica univerzitetne redakcije Radia Študent. V prostem času je tudi debaterka, glasbenica in igralka, predvsem pa se ukvarja s pisanjem poezije. Njena poezija je bila v okviru mednarodnih sodelovanj, festivalov in novinarskih prispevkov objavljena in prevedena v več jezikov. V letih 2022 in 2024 je bila državna prvakinja v slam poeziji. Sodelovala je na številnih literarnih natečajih in med drugim zmagala Pesniško olimpijado 2023. Leta 2024 je pri založbi Črna skrinjica izdala svoj pesniški prvenec Obronki.

Foto: Matúš Pukančík

Kiezpoeten ist ein Berliner Kultur-Kollektiv, das Poetry-Slam-Workshops und Veranstaltungen organisiert und leitet. Am 10. April um 18:00 Uhr werden sechs erfahrene Meister*innen im Poetry Slam bei ihrer Veranstaltung Janus Slam an der BHT auftreten. Unter ihnen ist auch die slowenische Dichterin Nika Gradišek.

Nika Gradišek (2001) studiert Soziologie und Anglistik an der Philosophischen Fakultät der Universität Ljubljana und arbeitet als Journalistin und Redakteurin in der Universitätsredaktion von Radio Študent. In ihrer Freizeit ist sie auch Debattiererin, Musikerin und Schauspielerin, aber hauptsächlich schreibt sie Gedichte. Ihre Gedichte wurden im Rahmen von internationalen Kooperationen, Festivals und journalistischen Beiträgen veröffentlicht und in mehrere Sprachen übersetzt. In den Jahren 2022 und 2024 war sie nationale Meisterin im Poetry Slam. Sie hat an zahlreichen Literaturwettbewerben teilgenommen und unter anderem die slowenische Poesieolympiade 2023 gewonnen. 2024 veröffentlichte sie ihr Gedichtdebüt Obronki (Abhänge) im Verlag Črna skrinjica.

Foto: Matúš Pukančík

Darko Štante ist ein slowenischer Regisseur und Drehbuchautor, der 1975 in Ljubljana geboren wurde. Er schloss sein Studium an der Fakultät für Sozialarbeit ab und erwarb einen Masterabschluss in Filmregie an der Schauspiel- und Filmhochschule AGRFT in Ljubljana.

Sein Spielfilmdebüt „Konsequenzen“ wurde 2018 auf dem Internationalen Filmfestival von Toronto (TIFF) uraufgeführt. Der Film gewann mehrere internationale Preise, darunter den Filmpreis Vesna für die beste Regie beim 21. Slowenisches Filmfestival (FSF). Sein neuer Film „Izgubljeni sin“ (dt. Der verlorene Sohn) soll voraussichtlich 2025 Premiere feiern. Derzeit entwickelt er das Drehbuch für einen Spielfilm mit dem Titel „Odvzem“ (dt. Entnahme) und schreibt ein neues Drehbuch mit dem Arbeitstitel Odmev“ (dt. Echo).

Während seines Aufenthalts in der Berliner Künstlerresidenz wird er am Drehbuch für einen Film arbeiten, der teilweise in Deutschland spielen wird. Er möchte Berliner Standorte erkunden, die für den Film geeignet wären oder als Inspiration dienen könnten. Außerdem möchte er mehr über die Filmbranche in Deutschland und Berlin erfahren.

Foto: Esma Hajdarpašić

Darko Štante je slovenski režiser in scenarist, rojen leta 1975 v Ljubljani. Diplomiral je na Fakulteti za socialno delo in magistriral iz filmske režije na AGRFT v Ljubljani.

Njegov celovečerni prvenec “Posledice” je bil leta 2018 premierno prikazan na Mednarodnem filmskem festivalu v Torontu (TIFF). Za film je prejel več mednarodnih nagrad, med drugim tudi nagrado Vesna za najboljšo režijo na 21. Festivalu slovenskega filma. V letu 2025 bo imel predvidoma premiero njegov nov celovečerni film "Izgubljeni sin". Trenutno razvija scenarij za celovečerni igrani film “Odvzem” in piše nov scenarij z delovnim naslovom “Odmev”.

Med bivanjem v berlinski umetniški rezidenci se bo posvečal pisanju scenarija za celovečerni film, ki naj bi se deloma dogajal v Nemčiji. Raziskati namerava berlinske lokacije, ki bi bile primerne za film ali pa bi služile kot navdih. Prav tako se želi seznaniti z delovanjem filmskega sektorja v Nemčiji in Berlinu.

Foto: Esma Hajdarpašić

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Alja Petric ist eine slowenische Sängerin, Pädagogin und Klangkünstlerin.

Ihre künstlerische Arbeit dreht sich um die Erforschung der musikalischen Kunst – sei es durch Konzertauftritte, die Leitung von individuellen und Gruppen-Gesangsworkshops oder das Eintauchen in die therapeutische Kraft des Klangs. Nach ihrem Abschluss in Jazzgesang und Pädagogik an der Gustav Mahler Privatuniversität in Klagenfurt hat sie ihren künstlerischen Weg durch die Interpretation vielfältiger Musiktraditionen, musikalische Poesie-Projekte und zeitgenössische experimentelle Klangperformances geprägt, bei denen die Schaffung von Klanglandschaften und melodischen Atmosphären im Mittelpunkt steht.

Mit einer fundierten Basis in klassischer Musik, Jazz, Weltmusik und experimenteller atmosphärischer Musik sowie in Improvisation, musikalischer Poesie und meditativer Klangkunst erforscht sie kontinuierlich das kreative Zusammenspiel zwischen Mensch und Natur.

Sie lässt sich von den Klanglandschaften der Natur ebenso wie vom urbanen Leben inspirieren und verwebt diese Elemente zu Kompositionen, die ambientale Klangwelten, organische Texturen und freie Improvisation vereinen. Durch ihre Arbeit strebt sie danach, tiefgehende emotionale Landschaften zu erschaffen und eine Brücke zwischen Tradition und Innovation, Struktur und Spontaneität, Klang und Stille zu schlagen.

Während ihrer Residenz in Berlin wird sie performative und pädagogische Gesangspraktiken erforschen und vertiefen, mit dem Ziel, spezialisiertes Wissen zu erlangen und zu erweitern, sowie sich mit Musikern, die in Berlin tätig sind, zu vernetzen. Zudem wird sie an ihrer Solo-Performance arbeiten und neue Ideen und Erkenntnisse, die sie während der Residenz gewonnen hat, integrieren.

Alja Petric wird am 29. März, am Vorabend des Internationalen Zero-Waste-Tages, in der Galerie Roam Projects (Lindenstraße 91) auftreten, zum Abschluss der Ausstellung im Rahmen von EMOP Berlin von Ana Zibelnik und Jakob Ganslmeier „Vergänglichkeit und Erinnerung: Fotografische Narrative der Klimakrise."

Die Musikerin wird neue Kompositionen vorstellen, die während ihres einmonatigen Künstleraufenthalts in Berlin entstanden sind. In diesen verwandelt sich die Musik in den Widerhall des Zusammenlebens von Natur und Existenz, wobei sich durch eigene Texte, melodische Motive und Improvisation zwei Welten miteinander verweben – die in Wirklichkeit nur eine sind.“

Foto: Jože Požrl

www.aljapetric.com

Alja Petric je slovenska pevka, pedagoginja in zvočna umetnica.

Svojo umetniško pot je oblikovala z raziskovanjem raznolikih glasbenih tradicij, glasbeno-poetičnih projektov ter ustvarjanjem eksperimentalnih in gibalnih zvočnih performansov. Njen ustvarjalni jezik temelji na klasični, jazzovski in svetovni glasbi obenem pa zajema improvizacijo, pesniško kompozicijo in meditativne zvočne pokrajine. Navdih črpa iz zvokov narave in mestnega okolja ter jih vpleta v skladbe, ki združujejo ambientalne barve, organske teksture in svobodno improvizacijo. S svojim delom vzpostavlja dinamičen dialog med človeškim izrazom in naravnim svetom ter skozenj tankočutno nagovarja čustvene pokrajine, premošča meje med tradicijo in sodobnim, strukturo in spontanostjo ter zvokom in tišino.

Po zaključku študija jazz petja in pedagogike na Gustav Mahler Privatuniversität v Celovcu je svojo umetniško pot oblikovala skozi interpretacijo različnih glasbenih tradicij, glasbene poezije in sodobnih eksperimentalnih zvočnih performansov, pri katerih se osredotoča na ustvarjanje zvočnih pokrajin in melodičnih atmosfer.

S podlago v klasični, jazz, svetovni in eksperimentalni ambientalni glasbi ter v improvizaciji, glasbeni poeziji in meditativni zvočni umetnosti nenehno raziskuje kreativno soigro med človekom in naravo.

Navdihuje jo tako zvočna krajina narave kot tudi urbano življenje, te elemente prepleta v kompozicije, ki združujejo ambientne zvočne svetove, organske teksture in prosto improvizacijo. S svojim delom si prizadeva ustvariti globoke čustvene pokrajine in zgraditi most med tradicijo in inovacijo, strukturo in spontanostjo, zvokom in tišino.

Med rezidenco v Berlinu bo raziskovala in poglabljala performativne ter pedagoške glasbene vokalne prakse z namenom pridobivanja in širjenja specializiranega znanja, povezovanja z glasbenimi umetniki, ki delujejo v Berlinu, ter mreženja v umetniškem okolju. Prav tako bo delala na svojem solo performansu, pri čemer bo implementirala nove ideje in znanja, pridobljena med rezidenco. Alja Petrič (glas, looper, flavta, tolkala) bo 29.3., na predvečer mednarodnega dneva brez odpadkov (zero waste), nastopila v galeriji roam projects (Lindenstrasse 91) ob zaključku razstave v okviru EMOP Berlin Ane Zibelnik in Jakoba Ganslmaierja "Minljivost in spomin: fotografski narativi podnebne krize."

Glasbenica bo predstavila nove skladbe, ustvarjene med enomesečno umetniško rezidenco v Berlinu. V njih se glasba preobraža v odmev sobivanja narave in bivanja, kjer se skozi avtorske tekste, melodične motive in improvizacijo prepletata dva svetova – ki sta v resnici le eden.

Foto: Jože Požrl

www.aljapetric.com

27.02.2025, 13–19 Uhr: preview

28.02.2025, 18 Uhr: Eröffnung

01.03.2025, 15–16:30 Uhr: Artist Talk

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Im Rahmen von EMOP Berlin - European Month of Photography stellt die Ausstellung die Arbeit Immortality is Commonplace (2022) von Ana Zibelnik der Serie Fault Line (2023-) gegenüber, die in Zusammenarbeit mit Jakob Ganslmeier entstanden ist. Beide Arbeiten beschäftigen sich mit den Auswirkungen der Klimakrise und der Klimaangst, die den Diskurs der heutigen Jugend prägen.

Immortality is Commonplace beleuchtet die veränderte Rolle der Fotografie in Zeiten der Klimakrise. Während die Menschheit den psychologischen Drang verspürt, die Vergangenheit zu bewahren, sieht sie sich gleichzeitig dem drohenden Aussterben gegenüber. Was bedeutet es, in einer Endzeit zu leben? Zibelniks Faszination für biologisch unsterbliche Flechten wirft die Frage auf: Wer dokumentiert wen – wir die Natur oder die Natur uns?

Fault Line hingegen lädt die Betrachter*innen ein, die Folgen von klimabedingten Katastrophen, die Reaktionen rechtsextremer Gruppen, Jugendbewegungen und die Einwanderungspolitik kritisch zu hinterfragen. Neben den Fotografien geben persönliche Berichte und Interviews einen tieferen Einblick in gesellschaftliche und politische Spannungen. Die beiden Serien stellen die Frage: Wird Europa unter der Klimakrise zerbrechen, oder können wir gemeinsam verbindende Ebenen finden?

Ana Zibelnik (geb. 1995, Ljubljana) ist eine slowenische, bildende Künstlerin, die in Den Haag, Niederlande, lebt. Sie hat einen Master-Abschluss in Film- und Fotostudien an der Universität Leiden und einen BA in Visual Communication Design from the University of Ljubljana. Ihre Arbeit dreht sich um die Themen ökologische Krise, Klimaangst und deren soziale Auswirkungen. Seit 2020 arbeitet sie auch als Teil des Künstlerduos Ganslmeier & Zibelnik.

Im Jahr 2024 gewann das Künstlerduo Zibelnik und Ganslmeier, das sich in gemeinsamen Foto- und Videoprojekten mit der Identitätsbildung von Jugendlichen auseinandersetzt, den Hauptpreis des slowenischen Kranj Foto Festivals. Ana Zibelnik zeigte ihre Arbeiten unter anderem auf der Photo Basel und im FOAM Amsterdam (NL) sowie zusammen mit Ganslmeier im Fotomuseum Den Haag (NL). und, zusammen mit Ganslmeier, im Fotomuseum Den Haag (NL); im Jahr 2023 wurden Werke, die sie zusammen mit Jakob Ganslmeier und Onias Landveld kreiiert hatte, in der Gedenkstätte Bergen-Belsen ausgestellt; 2022 waren ihre Arbeiten u.a. in der Maribor Art Gallery, UGM Studio, auf der Paris Photo Online, auf dem Art Salon Zürich und als Teil einer Gruppenausstellung im Benaki Museum/Athens Foto Festival (GR) zu sehen; zwischen 2017 und 2021 war Zibelnik in div. Institutionen, von Deutschland über Ungarn bis hin zu Portugal und der Schweiz, vertreten und konnte verschiedenste Auszeichnungen wie den Mondriaan Fonds -Artist Project Grant und den Het Cultuurfonds, Fault Line; Stroom Den Haag, SPOT Grant, div. Nominierungen für den Newcomer-Preis des Leica Oskar Barnack Award und das City Municipality of Ljubljana Scholarship verzeichnen.

27.02.2025, 13–19h: preview

28.02.2025 ob 18h: otvoritev

01.03.2025, 15–16:30: Artist Talk

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Razstava, ki jo predstavljamo v okviru EMOP Berlin – European Month of Photography, združuje dela Ane Zibelnik, Immortality is Commonplace (2022), in Fault Line, ki od leta 2023 nastaja skupaj z nemškim umetnikom Jakobom Ganslmeierjem. Obe seriji se ukvarjata z vplivi podnebne krize in podnebnimi strahovi, ki oblikujejo diskurz med mladimi.

„Immortality is Commonplace“ preučuje spreminjajočo se vlogo fotografije v luči podnebne krize. Zibelnik postavlja vprašanje, kaj pomeni živeti v časih, ko ljudje vedno bolj občutimo psihološki pritisk po ohranjanju preteklosti pred grožnjo izumrtja. Fascinacija umetnice z lišaji, ki so biološko nesmrtni, odpira vprašanje: kdo pravzaprav dokumentira koga – ali mi dokumentiramo naravo ali narava dokumentira nas?

Projekt Fault Line pa se kritično loteva posledic naravnih nesreč, v navezavi z odzivi skrajne desnice, mladinskimi gibanji in politiko priseljevanja. Ob fotografijah, dnevniških zapisih in intervjujih, ki ponujajo globlji vpogled v družbene in politične napetosti, ki jih odražajo fotografije. Serija postavlja vprašanje, ali bo Evropa pod težo podnebne krize propadla ali pa bomo uspeli najti skupni jezik, ki nas bo povezal.

Ana Zibelnik (rojena 1995 v Ljubljani) je slovenska vizualna umetnica, ki živi v Haagu na Nizozemskem. Zaključila je magisterij iz filmskih in fotografskih študij na Univerzi v Leidnu in diplomo iz oblikovanja vizualnih komunikacij na Univerzi v Ljubljani. Njeno delo se osredotoča na teme ekološke krize, podnebne tesnobe in njihovih družbenih posledic. Od leta 2020 deluje tudi kot del umetniškega dvojca Ganslmeier & Zibelnik.

Leta 2024 sta umetniški dvojec Ana Zibelnik in Jan Ganslmeier, ki se v svojih foto- in videoprojektih osredotočata na oblikovanje identitete mladih, prejela glavno nagrado na slovenskem Kranj Foto Festivalu. Njena dela pa so bila razstavljena med drugim na Photo Basel in v FOAM Amsterdam (NL), ter skupaj z Ganslmeierjem v Fotomuzeju Den Haag (NL). Trenutno razstavljata na skupinski razstavi v Moderni Galeriji v Ljubljani.

Leta 2023 so bili njeni projekti, ustvarjeni z Jakobom Ganslmeierjem in Oniasom Landveldom, razstavljeni v spominskem muzeju Bergen-Belsen. Leta 2022 so bila njena dela med drugim na ogled v mariborski galeriji, UGM Studio, na Paris Photo Online, Art Salon Zürichu in na skupinski razstavi v Benaki muzeju na atenskem festivalu fotografije (GR).

Med leti 2017 in 2021 so bila njena predstavljena v različnih institucijah po Nemčiji, Madžarski, Portugalski in Švici. Prejela je številne nagrade, med drugim Mondriaan Fonds - Artist Project Grant, Het Cultuurfonds, Fault Line, Stroom Den Haag, SPOT Grant, različne nominacije za nagrade: Newcomer-Preis Leica Oskar Barnack Award ter Štipendijo Mestne občine Ljubljana.

Pogovor pred premiero: 9. februar ob 11:00

Premiera: 21. februar ob 19:30

VSTOPNICE

Komedija Sen kresne noči je eno izmed najbolj znanih in priljubljenih del Williama Shakespeara, ki raziskuje moč ljubezni, zmedo človeških čustev in magijo domišljije. Zgodba mojstrsko prepleta različne zgodbe: zaljubljenci bežijo pred strogimi zakoni, kralj in kraljica vil vladata naravnemu kraljestvu, skupina nespretnih delavcev pripravlja predstavo za kraljevo dvorišče. Sredi gostega gozda, kraja, polnega skrivnosti in nepojasnjenih moči, se ljubezenski pari soočajo z ovirami, ki preizkušajo njihove vezi. Kraljestvo vil igra svojo igro s človeškimi usodami, zaljubljence pa zmeda čarobni napoj, ki jih prisili, da se zaljubijo v prvo osebo, ki jo zagledajo. Temeljni motivi, kot so iracionalnost ljubezni, meje med resničnostjo in sanjami ter dinamika med močjo in domišljijo, so mojstrsko umeščeni v zgodbo. Koreograf Edward Clug, umetniški direktor Slovenskega narodnega gledališča Maribor, se posveča temu klasiku, svojo edinstveno vizijo prenaša na oder in gledalce popelje v svet, poln magije in globokih čustev. Koreografija poudari tako komične kot dramatične vidike zgodbe.

Koreografska interpretacija Edwarda Cluga ob glasbi, ki jo je posebej za to delo ustvaril Milko Lazar, pripoveduje Shakespearjevo delo skozi sodoben pogled. Sen kresne noči raziskuje globine človeške narave, hkrati pa ohranja svojo duhovitost in očarljivost. Glasba, ki jo je ustvaril Milko Lazar in je nastajala v tesnem sodelovanju z uprizoritvijo in koreografijo, bo prvič izvedena z orkestrom nemške opere v Berlinu.

Foto © Caroline Mackintosh

Premierengespräch: 9. Februar um 11:00 Uhr

Premiere: 21. Februar um 19:30 Uhr

TICKETS

Die Komödie Ein Sommernachtstraum ist eines der bekanntesten und beliebtesten Werke von William Shakespeare, die die Macht der Liebe, die Verwirrungen menschlicher Gefühle und die Magie der Fantasie erkundet. Die Handlung webt kunstvoll verschiedene Handlungsstränge zusammen: Liebende fliehen vor strengen Gesetzen, Elfenkönig*innen regieren über das Naturreich, und eine Gruppe ungeschickter Handwerker bereitet eine Aufführung für den königlichen Hof vor. Inmitten eines dichten Waldes, einem Schauplatz voller Geheimnisse und unerklärlicher Mächte, treffen Liebespaare auf Hindernisse, die ihre Bindungen auf die Probe stellen. Das Feenreich spielt sein eigenes Spiel mit den menschlichen Schicksalen und verwirrt die Liebenden mit einem magischen Trank, der sie sich in die erste Person verlieben lässt, die sie erblicken. Geschickt werden so Themen wie die Irrationalität der Liebe, die Grenzen zwischen Realität und Traum sowie die Dynamik zwischen Macht und Fantasie verwoben. Choreograph Edward Clug, Ballettdirektor des Slowenischen Nationaltheaters Maribor, widmet sich diesem Klassiker, bringt seine einzigartige Vision auf die Bühne und entführt mit seiner Bühnenvision in eine Welt voller Magie und tiefer Emotionen. Die Choreographie hebt sowohl die komischen als auch die dramatischen Aspekte der Geschichte hervor.

Edward Clugs choreographische Interpretation zu der eigens für dieses Stück komponierten Musik von Milko Lazar erzählt Shakespeare mit dem Blick von heute – eine Geschichte, die die Tiefen der menschlichen Natur erforscht und dabei humorvoll und verzaubernd bleibt. Die Musik von Milko Lazar ist ein Auftragswerk, das in enger Verbindung mit der Inszenierung entsteht und mit dem Orchester der Deutschen Oper Berlin zur Uraufführung kommt.

Foto © Caroline Mackintosh

13. poglavje performativnega umetniškega dogodka The Monuments slovenskega umetnika Jaše bo potekalo 8. februarja, na slovenski kulturni praznik, ki je v Sloveniji nacionalni praznik in dela prost dan. S tem poglavjem JAŠA nadaljuje raziskovanje odnosa med performativnim telesom, prostorom in ostanki zgodovine.

„Fragments of Us“ preoblikuje industrijski prostor Kühlhaus Berlin v oder za fragmentirane pripovedi in skrivnostna srečanja. Obiskovalci so povabljeni, da se sprehodijo po tej sugestivni pokrajini, pri čemer opazujejo, kako nastopajoči izvajajo ponavljajoče se geste in gibanja, ki nakazujejo na pozabljene zgodbe in neizgovorjene resnice.

Prost vstop.

Das 13. Kapitel der performativen Kunstveranstaltung The Monuments des slowenischen Künstlers Jaša findet am 8. Februar, dem slowenischen Kulturfeiertag, statt, der in Slowenien ein nationaler Feiertag und ein arbeitsfreier Tag ist. Mit diesem Kapitel setzt JAŠA seine Untersuchung der Beziehung zwischen dem performativen Körper, dem Raum und den Überresten der Geschichte fort.

„Fragments of Us“ verwandelt den industriellen Raum des Kühlhaus Berlin in eine Bühne für fragmentierte Erzählungen und mysteriöse Begegnungen. Die Besucher sind eingeladen, sich durch diese suggestive Landschaft zu bewegen und zu beobachten, wie die Performer wiederholende Gesten und Bewegungen ausführen, die auf vergessene Geschichten und unausgesprochene Wahrheiten hinweisen.

Freier Eintritt.

Prijave na office@skica.de

Ob praznovanju slovenskega kulturnega praznika bo v Haus für Poesie 6. februarja 2025 potekalo branje in pogovor. Trije mladi slovenski pesniki – Blaž Božič, Sergej Harlamov in Nežka Struc – predstavili svoja dela in obiskovalcem ponudili vpogled v sodobno slovensko poezijo.

Blaž Božič (*1991), avtor chapbooka in treh pesniških zbirk, je za svojo zadnjo zbirko Mleček, žbunje: grobovi v njem (nem. Wolfsmilch, Gebüsch: Gräber darin), ki je izšla leta 2022, prejel prestižno nagrado Jenko. Poleg tega deluje kot glasbenik, med drugim s projektom Breakcore/Spoken Word SsmKOSK in kot kitarist skupine nevem nevem.

Sergej Harlamov (*1989), pesnik in sociolog, je svojo prvo zbirko Jedci (nem. Die Esser) izdal že leta 2011, sledile so zbirke Mnogoboj mitologij (2019, nem. Vielzahl von Mythologien) in Hypomnemata (2022). Njegovo delo je bilo nominirano za literarne nagrade Jenko, Veronika in kritiško sito. Harlamovova poezija je znana po jezikovni radikalnosti, zlasti v najnovejših delih, kjer se posveča eksperimentalni konkretni poeziji.

Nežka Struc (*1987), pesnica in doktorandka antropologije, je avtorica treh pesniških zbirk: Nihanja (2017, nem. Schwingungen), Do severnega sija (2021, nem. Bis zu den Nordlichtern) in Le kaj bo rekel Ivan? Nismo utrujeni (2023, nem. Was sagt denn Ivan? Wir sind nicht müde). Deluje interdisciplinarno na področju zvočnih, vizualnih in prostorskih interpretacij poezije, poleg tega pa je so-prevajala Argonavte zahodnega Pacifika antropologa Malinowskega v slovenščino.

Dogodek bo preveden v slovenščino in nemščino.

V sodelovanju s Pranger Lyrikbook in Slovenskim kulturnim centrom SKICA Berlin. S prijazno podporo Javne agencije za knjigo Republike Slovenije (JAK).

Foto © Nina Pernat

Anmeldungen an office@skica.de

Anlässlich des slowenischen Kulturfeiertags wird am 6. Februar 2025 im Haus für Poesie eine Veranstaltung stattfinden. Drei junge slowenische Dichter – Blaž Božič, Sergej Harlamov und Nežka Struc – werden ihre Werke vorstellen und den Besuchern einen Einblick in die zeitgenössische slowenische Poesie geben.

Blaž Božič (*1991) veröffentlichte ein Chapbook und drei Gedichtbände. Für seinen letzten Band, der 2022 erschien, Mleček, žbunje: grobovi v njem (dt. Wolfsmilch, Gebüsch: Gräber darin), wurde er mit dem renommierten Jenko-Preis ausgezeichnet. Er ist auch als Musiker aktiv, u. a. mit dem Breakcore/Spoken Word-Projekt SsmKOSK und als Gitarrist der Band nevem nevem.

Sergej Harlamov (*1989) ist Dichter und Soziologe. Sein Debütband Jedci (dt. Die Esser) erschien bereits 2011, es folgten Mnogoboj mitologij (2019, dt. Vielzahl von Mythologien) und Hypomnemata (2022). Nominiert wurde sein Werk für die Literaturpreise Jenko, Veronika und kritiško sito. Harlamovs Dichtung zeugt von sprachlicher Radikalität, vor allem in seinen neuesten Texten wendet er sich der experimentellen Konkreten Poesie zu.

Nežka Struc (*1987) ist Dichterin und promovierte Anthropologin. Drei Bände liegen vor: Nihanja (2017, dt. Schwingungen), Do severnega sija (2021, dt. Bis zu den Nordlichtern) und Le kaj bo rekel Ivan? Nismo utrujeni (2023, dt. Was sagt denn Ivan? Wir sind nicht müde). Sie arbeitet interdisziplinär zu auditiven, visuellen und räumlichen Interpretationen von Poesie und co-übersetzte Argonauten des westlichen Pazifik des Anthropologen Malinowski ins Slowenische.

Die Veranstaltung wird slowenisch-deutsch gedolmetscht.

In Zusammenarbeit mit Pranger Lyrikbook und dem Slowenischen Kulturzentrum Berlin SKICA. Mit freundlicher Unterstützung der Slowenischen Buchagentur (JAK).

Foto © Nina Pernat

Im Rahmen der Ausstellung Dooms of Love der diesjährigen Follow Fluxus Stipendiatin Maja Smrekar werden im Nassauischer Kunstverein Wiesbaden Vorträge und ein Gespräch zum Thema hybride Kunst stattfinden.

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Der Austausch mit Wissenschaftler:innen aus verschiedenen Disziplinen ist ein wesentlicher Bestandteil von Smrekars künstlerischer Praxis. Vid Simoniti und Jens Hauser, international renommierte Experten zu Smrekars Werk, werden in kurzen Vorträgen ihre Forschungen und aktuellen Publikationen vorstellen und die Verflechtungen von Smrekars Arbeit mit Technologie, Politik und Fluxus-Ideen diskutieren.

Vid Simoniti, Senior Lecturer in Philosophie an der Universität Liverpool, hat das Buch Art and Knowledge Since 1900 mit herausgegeben und untersucht in seinem Werk Artists Remake the World (2023) die Beziehung zwischen zeitgenössischer Kunst, Politik und Aktivismus. Er sieht Smrekars Arbeit als Beitrag zur Neuordnung von Werten und Wahrnehmung.

Jens Hauser ist Medienwissenschaftler, Autor und Kurator, der an der Schnittstelle von Kunst und Technologie arbeitet. In seinem neuesten Buch Life is Other: A/Biotic Entanglements in Art and Curating wird das Konzept des Holobionts, des Lebens als kooperatives System, behandelt. Das Gespräch zwischen Hauser und Smrekar aus ihrer Langzeitperformance HYBRID FAMILY ist ebenfalls enthalten.

Auf Englisch.

Mit Unterstützung von SKICA Berlin.

Ob razstavi Dooms of Love lanske prejemnice Follow Fluxus štipendije, slovenske umetnice Maje Smrekar, bodo v Nassauischer Kunstverein Wiesbaden potekala predavanja in pogovor na temo hibridne umetnosti. Izmenjava z znanstveniki iz različnih disciplin je za Majo Smrekar ključni del njene umetniške prakse.

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Vid Simoniti in Jens Hauser, mednarodno priznana teoretika, ki se med drugim ukvarjata z delom Maje Smrekar, bosta v kratkih predavanjih predstavila svoja raziskovanja in aktualne publikacije ter skupaj z Majo Smrekar razpravljala o povezavah njenega dela s tehnologijo, politiko in idejami gibanja Fluxus.

Vid Simoniti, docent filozofije na Univerzi v Liverpoolu, je souredinik knjige Art and Knowledge Since 1900 in v svoji knjigi Artists Remake the World (2023) preučuje povezavo med sodobno umetnostjo, politiko in aktivizmom. Delo Maje Smrekar vidi kot prispevek k preoblikovanju vrednot in zaznave.

Jens Hauser je medijski teoretik, avtor in kurator, ki raziskuje preplet umetnosti in tehnologije. V svoji najnovejši knjigi Life is Other: A/Biotic Entanglements in Art and Curating obravnava koncept Holobionta, življenja kot kooperativnega sistema. V knjigo je vključen tudi pogovor med Hauser in Smrekar, ki je nastal med njeno dolgoletno predstavo HYBRID FAMILY.

V angleškem jeziku.

S podporo SKICA Berlin.

2.2. / 16:00 und 3.2. / 10:00

Nationaltheater Mannheim / Alte Feuerwache am Alten Messplatz, Brückenstraße 2, 68167 Mannheim / LINK

5.2. / 10:00 und 6.2. / 10:00 Theater Heilbronn / Berliner Pl. 1, 74072 Heilbronn / LINK

V predstavi „Reči reči“ Julia Keren Turbahn in Jan Rozman skupaj z Janom Kressom raziskujeta svet stvari. Kaj pomenijo „reči“? Je to nekaj, kar se vrti, ali pa zgolj obstaja? Predstava odpira svet možnosti, kjer se stvari srečujejo z nami, in raziskuje vprašanje, ali stvari lahko mislijo ali spreminjajo naše misli. Je to tvoja „reč“? Potem se jim pridruži! Igriva predstava ponuja prostor za interpretacijo, raziskovanje in srečanje, primerna za vse od 5. leta naprej.

Foto © Philipp Weinrich

2.2. / 16:00 und 3.2. / 10:00

Nationaltheater Mannheim / Alte Feuerwache am Alten Messplatz, Brückenstraße 2, 68167 Mannheim / LINK

5.2. / 10:00 und 6.2. / 10:00 Theater Heilbronn / Berliner Pl. 1, 74072 Heilbronn / LINK

Mit »Dinge dingen« laden Julia Keren Turbahn und Jan Rozman gemeinsam mit Jan Kress in eine übervolle Welt der Dinge ein. In eine Welt der Möglichkeiten, in der sie den Dingen und die Dinge ihnen auf unterschiedliche Weisen begegnen. Ist das dein Ding? Dann sei dabei: Die spielerische Performance lässt Raum für Interpretation, Entdeckung und Begegnung und lädt alle ab 5 Jahren zum Dingen ein.

Foto © Philipp Weinrich

Nika Jurman (1991) ist ausgebildete Komparatistin und Philosophin und arbeitet als Drehbuchautorin und Regisseurin. Ihr Kurzfilm Borbike (2022) erhielt den Vesna-Preis für den besten Animationsfilm 2023 sowie den Grand Prix beim Festival des unabhängigen Films 2024.

Derzeit arbeitet sie an den Projekten Hiška und Ida, die so schlecht sang, dass selbst die Toten von den Toten auferstanden und mit ihr sangen.

Auf die Künstlerresidenz kommt sie, um das Drehbuch für eine animierte Serie zu schreiben und Recherchen durchzuführen. Die Serie ist eine Fortsetzung des Kurzfilms Borbike (2022). Da die Serie in einer Künstlerresidenz spielt, wird die Autorin das Leben von Künstlerinnen untersuchen, die derzeit in Berlin leben und arbeiten.

Nika Jurman (1991) je po izobrazbi komparativistka in filozofinja, po poklicu pa scenaristka in režiserka. Njen kratki film Borbike (2022) je prejel Vesno za najboljši animirani film 2023 in Grand Prix na Festivalu neodvisnega filma 2024.

Trenutno sodeluje pri projektih Hiška (s.d.) in Ida, ki je pela tako grdo, da so še mrtvi vstali od mrtvih in zapeli z njo (s.d.), ki sta v nastajanju.

Na umetniško rezidenco prihaja pisati scenarij in opravljati raziskave za animirano serijo, ki bo nadaljevanje kratkega filma Borbike (2022). Ker se bo serija dogajala na umetniški rezidenci, bo avtorica raziskovala življenje umetnic, ki trenutno bivajo in ustvarjajo v Berlinu.

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Berlinska predstavitev najnovejše zbirke računalniško generirane poezije Igorja Štromajerja in njegovih računalnikov v okviru festivala Vorspiel / transmediale & CTM. Pesmi so nastale med letoma 2013 in 2018 s polsamodejno pretvorbo .jpg in .gif slikovnih datotek iz avtorjevih izbrisanih medmrežnih umetniških del [1996-2007; 2011] v besedilo, ki uporablja unikodni kodirni standard.

Igor Štromajer je električni paraumetnik z udeležbo na najrazličnejših razstavah in festivalih po svetu. Njegov opus zajema čez dvesto del in projektov, predstavljenih na več kot tristo razstavah, bienalih in festivalih v šestdesetih državah (transmediale, ISEA, EMAF, SIGGRAPH, Ars Electronica Futurelab, V2_, IMPAKT, CYNETART, Manifesta, U3 trienale, Stuttgarter Filmwinter, Hamburger Kunsthalle, ARCO, Les Rencontres Internationales, The Wrong Biennale idr.). Ukvarja se z raziskavami medmrežne paraumetnosti, večmedijskimi projekti, distopičnimi emocijami in emocionalnimi stanji, ki izhajajo iz nezmožnosti komunikacije. V svojih delih vzpostavlja strategije brezrazložnega upora in ponuja neuspešne taktike preseganja politične tesnobe. Za svoje delo je prejel več nagrad (Frankfurt, Hamburg, Dresden, Belfort, Madrid, Maribor, Podgorica itn.), njegova dela pa, preko odkupov, v svojih stalnih zbirkah hranijo vrhunske umetnostne institucije, med drugimi Le Centre Pompidou v Parizu, Museo Reina Sofia v Madridu, Computerfinearts Gallery v New Yorku in UGM v Mariboru.

V sodelovanju s SKICA Berlin.

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Die Berliner Präsentation der neuesten Ausgabe computergenerierter Poesie von Igor Štromajer und seinen Computern im Rahmen des Festivals Vorspiel / transmediale & CTM. Die Gedichte entstanden zwischen 2013 und 2018 durch eine halbautomatische Umwandlung von .jpg und .gif Bilddateien aus den gelöschten Internetkunstwerken des Autors [1996-2007; 2011] in Text, der einen einzigartigen Codierungsstandard verwendet.

Igor Štromajer, elektrischer Para-Künstler, erforscht taktische a=tF², intime Guerrilla und traumatische Low-Tech Kommunikationsstrategien. Er zeigte seine Werke in mehr als 300 Ausstellungen in mehr als 60 Ländern (transmediale, ISEA, EMAF, SIGGRAPH, Ars Electronica Futurelab, V2_, IMPAKT, CYNETART, Manifesta, U3 Triennale, Stuttgarter Filmwinter, Hamburger Kunsthalle, ARCO, Les Rencontres Internationales, The Wrong Biennale und in vielen anderen Galerien und Museen weltweit) und gewann verschiedene Preise (in Frankfurt, Hamburg, Dresden, Belfort, Madrid, Maribor, Podgorica usw.). Seine Werke sind Teil der permanenten Sammlung diverser renommierter Kunstinstitutionen, unter anderem im Le Centre Pompidou in Paris; Museo Reina Sofía in Madrid; Computerfinearts Gallery in NYC; UGM – Maribor Kunstgalerie in Maribor.

In Kooperation mit SKICA Berlin.

VSTOPNICE

Katja Šulc je slovenska pevka, kantavtorica in glasbenica, ki prepleta poezijo, sodobni folk, tradicionalno dediščino, ogrožene kulture in jezike.

Po študiju glasbe na New School v New Yorku (Jazz & Contemporary Music Program) je izdala pet studijskih albumov: Mila (2008), Twisted Delight (2013), Kamlisajlan – Hommage an die Roma-Poesie (2016), Caricias (2021) in West Wind Blow From Your Prairie Nest (2024), pri čemer je zadnji nominiran za Preis der deutschen Schallplattenkritik.

Njeni samostojni nastopi združujejo glas, ukulele in zvočne vzorce, ovite v zvočne učinke, govorjeno besedo, pripovedovanje zgodb in improvizacijo. Njeno repertoar vključuje sodobno, starodavno in avtohtono poezijo, plemenske invokacije in živalske klice, pa tudi priredbe tradicionalnih pesmi, ki segajo od Balkana do Latinske Amerike.

Katja Šulc je prejemnica številnih štipendij, med njimi tudi CEC ArtsLink Fellowship (2020–2022), ki ji je omogočil umetniško rezidenco na Inštitutu za ameriške indijanske umetnosti (IAIA) v New Mexicu. Svojo glasbo je predstavila tako na regionalnih kot mednarodnih odrih, in sicer v Italiji, Franciji, Nemčiji, Španiji, Portugalski, Maroku, Turčiji, Nepalu, Kitajski, ZDA, Mehiki, Gvatemali, Boliviji in Braziliji.

V sodelovanju s Slovenskim kulturnim centrom – SKICA Berlin.

TICKETS

Katja Šulc ist eine slowenische Sängerin, Songwriterin und Musikerin, die Poesie, modernen Folk, traditionelles Erbe, bedrohte Kulturen und Sprachen miteinander verbindet.

Nach ihrem Musikstudium an der New School in New York (Jazz & Contemporary Music Program) veröffentlichte sie fünf Studioalben: Mila (2008), Twisted Delight (2013), Kamlisajlan – Hommage an die Roma-Poesie (2016), Caricias (2021) und West Wind Blow From Your Prairie Nest (2024), das für den Preis der deutschen Schallplattenkritik nominiert wurde.

Ihre Soloperformances verbinden Stimme, Ukulele und Sample-Loops, eingebettet in Soundeffekte, Spoken Word, Erzählkunst und Improvisation. Ihr Repertoire umfasst zeitgenössische, alte und indigene Poesie, tribale Beschwörungen, Tierlaute und neu arrangierte traditionelle Lieder von den Balkanländern bis nach Lateinamerika.

Katja Šulc ist Trägerin mehrerer Stipendien, darunter das CEC ArtsLink Fellowship (2020–2022), das ihren Künstleraufenthalt am Institute of American Indian Arts (IAIA) in New Mexico unterstützte. Sie hat ihre Musik regional und international präsentiert, von Italien, Frankreich, Deutschland, Spanien, Portugal, Marokko bis hin in die Türkei, Nepal, China, USA, Mexiko, Guatemala, Bolivien und Brasilien.

In Zusammenarbeit mit dem Slowenischen Kulturzentrum – SKICA Berlin.

Katja Šulc ist eine slowenische Sängerin, Songwriterin und Musikerin, die in ihrer Arbeit Poesie, moderne Folkmusik, traditionelles Erbe sowie bedrohte Kulturen und Sprachen miteinander verbindet.

Nach ihrem Musikstudium an der New School in New York (Jazz & Contemporary Music Program) veröffentlichte sie fünf Studioalben: Mila (2008), Twisted Delight (2013), Kamlisajlan - Homage to Romani poetry (2016), Caricias (2021) und West Wind Blow From Your Prairie Nest (2024).

Ihr viertes Album CARICIAS (2021) widmet Katja Mexiko, einem Land, das sie sowohl musikalisch als auch persönlich stark geprägt hat. Das Album ist ein sinnliches und intimes Bekenntnis zu Katjas mexikanischen Erfahrungen durch moderne, indigene, traditionelle und volkstümliche Lieder Mexikos.

Im Frühjahr 2024 wird Katja ihr fünftes Album veröffentlichen, das der indigenen Kultur Nordamerikas gewidmet ist. WEST WIND BLOW FROM YOUR PRAIRIE NEST (ŠKUC, 2024) vertont die Poesie bekannter indigener Dichter und beinhaltet indigene Künstler. Das Album entstand während einer Künstlerresidenz am Institute of American Indian Arts (IAIA) mit Unterstützung der Organisation CEC ArtsLink. Es wurde in die renommierte internationale Musikliste WMCE Top 20 aufgenommen und für den Preis der deutschen Schallplattenkritik nominiert. Sie hat ihre Musik in verschiedenen Ländern präsentiert, darunter Italien, Frankreich, Deutschland, Spanien, Portugal, Marokko, Türkei, Nepal, China, USA, Mexiko, Guatemala, Bolivien und Brasilien.

Ihre Soloauftritte vereinen Gesang, Ukulele und Klangmuster, umhüllt von Soundeffekten, Spoken Word, Erzählkunst und Improvisation.Ihr Repertoire umfasst moderne, alte und indigene Poesie, tribale Beschwörungen, Tierrufe und umarrangierte traditionelle Lieder, die von den Balkanländern bis Lateinamerika reichen.

Während ihrer Residenz in Berlin wird sie an ihrem Soloprojekt arbeiten, das sich mit der ritualistischen bzw. transformativen Inszenierung von Poesie befasst, durch zeitgenössische Poesie verschiedener Kulturen und traditionelle rituelle Lieder alter Völker. Ende des Monats wird sie das Berliner Festival für zeitgenössische Musik CTM besuchen und an Workshops im Rahmen des Festivals teilnehmen. Ihr Aufenthalt in Berlin wird auch der Reflexion, der Erforschung des inspirierenden kulturellen Raums und dem Knüpfen von Kontakten mit hier ansässigen Künstlern und Gemeinschaften gewidmet sein.

Am 23. Januar wird sie ein Solokonzert im Panda Platforma haben. Link zum Konzert

Weitere Informationen:

Website

Konzert

foto: Blaž Samec

Katja Šulc je slovenska pevka, kantavtorica in glasbenica, ki v svojem delu prepleta poezijo, sodobno folk glasbo, tradicionalno dediščino, ogrožene kulture in jezike.

Po študiju glasbe na New School v New Yorku (Jazz & Contemporary Music Program) je izdala pet studijskih albumov: Mila (2008), Twisted Delight (2013), Kamlisajlan - Homage to Romani poetry (2016), Caricias (2021) in West Wind Blow From Your Prairie Nest (2024).

Svoj četrti album CARICIAS (2021) je Katja posvetila Mehiki, deželi, ki jo je glasbeno in osebnostno močno zaznamovala. Album je čutna, intimna izpoved Katjine mehiške izkušnje, preko sodobnih, staroselskih, tradicionalnih in ponarodelih pesmi Mehike.

Spomladi 2024 je Katja izdala svoj peti avtorski album, posvečen staroselski kulturi Severne Amerike. WEST WIND BLOW FROM YOUR PRAIRIE NEST (ŠKUC, 2024) uglasbuje poezijo uglednih staroselskih pesnikov in vključuje staroselske umetnike. Album je nastajal na umetniški rezidenci na Institute of American Indian Arts (IAIA), s podporo organizacije CEC ArtsLink. Album je bil uvrščen na ugledno mednarodno glasbeno lestvico WMCE Top 20 in bil nominiran za Preis der deutschen Schallplattenkritik. Svojo glasbo je predstavila v različnih državah, med drugim v Italiji, Franciji, Nemčiji, Španiji, Portugalski, Maroku, Turčiji, Nepalu, Kitajski, ZDA, Mehiki, Gvatemali, Boliviji in Braziliji.

Njena samostojna izvedba združuje glas, ukulele in vzorce zvokov, obkrožene z zvočnimi učinki, govorno umetnostjo, pripovedovanjem zgodb in improvizacijo. Njeno repertoar vključuje sodobno, starodavno in avtohtono poezijo, plemenske invokacije, klice živali in prirejene tradicionalne pesmi, ki segajo od Balkana do Latinske Amerike.

Med rezidenco v Berlinu bo razvijala svoj solističen projekt, ki raziskuje ritualno oz. transformativno uprizarjanje poezije, preko sodobne poezije različnih kultur in tradicionalnih obrednih pesmi starih ljudstev. Konec meseca bo obiskala in se udeležila delavnic berlinskega festivala sodobne glasbene umetnosti CTM. Bivanje v Berlinu bo namenila tudi refleksiji, raziskovanju navdihujočega kulturnega prostora in spletanju stikov s tukajšnjimi umetniki in skupnostmi.

23. januarja bo nastopila v klubu PANDA Platforma – povezava do koncerta.

Več informacij:

Spletna stran

Koncert

foto: Blaž Samec

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Tomaž Šalamun, „najbolj zgovoren heretik v sodobni slovenski književnosti“ (Michael Braun), je avtor več kot 50 pesniških zbirk. Te so nastajale v ustvarjalnem zanosu, ki ga je le enkrat prekinila pisateljska kriza v prvi polovici devetdesetih let, ki je pomenila cezuro med njegovim znamenitim zgodnjim in manj znanim poznejšim delom. Knjiga Steine aus dem Himmel (Suhrkamp Verlag, 2023; nemški prevod: Matthias Göritz, Liza Linde in Monika Rinck) prvič prinaša širok izbor pesmi iz zadnjih 26 zvezkov, ki so izšli od leta 1995 dalje, od tega šest posthumno. Pesmi so okretne, duhovite in polne ustvarjalne energije („jezik me kar napada“, pravi Šalamun v intervjuju). Odlikujejo se po velikodušnosti zaznavajočega jaza v stiku s svetom modrih cvetov in zlih psov. Hkrati Šalamun nikoli ni domišljav (v eni od pesmi pravi, da vsak, ki ga bere ironično, greši pred Bogom). V poznih pesmih meri razdalje in širine ljubezni ter skuša prihodnost prebrati iz račjega telesa. V morda najlepši pesmi, ki opisuje srečanje z angeli med New Yorkom in Montrealom, je epifanijo ujel v primerjavi: „Kot bi pingpong žogice / prihajale z vseh strani in te masirale.“

V branju in pogovoru: Erica Johnson Debeljak / Nina Dragičević / Matthias Göritz / Monika Rinck

Moderiranje: Maren Jäger

Pogovoru bo sledila projekcija dokumentarnega pesniškega filma Nejca Sajeta in Jeffreyja Younga „Every True Poet“ o Tomažu Šalamunu.

Dogodek bo tolmačen v slovenščino in nemščino.

S prijazno podporo ECHOO Konferenzdolmetschen. Skupna prireditev s SKICA Berlin, Slovenskim kulturnim centrom v Berlinu in s podporo Javne agencije za knjigo Republike Slovenije (JAK).

Foto © Suhrkamp Verlag

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Tomaž Šalamun, der „wortmächtigste Häretiker in der slowenischen Gegenwartsliteratur“ (Michael Braun), schrieb über 50 Gedichtbände. Sie entstanden in einem Schaffensrausch, der nur einmal, in der ersten Hälfte der 90er Jahre, durch eine Schreibkrise unterbrochen wurde, die eine Zäsur darstellt zwischen dem gefeierten Früh- und dem weniger bekannten Spätwerk. Das Buch Steine aus dem Himmel (Suhrkamp Verlag 2023, deutsche Übersetzung: Matthias Göritz, Liza Linde und Monika Rinck) versammelt zum ersten Mal eine großzügige Auswahl aus den letzten 26 Bänden, die ab 1995 erschienen, allein sechs davon posthum. Die Gedichte sind wendig und witzig („the language just attacks me“, sagt Šalamun in einem Interview), zeichnen sich aus durch eine Großzügigkeit des wahrnehmenden Ichs im Austausch mit einer Welt aus blauen Blumen und bösen Hunden. Dabei ist Šalamun niemals dünkelhaft (wer ihn ironisch lese, heißt es in einem Gedicht, versündige sich vor Gott). In den späten Texten vermisst er die Entfernungen und Ausdehnungen zwischen Liebe und Liebe, und der Versuch wird unternommen, die Zukunft aus dem Körper einer Ente zu lesen. Im vielleicht schönsten Gedicht, das eine Begegnung mit Engeln zwischen New York und Montreal schildert, wird der Eindruck des epiphanischen Augenblicks festgehalten in dem Vergleich: „Als würden Tischtennisbälle / aus allen Richtungen kommen und dich massieren.“

In Lesung & Gespräch: Erica Johnson Debeljak / Nina Dragičević / Matthias Göritz / Monika Rinck

Moderation: Maren Jäger

Im Anschluss an das Gespräch wird der dokumentarische Poesiefilm „Every True Poet“ über Tomaž Šalamun von Nejc Saje und Jeffrey Young gezeigt.

Die Veranstaltung wird slowenisch-deutsch gedolmetscht.

Mit freundlicher Unterstützung durch ECHOO Konferenzdolmetschen. Eine gemeinsame Veranstaltung mit SKICA Berlin, dem Slowenischen Kulturzentrum Berlin und mit Unterstützung der Slowenischen Buchagentur (JAK).

Foto © Suhrkamp Verlag

Kurator: Bernd Buder

Sodelovanje med Sputnik Kino , Slovenskim kulturnim centrom SKICA Berlin in Slovenskim filmskim centrom (SFC).

Med trilerjem in esejem: SloVision 2024 - dnevi slovenskega filma v kinu Sputnik Kreuzberg.

Tudi med vsakdanjikom in zgodovino, bi lahko rekli. Slovenska kinematografija je namreč tako raznolika kot pokrajine, ki se raztezajo med Alpami in Jadranskim morjem, in tako pestra kot številne kulture, ki se tam prepletajo. Filmska scena je temu primerno ustvarjalna in dinamična. Od 12. do 15. decembra bo Slovenski kulturni center SKICA Berlin v sodelovanju s Slovenskim filmskim centrom ter programskim kuratorjem Berndom Buderjem v berlinskem kinu Sputnik predstavil šest igranih in dokumentarnih filmov, ki prikazujejo to edinstveno raznolikost sodobne slovenske kinematografije. To so filmi, v katerih ni lažnih junakov, temveč resnični ljudje. Filmi, ki se dotikajo vprašanj identitete in teorij zarote, med filmom ceste in eksistencialističnim psihološkim trilerjem. Filmi, ki prehajajo med absurdnostjo današnjega vsakdana in zgodovinsko resnostjo, pri čemer z lahkotnostjo in brezkompromisno analizo razkrivajo bistvo – tako osebno kot politično. Zgodbe so tematsko in vsebinsko izjemno aktualne – od intimnih soočenj z resnimi boleznimi in vprašanj o pomenu družinskih vrednot v sedanjosti, do problematike desničarskega ekstremizma in raziskovanja preteklosti, katere protagonisti počasi izginjajo.

V psihološki drami ODREŠITEV ZA ZAČETNIKE režiserka Sonja Prosenc prikazuje družino iz višjega srednjega razreda, ki se znajde med krizami odnosov in strahom pred tujci. V ZBUDI ME se Marko Šantić na prefinjen način ukvarja s kolektivno amnezijo, s katero tako radi iz naše zavesti izrinjamo skrajni desničarski ekstremizem: neonacist se po nesreči prebudi iz kome brez spomina. V filmu GEPACK Žige Kukoviča se štirje fantje iz slovenskega podeželja odpravijo na potovanje na glasbeni festival ob jadranski obali. Neodvisni celovečerni prvenec med nostalgijo filmskih potovanj in hitrostjo TikToka. V INVENTURI se meščanski inženir po anonimnem napadu znajde pod velikim pritiskom; iz negotovosti se razvije strah, iz strahu paranoja, dokler ni le še korak do teorije zarote. V ZAJETI V IZVIRU – SLOVENSKI OTROCI LEBENSBORNA se priznana režiserka Maja Weiss, katere filmi so bili že večkrat prikazani v okviru programa Panorama na Berlinalu, ukvarja s temnim poglavjem slovensko-nemške zgodovine: z nasilnim odvzemom oziroma krajo slovenskih otrok in njihovo preobrazbo v Nemce v okviru brutalnega nacističnega programa „Lebensborn“. Petra Seliškar s TELESOM prinaša odmeven film o preživetju: s kombinacijo osebne bližine in eksperimentalne distanciranosti spremlja svojo prijateljico Urško v dvajsetih letih boja za preživetje proti redki bolezni.

Kurator: Bernd Buder

Kooperation zwischen Sputnik Kino , SKICA Berlin – Slowenisches Kulturzentrum Berlin und Slowenisches Filmzentrum (SFC).

Zwischen Thriller und Essay: SloVision 2024 - Die Slowenischen Filmtage im Sputnik Kino Kreuzberg

Zwischen Alltag und Geschichte: die slowenische Kinematografie ist ebenso vielfältig wie die Landschaften des Landes, die sich zwischen den Alpen und der Adria erstrecken, und ebenso vielfältig wie die zahlreichen Kulturen, die dort aufeinandertreffen. Entsprechend kreativ ist die dortige Filmszene. Vom 12. bis 15. Dezember wird das Slowenische Kulturzentrum Berlin SKICA in Zusammenarbeit mit dem Slowenischen Filmzentrum und dem Programmkurator Bernd Buder im Berliner Sputnik Kino sechs Spiel- und Dokumentarfilme präsentieren, die diese Vielfalt der zeitgenössischen slowenischen Kinematografie zeigen.

Filme, in denen es keine falschen Helden gibt, aber echte Menschen. Filme zwischen Identitätsfragen und Verschwörungstheorien, zwischen Roadmovie und existenzialistischem Psychothriller. Filme, die zwischen der Absurdität des heutigen Alltags und historischem Ernst lavieren und dabei mit leichter Hand und messerscharfer Analyse auf den Punkt kommen, persönlich wie politisch. Die Geschichten sind thematisch und inhaltlich aktuell – von der intimen Auseinandersetzung mit schweren Krankheiten und Fragen nach der Aktualität familiärer Werte in der Gegenwart bis hin zur Problematik des Rechtsextremismus und der Erforschung jener Vergangenheit, deren Protagonisten langsam verschwinden.

In dem psychologischen Vexierspiel FAMILY THERAPY zeigt Sonja Prosenc eine Familie aus der oberen Mittelschicht zwischen Beziehungskrise und Fremdenangst. In WAKE ME beschäftigt sich Marko Šantić auf pointierte Weise mit der kollektiven Amnesie, mit der man so gerne den Rechtsextremismus aus dem Bewusstsein verdrängt: ein Neonazi wacht nach einem Unfall ohne Gedächtnis aus dem Koma auf. In Žiga Kukovičs GEPACK begeben sich vier Jungs aus der slowenischen Provinz auf Reise zu einem Musikfestival an der Adria-Küste. Unabhängig produziertes Spielfilmdebut zwischen Roadmovie-Nostalgie und TikTok-Speed. In INVENTORY gerät ein biederer Ingenieur nach einem anonymen Anschlag unter Druck, aus Verunsicherung wird Angst, aus Angst Verfolgungswahn, und dann ist es zur Verschwörungstheorie nicht mehr weit. In SNATCHED FROM THE SOURCE beschäftigt sich die renommierte Regisseurin Maja Weiss, deren Filme bereits mehrfach im Berlinale-Panorama gezeigt wurden, mit einem dunklen Kapitel der slowenisch-deutschen Geschichte: der Zwangsenteignung, dem Diebstahl von slowenischen Kindern und deren Transformation zu Deutschen im Rahmen des grausamen nationalsozialistischen Programms „Lebensborn“. Petra Seliškar liefert mit BODY einen aufsehenerregenden Film übers Überleben: mit einer Mischung aus persönlicher Nähe und experimenteller Verfremdung begleitet sie seit nunmehr zwanzig Jahren ihre Freundin Urška beim Überlebenskampf gegen eine seltene Immunschwächekrankheit.

Matej Tomažin setzt sich für einen gleichberechtigten und digital zugänglichen Markt für visuelle Kunst in Slowenien ein. Als Direktor von Artopolis leitet er Projekte, die Kunst mit digitalen Werkzeugen verbinden und jungen slowenischen Künstlern helfen, ein breiteres Publikum zu erreichen und auf dem Kunstmarkt zu interagieren. Seine Arbeit umfasst PR, Design und Projektproduktion mit einem Schwerpunkt auf Kuratieren und Eventorganisation. Durch die Zusammenarbeit mit Zavod CONA und verschiedenen unabhängigen Projekten unterstützt er die Entwicklung von intermedialer Kunst, Bildungsprogrammen und digitalen Plattformen und trägt so zum Aufbau einer zugänglichen und vernetzten Kunstgemeinschaft in Slowenien bei.

Während seines Aufenthalts in Berlin erforscht er den Kunstmarkt mit besonderem Fokus auf Finanzierungsmodelle und die Arbeitsweise von Galerien, Institutionen und Künstlern. Ziel seiner Arbeit ist es, Einblicke in zeitgenössische Praktiken und Organisationsstrategien zu gewinnen, die die Berliner Kunstszene prägen, und die Möglichkeiten zu untersuchen, diese auf den breiteren Kulturbereich in Slowenien zu übertragen.

Matej Tomažin si prizadeva za enakopraven in digitalno dostopen vizualni umetniški

trg v Sloveniji. Kot direktor Artopolisa vodi projekte, ki povezujejo umetnost z digitalnimi orodji ter pomagajo mladim slovenskim umetnikom doseči širšo publiko in sodelovanje na umetniškem trgu. Njegovo delo zajema PR, oblikovanje in produkcijo projektov, s poudarkom na kuriranju in organizaciji dogodkov. Prek sodelovanja z Zavodom CONA in različnih samostojnih projektov podpira razvoj intermedijskih umetnosti, izobraževalnih programov in digitalnih platform ter gradi bolj dostopno in povezano umetniško skupnost v Sloveniji.

V času umetniške rezidence v Berlinu raziskuje umetniški trg, s posebnim poudarkom na modelih financiranja ter delovanja galerij, institucij in umetnikov. Cilj njegovega dela je pridobiti vpogled v sodobne prakse in organizacijske strategije, ki oblikujejo berlinsko umetniško sceno, ter preučiti možnosti njihove implementacije v širšem kulturnem sektorju v Sloveniji.

Ausstellungseröffnung: 29.11.

Matinee/Gespräch über die Ausstellung mit Kuratorin Tamara Andrejek: 30.11. um 11:00 Uhr

Ausstellung: 30.11.2024 - 30.03.2025

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Die vorliegende Karikaturenausstellung präsentiert erstmals in Deutschland den vergessenen Kosmopoliten, Reisekünstler und Karikaturisten Ladislav Kondor. Seine Karikaturen mit ihrem außergewöhnlichen Ansatz erinnern an die Zeit zwischen den beiden Kriegen, die für ihn eine fruchtbare und kreative Periode darstellte. Kondor hatte keine formale Ausbildung und war nicht in Künstlerkreisen aktiv, was ihn daran hinderte, den Status eines anerkannten Künstlers zu erlangen. Dennoch sind sein Talent und seine Fähigkeit, zeitgenössische künstlerische Tendenzen in die Karikaturen einzubringen, die seine Ausstellungsmappe ausmachen, bemerkenswert. Diese Karikaturen mit ihrem unverwechselbaren Stil waren nie zum Verkauf oder zum schnellen Geld bestimmt, aber ihre Quantität und Qualität konnten Kondor in eine Reihe mit berühmten Künstlern stellen.

Ladislav Kondor wurde am 6. August 1901 in Murska Sobota, in der Region Prekmurje im Nordosten Sloweniens, nahe der ungarischen und österreichischen Grenze geboren. Nach seiner Schulzeit beschloss er, seine künstlerische Laufbahn in Wien fortzusetzen, wo er nur 12 Tage lang an der Akademie der bildenden Künste studierte. Als autodidaktischer Zeichner begab er sich auf eine lange Reise, die ihn fast um die ganze Welt führte und seinen künstlerischen Ausdruck prägte. In 12 Jahren besuchte er 3 Kontinente und 36 Länder, darunter Deutschland, Monte Carlo, die Niederlande, Belgien, Frankreich, Österreich, Rumänien, Italien, Ägypten, Norwegen, Schweden, Dänemark, Polen, die Ukraine, die Türkei, Bulgarien, Griechenland, Tunesien, Libyen, Spanien, Brasilien, Portugal und andere. Seine erste Ausstellung von Karikaturen fand 1931 in Oslo statt. Von da an bis zu seinem Tod veranstaltete er rund 300 Ausstellungen und bot den Besuchern die Möglichkeit, gegen ein Entgelt Karikaturen zu zeichnen. Über seine Arbeit wurde auch in vielen Lokalzeitungen der damaligen Zeit berichtet. Die Sammlung des regionalen Pomurje-Museums Murska Sobota beherbergt seinen Nachlass mit mehr als 260 Karikaturen. Bei den meisten handelt es sich um Porträts mit hervorgehobenen körperlichen Merkmalen, die Kondor anzogen und die er mit einer psychologischen Studie einer Person verbinden konnte. Er zeichnete extrem schnell und fertigte eine Karikatur mit wenigen Strichen an.

Er porträtierte Berühmtheiten aus der Welt der Unterhaltung, die er zum Teil persönlich kennenlernte und mit denen er auf seinen Reisen verkehrte (die Schauspieler Fernandel und Willy Fritsch, Grock der Clown, der Pianist Wilhelm Backhaus, der Bassist Feodor Chaliapin), aus dem Sport (die Tennisspieler René Lacoste, Helen Wills, Suzanne Lenglen, der Boxer Max Baer) und aus der Politik (Leo Trotzki, König Gustav V. von Schweden), Benito Mussolini, Aga Khan, Winston Churchill, Franklin Delano Roosevelt) und zahlreiche anonyme Personen aus europäischen, afrikanischen und lateinamerikanischen Ländern.

Unter den persönlichen Gegenständen ist vor allem ein Album interessant, das der Künstler selbst herausgegeben hat. Darin sammelte er Fotos, Postkarten, Dokumente und Artikel aus den Zeitungen der Welt über ihn, sein Werk und seine Ausstellungen. Ein Exemplar des Albums liegt für Sie zur Ansicht bereit.

Nach dem Zweiten Weltkrieg, in dem er wegen seiner provokanten Karikaturen von Nazis und Faschisten fünf Monate in slowenischer und österreichischer Kriegsgefangenschaft war, ließ er sich in seiner Heimatstadt nieder. Er starb am 7. Mai 1963 in der kroatischen Touristenstadt Opatija, wo er gerne schuf.

Kondors Name und Werk sind der breiten kulturellen Öffentlichkeit noch immer weitgehend unbekannt. Er ist ein vergessener Künstler, Ladislav Kondor, der ohne formale Ausbildung und aktive Teilnahme an künstlerischen Kreisen nie den Status eines anerkannten Künstlers erlangte. Nichtsdestotrotz sind sein Talent und seine Fähigkeit, zeitgenössische künstlerische Tendenzen in die Karikaturen, die seine Ausstellungsmappe ausmachten, einfließen zu lassen, bemerkenswert. Diese Karikaturen waren nie für den Verkauf oder das schnelle Geld bestimmt, aber ihre Fülle und Qualität stellen ihn in eine Reihe mit berühmten Künstlern.

Seine Werke müssen im sozialen, kulturellen und politischen Kontext seiner Zeit gelesen werden, da diese Faktoren ihre Botschaft und Bedeutung prägen. Der soziale, politische und kulturelle Kontext seiner Zeit verleiht ihnen heute die Bedeutung, die sie gehabt haben könnten. Als genialer Meister der Selbstdarstellung bereiste er im zweiten Viertel des 20. Jahrhunderts die Welt, ohne von Familienvermögen oder Sponsoren unterstützt zu werden, traf einflussreiche Persönlichkeiten und hinterließ eine reiche Sammlung von Karikaturen. Diese Karikaturen erinnern bei jeder Ausstellung an seinen früheren Status als kosmopolitischer und besonderer Mensch.

Karikaturen von Ladislav Kondor

Kuratorin: Tamara Andrejek, Pomurski muzej Murska Sobota

Grafische Gestaltung und Ausstellungskonzept: Primož Fijavž

Museum Wilhelm Busch in Zusammenarbeit mit Pomurski muzej Murska Sobota und SKICA Berlin - Slowenisches Kulturzentrum Berlin.

Odprtje razstave: 29.11.

Matineja/pogovor o razstavi s kuratorko Tamaro Andrejek: 30.11. ob 11:00

Trajanje razstave: 30.11.2024 - 30.03.2025

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Pričujoča razstava karikatur prvič v Nemčiji predstavlja pozabljenega kozmopolita, popotnika umetnika in karikaturista Ladislava Kondorja. Njegove karikature, z izjemnim pristopom, prikličejo v spomin čas med obema vojnama, ki je predstavljal njegovo plodno in ustvarjalno obdobje. Kondor je bil brez formalne izobrazbe in ni bil aktiven v umetniških krogih, kar mu je onemogočilo, da bi pridobil status priznanega umetnika. Kljub temu pa njegov talent in sposobnost vključevanja sodobnih likovnih smernic v karikature, ki so sestavljale njegov razstavni portfelj, izstopata. Te karikature, s svojstvenim slogom, nikoli niso bile namenjene prodaji ali hitremu zaslužku, a po svoji številčnosti in kvaliteti bi lahko postavile Kondorja ob bok renomiranim umetnikom.

Ladislav Kondor se je rodil 6. avgusta 1901 v kraju Murska Sobota, v regiji Prekmurje, v severovzhodni Sloveniji, blizu madžarske in avstrijske meje. Po šolanju je sprejel odločitev, da nadaljuje umetniško pot na Dunaju, kjer je le 12 dni študiral na likovni akademiji. Kot risar samouk se je odpravil na dolgo popotovanje po skoraj vsem svetu, ki je zaznamovalo njegov umetniški izraz. V dvanajstih letih je obiskal 3 kontinente in 36 držav, med njimi Nemčijo, Monte Carlo, Nizozemsko, Belgijo, Francijo, Avstrijo, Romunijo, Italijo, Egipt, Norveško, Švedsko, Dansko, Poljsko, Ukrajino, Turčijo, Bolgarijo, Grčijo, Tunizijo, Libijo, Španijo, Brazilijo, Portugalsko in druge. Prvo razstavo svojih karikatur je pripravil leta 1931 v Oslu. Od tedaj pa do smrti je pripravil okrog 300 razstav, obenem pa obiskovalcem nudil risanje karikature za plačilo. O njegovem delu so poročali tudi številni lokalni časopisi tistega časa.

V zbirki regionalnega Pomurskega muzeja Murska Sobota hranijo njegovo zapuščino z več kot 260 karikaturami. Večina je portretnih, s poudarjenimi fizičnimi posebnostmi, ki so Kondorja pritegnile in jih je znal povezati v psihološko študijo osebe. Njegov način risanja je bil izjemno hiter, saj je v nekaj potezah nastala karikatura. Upodabljal je slavne iz sveta zabave, nekatere med njimi je osebno srečal in se z njimi družil na svojem popotovanju (igralca Fernandel in Willy Fritsch, klovn Grock, pianist Wilhelm Backhaus, basist Feodor Chaliapin), športa (teniški igralci René Lacoste, Helen Wills, Suzanne Lenglen, boksar Max Baer) in politike (Lev Trocki, švedski kralj Gustav V., Benito Mussolini, Aga Khan, Winston Churchill, Franklin Delano Roosevelt) ter številne anonimneže iz evropskih, afriških in latinskoameriških dežel.

Med osebnimi predmeti je najzanimivejši album, ki ga je uredil umetnik sam. V njem je zbral fotografije, razglednice, dokumente ter članke iz svetovnega časopisja, ki so poročali o njem, njegovem delu in razstavah. Kopija albuma je namenjena vašemu ogledu.

Po drugi svetovni vojni, med katero je zaradi provokativnih karikatur nacistov in fašistov kot politični zapornik izkusil tudi 5 mesečno ujetništvo v Sloveniji in Avstriji, se je nastanil v rodnem kraju. Umrl je v hrvaškem mondenem turističnem kraju Opatija, kjer je zelo rad ustvarjal, 7. maja 1963.

Kondorjevo ime in delo sta širši kulturni javnosti še vedno precej neznana. Gre za pozabljenega umetnika Ladislava Kondorja, ki brez formalne izobrazbe in aktivnega sodelovanja v umetniških krogih nikoli ni pridobil statusa priznanega umetnika. Kljub temu pa njegov talent in sposobnost vključevanja takrat sodobnih likovnih smernic v karikature, ki so predstavljale njegov razstavni portfelj, izstopata. Te karikature niso bile nikoli namenjene prodaji ali hitremu zaslužku, a njihova številčnost in kvaliteta ga postavljata ob bok renomiranim umetnikom. Njegova dela je potrebno brati v socialnem, kulturnem in političnem kontekstu njegovega časa, saj prav ti dejavniki oblikujejo njihovo sporočilo in pomen. Socialni, politični in kulturni kontekst njegovega časa danes podeljuje pomen, ki bi ga morda lahko imel. Kot iznajdljivi mojster samopromocije je v drugi četrtini 20. stoletja, brez podpore družinskega premoženja in sponzorjev, prepotoval svet, srečeval vplivne osebnosti ter zapustil bogato zbirko karikatur. Te obujajo njegov nekdanji status kozmopolita in posebneža ob vsaki razstavni priložnosti.

Karikature Ladislava Kondorja

Kustosinja: Tamara Andrejek, Pomurski muzej Murska Sobota

Grafično oblikovanje in zasnova razstave: Primož Fijavž

Museum Wilhelm Busch v sodelovanju s Pomurski muzej Murska Sobota in SKICA Berlin – Slovenski kulturni center Berlin.

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Gostujoče avtorice Pia Prezelj, Sema Aslan in Ju Bavyka bodo mesec november preživele v LCB in na tem večeru predstavile svoja dela.

Pia Prezelj (1995) je pisateljica, prevajalka in novinarka kulturne redakcije časopisa Delo. Za svoje novinarsko delo je prejela nagrado pes čuvaj/watchdog 2022, ki jo podarja Društvo novinarjev Slovenije, za roman Težka voda (Goga, 2023) pa nagrado Društva slovenskih pisateljev za najboljši literarni prvenec leta. Roman je bil nominiran tudi za kritiško sito, Cankarjevo nagrado in nagrado kresnik; leta 2026 bo izšel v hrvaškem in italijanskem prevodu. V Slovenskem mladinskem gledališču je pod okriljem serije Tako rekoč premiero nedavno doživel njen gledališki esej Kot jabolko sladko, visoko na veji.

Sema Aslan se je rodila v Berlinu, zdaj pa živi v Istanbulu, kjer je postala znana kot avtorica otroških knjig in romanov. Ju Bavyka, ki je pripotovala iz Avstralije, bo nadaljevala svoje esejistično raziskovanje pod naslovom „Ali lahko temu rečemo dom?“. Avtorice bodo brale iz novih besedil, od katerih so nekatera prvič prevedena v nemščino.

S podporo Slovenskega kulturnega centra SKICA Berlin.

Foto © Lana Špiler

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Die Gastautoren Pia Prezelj, Sema Aslan und Ju Bavyka werden den Monat November im LCB verbringen und an diesem Abend ihre Werke vorstellen.

Pia Prezelj (1995) ist Schriftstellerin, Übersetzerin und Kulturjournalistin bei der Tageszeitung Delo. Ihre journalistische Arbeit wurde mit dem Watchdog Award 2022 des slowenischen Journalistenverbands ausgezeichnet, ihr Roman Težka voda / Heavy Water (Goga, 2023) erhielt den Preis des slowenischen Schriftstellerverbands für das beste literarische Debüt des Jahres. Der Roman wurde auch für die Preise Critics' Sieve, Cankar und Kresnik nominiert und wird 2026 in kroatischer und italienischer Übersetzung erscheinen. Ihr Theateressay Wie ein süßer Apfel hoch auf einem Ast wurde kürzlich im Rahmen der Takorekoč-Reihe am Slowenischen Jugendtheater uraufgeführt. Sema Aslan wurde in Berlin geboren und lebt heute in Istanbul, wo sie als Autorin von Kinderbüchern und Romanen bekannt geworden ist. Ju Bavyka, die aus Australien angereist ist, setzt ihre essayistische Erkundung unter dem Titel „Können wir das hier Heimat nennen?“ fort. Die Autorinnen und Autoren lesen aus neuen Texten, die zum Teil erstmals ins Deutsche übersetzt wurden.

Mit Unterstützung des Slowenischen Kulturzentrums SKICA Berlin.

Foto © Lana Špiler

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Im Rahmen der Berlin Science Week findet ein Künstlergespräch mit der Künstlerin/Wissenschaftlerin Robertina Šebjanič über ihre Multimedia-Installation Lygophilia und die Bedeutung des Aquatozäns statt. Mit der Kuratorin Claudia Banz, dem Künstler Marco Barotti und anderen.

Mit der Multimedia-Installation Lygophilia präsentiert das Kunstgewerbemuseum die erste museale Einzelausstellung der slowenischen Künstlerin Robertina Šebjanič in Deutschland. Die Präsentation umfasst eine Reihe von forschungsbasierten Kunstwerken, die sie 2017 in Mexiko begonnen und in Slowenien fortgesetzt hat. Dazu gehören die Installation Neotenous Dark Dwellers _Ligophilia, der Video-Essay Ligophilia _ Piscis Ludicrous / Transfixed Gaze und die Klangkomposition Dark Drops _ Ligophilia.

Im Kunstgewerbemuseum verbindet sich die Installation Lygophilia mit der Sammlung des Museums. In enger Zusammenarbeit zwischen der Künstlerin und der Kuratorin Claudia Banz wurden Exponate aus verschiedenen Materialien, Epochen und Herkünften ausgewählt. Diese werden in der Intervention Wunderkammer #3 neu kontextualisiert, wodurch neue Erzählungen über die Objekte entstehen.

In Zusammenarbeit mit SKICA Berlin.

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V okviru Berlin Science Week bo potekal pogovor z umetnico/znanstvenico Robertino Šebjanič o njeni večmedijski instalaciji Lygophilia in pomenu akvatocena. S kustosinjo Claudio Banz, umetnikom Marcom Barottijem in drugimi.

Z multimedijsko instalacijo Lygophilia Kunstgewerbemuseum predstavlja prvo samostojno muzejsko razstavo slovenske umetnice Robertine Šebjanič v Nemčiji. Predstavitev obsega serijo raziskovalno zasnovanih umetniških del, ki jih je leta 2017 začela v Mehiki in nadaljevala v Sloveniji. Med njimi so instalacija Neotenous Dark Dwellers _Ligophilia, video esej Ligofilija _ Piscis Ludicrous / Transfixed Gaze in zvočna kompozicija Dark Drops _ Ligophilia.

V muzeju Kunstgewerbemuseum se instalacija Lygophilia povezuje z muzejsko zbirko. V tesnem sodelovanju med umetnico in kustosinjo Claudio Banz so bili izbrani eksponati iz različnih materialov, obdobij in izvora. Ti so v intervenciji Wunderkammer #3 ponovno kontekstualizirani in tako ustvarjajo nove pripovedi o predmetih.

V sodelovanju s SKICA Berlin.

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All Tomorrow's Songs predstavlja dela 16 mladih umetnikov, nastalih v sklopu mednarodne delavnice Making It. Zaključna razstava predstavlja kolektiven razvoj interdisciplinarne in konceptualno prepletene celote, ki presega zgolj individualne predstavitve posameznih avtorjev.

Razstavljena dela odražajo osebnostni in profesionalni razvoj umetnikov – tako na ravni lastnega izraza kot v sposobnosti delovanja v horizontalno strukturiranem kolektivu. Delovni proces delavnice temelji na komunikaciji, razumevanju in konceptualnem povezovanju, kar se odraža v vsakem umetniškem delu, ki izraža individualne poetike, a hkrati prispeva k skupni viziji kolektiva.

Predstavljena dela so odzivi na kompleksno družbeno-politično klimo sodobnega časa, in so kot taka poziv k akciji in iskanju odgovorov na aktualne težave, s katerimi se soočamo. Umetniki nas vabijo, k razmisleku o družbeni odgovornosti in o vlogi umetnosti kot orodja za angažiranje in spremembo. Njihovi glasovi so hkrati introspektivni in usmerjeni navzven, v svet, ki ga želijo aktivno soustvarjati.

Ta generacija prinaša sveže vpoglede v sedanjost, ki jo dojema kot edino resničnost, a kljub temu s pogumnim zamahom gleda onkraj sedanjih omejitev. Njihova dela niso zgolj kritika obstoječega, temveč tudi glasovi upanja, ki pozivajo k boljši skupni prihodnosti.

Razstavljeni umetniki: Aliaksandra Tratsiakova (Belorusija) / Amor Smilovic Fazlic (Italija) / Angelica Osawemwenze (Italija) / Anna Eugenia Furlan (Italija) / Ayla Heier (Nizozemska) / Aws Al Zubaidi (Palestina) / Fabrizio Rigutti (Italija) / Irene Ambrogi (Italija) / Ludovico Colombo (Italija) / Nejc Zorenč (Slovenija) / Neža Hajšek & Blažka Šifrar (Slovenija) / Olga Karaseva (Rusija) / Qafar Rzayev (Azerbadžan) / Rac Montoro (Italija) / Sofya Vavra (Rusija)

O PROJEKTU MAKING IT

Making It je mednarodna delavnica za mlade umetnike, ki jo vodi priznani slovenski sodobni umetnik JAŠA. CIlj delavnice je mladim umetniškim talentom omogočiti poglobljeno raziskovanje sodobne umetnosti, razvoj interdisciplinarnih veščin ter pridobivanje neposrednega znanja strokovnjakov iz kulturnega in ustvarjalnega sektorja.

Projekt se je začel z javno predstavitvijo poslanstva in programa na Akademiji lepih umetnosti Benetke med Beneškim bienalom. Po izredno zahtevnem procesu izbora udeležencev, je bilo med resnično velikim številom izstopajočih prijav izbranih šestnajst izjemnih mladih umetnikov.

Prvi del delavnice je bil izveden poleti v Kopru. V sklopu intenzivnega enotedenskega programa so udeleženci svoje prijavljene umetniške projekte razvijali in nadgrajevali v neprekinjenem dialogu s skupino in mentorji. Njihov umetniški napredek so dopolnjevali seminarji gostujočih strokovnjakov, ki so udeležence na podlagi dejanskih primerov spoznavali z bistvenimi segmenti kulturnega menedžmenta, ki so nepogrešljivi pri uspešnem razvoju in upravljanju kariere vsakega mladega umetnika.

Delovni proces se je nadaljeval prek spleta, kjer so udeleženci še naprej razpravljali, razvijali in izpopolnjevali svoje projekte, ki so dobivali vedno bolj konkretno obliko in strukturo. Zdaj se delavnica premika v sklepno fazo: pripravo in izvedbo All Tomorrow's Songs, javnega interdisciplinarnega dogodka in skupinske razstave, ki bo 8. novembra 2024 v Kühlhaus Berlin.

JAŠA (Jaša Mrevlje-Pollak, 1978, Ljubljana) je sodobni umetnik, ki se je s številnimi projekti uspešno predstavil širom po svetu in se s svojim neprestanim delom uveljavil kot eden najpomembnejših slovenskih sodobnih umetnikov svoje generacije. Razstavljal je v New Yorku, Londonu in drugod po svetu, Slovenijo pa je zastopal tudi na Beneškem bienalu. Zadnja leta živi v Berlinu kot rezidenčni umetnik ustanove Kühlhaus Berlin. Več

Vodja Projekta: We.are inštitut

Partnerji: Kühlhaus Berlin, Accademia di Belle Arti di Venezia, KUD Ljud

Glavni mentor: JAŠA

Somentorji: Laura Rositani, Grega Močivnik, Nina Vombergar

Gostujoči predavatelji & mentorji: Harshini J. Karunaratne, Mattias Gingliano, Vuk Ćošić, Tjaša Pureber, Motovila, Noah Charney, Arthur Duff, Michele Drascek, Zlatko Širol

Kuratorja razstave: Laura Rositani, JAŠA

Produkcija & promocija: Glasilka (Vladimir Mihajlović, Andraž Boštjančič)

Oblikovanje & podpora: Rosa Lux

Financirano s strani Evropske unije.

Projekt podpira SKICA Berlin.

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All Tomorrow's Songs präsentiert die Arbeiten von 16 jungen Künstlern, die im Rahmen des internationalen Workshops Making It entstanden sind. Die Abschlussausstellung stellt die kollektive Entwicklung eines interdisziplinären und konzeptionell verflochtenen Ganzen dar, das über die individuellen Präsentationen der einzelnen Künstler hinausgeht.

Die gezeigten Arbeiten spiegeln die persönliche und berufliche Entwicklung der Künstler wider - sowohl auf der Ebene ihres eigenen Ausdrucks als auch in ihrer Fähigkeit, in einem horizontal strukturierten Kollektiv zu arbeiten. Der Arbeitsprozess des Workshops basiert auf Kommunikation, Verständnis und konzeptioneller Integration, was sich in jedem Kunstwerk widerspiegelt, das die individuelle Poetik zum Ausdruck bringt, aber gleichzeitig zur gemeinsamen Vision des Kollektivs beiträgt.

Die präsentierten Werke sind Antworten auf das komplexe sozio-politische Klima unserer Zeit und als solche ein Aufruf zum Handeln und eine Suche nach Antworten auf die aktuellen Probleme, denen wir gegenüberstehen. Die Künstler laden uns ein, über soziale Verantwortung und die Rolle der Kunst als Instrument für Engagement und Wandel nachzudenken. Ihre Stimmen sind zugleich introspektiv und nach außen gerichtet, auf eine Welt, die sie aktiv mitgestalten wollen.

Diese Generation bringt neue Einsichten in die Gegenwart, die sie als einzige Realität wahrnimmt, und blickt mit kühnem Schwung über die derzeitigen Grenzen hinaus. Ihre Werke sind nicht nur Kritiken am Status quo, sondern auch Stimmen der Hoffnung, die zu einer besseren gemeinsamen Zukunft aufrufen.

Ausgestellte Künstler: Aliaksandra Tratsiakova (Belarus) / Amor Smilovic Fazlic (Italien) / Angelica Osawemwenze (Italien) / Anna Eugenia Furlan (Italien) / Ayla Heier (Niederlande) / Aws Al Zubaidi (Palästina) / Fabrizio Rigutti (Italien) / Irene Ambrogi (Italien) / Ludovico Colombo (Italien) / Nejc Zorenč (Slowenien) / Neža Hajšek & Blažka Šifrar (Slowenien) / Olga Karaseva (Russland) / Qafar Rzayev (Aserbaidschan) / Rac Montoro (Italien) / Sofya Vavra (Russland)

ÜBER DAS PROJEKT MAKING IT

Making It ist ein internationaler Workshop für junge Künstler unter der Leitung des renommierten slowenischen zeitgenössischen Künstlers JAŠA. Ziel des Workshops ist es, jungen künstlerischen Talenten die Möglichkeit zu geben, sich eingehend mit zeitgenössischer Kunst zu befassen, interdisziplinäre Fähigkeiten zu entwickeln und Wissen aus erster Hand von Experten aus dem Kultur- und Kreativsektor zu erwerben.

Das Projekt wurde mit einer öffentlichen Präsentation seines Auftrags und Programms in der Akademie der Schönen Künste Venedig während der Venedig Biennale gestartet. Nach einem äußerst anspruchsvollen Auswahlverfahren wurden sechzehn herausragende junge Künstlerinnen und Künstler aus einer wahrhaft großen Zahl von Bewerbungen ausgewählt. Der erste Teil des Workshops fand im Sommer in Koper statt Während des intensiven einwöchigen Programms entwickelten und verfeinerten die Teilnehmer ihre eingereichten künstlerischen Projekte in einem kontinuierlichen Dialog mit der Gruppe und den Mentoren. Ihre künstlerischen Fortschritte wurden durch Seminare von Gastexperten ergänzt, die die Teilnehmer anhand von Beispielen aus der Praxis in die wesentlichen Bereiche des Kulturmanagements einführten, die für die erfolgreiche Entwicklung und das Karrieremanagement eines jeden jungen Künstlers unerlässlich sind.

Der Arbeitsprozess wurde online fortgesetzt, wo die Teilnehmer ihre Projekte weiter diskutierten, entwickelten und verfeinerten, die immer konkretere Formen und Strukturen annahmen. Der Workshop geht nun in seine letzte Phase: die Vorbereitung und Durchführung von All Tomorrow's Songs, einer öffentlichen interdisziplinären Veranstaltung und Gruppenausstellung, die am 8. November 2024 in Kühlhaus stattfinden wird.

JAŠA (Jaša Mrevlje-Pollak, 1978, Ljubljana) ist ein zeitgenössischer Künstler, der zahlreiche Projekte in der ganzen Welt erfolgreich präsentiert hat und sich mit seinem kontinuierlichen Werk als einer der wichtigsten slowenischen Gegenwartskünstler seiner Generation etabliert hat. Er hat in New York, London und anderswo auf der Welt ausgestellt und Slowenien auf der Venedig Biennale vertreten. In den letzten Jahren war er Artist in Residence im Kühlhaus Berlin. Lesen Sie mehr

Projektleiter: We.are inštitut

Hauptförderer: JAŠA

Kommentatoren: Laura Rositani, Grega Močivnik, Nina Vombergar

Gastdozenten und Mentoren: Harshini J. Karunaratne, Mattias Gingliano, Vuk Ćošić, Tjaša Pureber, Motovila, Noah Charney, Arthur Duff, Michele Drascek, Zlatko Širol

Kuratoren der Ausstellung: Laura Rositani, JAŠA

Produktion & Promotion: Glasilka (Vladimir Mihajlović, Andraž Boštjančič)

Design & Support: Rosa Lux

Finanziert von der Europäischen Union

Dieses Projekt wird unterstützt von SKICA Berlin

Nika Rozman ist eine etablierte slowenische Theater- und Filmschauspielerin und Absolventin der Akademie für Theater, Radio, Film und Fernsehen in Ljubljana. Sie arbeitete am Stadttheater Ljubljana, später am Slowenischen Nationaltheater Drama Maribor, und ist derzeit freischaffend tätig. Rozman hat in zahlreichen Theaterproduktionen in ganz Slowenien mitgewirkt und über vierzig Theaterrollen verkörpert, darunter viele Hauptrollen. Sie ist sowohl im institutionellen Theater als auch in der freien Szene aktiv.

Im Filmbereich ist sie in Slowenien und international präsent und hat an Filmproduktionen in Slowenien, Kroatien, Serbien, Schweden und Deutschland mitgewirkt. Dem slowenischen Publikum ist sie vor allem durch ihre Rolle als Tina Lanc in den Fernsehserien Jezero, Leninov park und Dolina rož sowie als Moderatorin der Nachrichten- und Unterhaltungssendungen Izodrom, Krompir und Za repom bekannt. Zudem lieh sie ihre Stimme zahlreichen Zeichentrickfiguren und Hörspielen.

Für ihre Arbeit wurde Nika Rozman mehrfach ausgezeichnet, darunter mit dem Borštnik-Preis für junge Schauspielerinnen, dem Preis des slowenischen Dramatikerverbands (ZDUS) für künstlerische Leistungen, dem Vesna-Preis des slowenischen Filmfestivals und dem Brightest Star Award. Zudem erhielt sie mehrere Gruppenpreise für Projekte, an denen sie beteiligt war. Für ihre Rolle in der Serie wurde sie zweimal für den Heart of Sarajevo Award nominiert. Der deutsche Kurzfilm Truth, in dem sie die Hauptrolle spielt, gewann dreißig internationale Auszeichnungen, darunter einen Studenten-Oscar und eine BAFTA-Nominierung.

Sie nahm an mehreren bedeutenden internationalen Weiterbildungen im Filmbereich teil, darunter am Sarajevo Talent Campus, dem International Screen Acting Workshop an der Filmakademie Baden-Württemberg, dem ICDN Casting Workshop beim Sarajevo Film Festival, am Programm Ponta Lopud und dem Reacting as a Star Programme.

Während ihres Aufenthalts in Berlin wird sie unter anderem an der Postproduktion des in Serbien und Deutschland gedrehten Spielfilms Kuća von Tanja Braković mitarbeiten, in dem sie eine Nebenrolle spielt. Außerdem wird sie zusammen mit deutschen Kollegen ein Drehbuch für einen neuen Film schreiben, Kontakte zu lokalen Filmschaffenden knüpfen, Möglichkeiten für eine deutsche Vertretung erkunden und Filmfestivals, Seminare sowie Theateraufführungen besuchen.

Nika Rozman je uveljavljena slovenska gledališka in filmska igralka, ki je zaključila študij na AGRFT. Zaposlena je bila v MGL ter kasneje prestopila v ansambel SNG Drama Maribor, trenutno pa dela kot svobodnjakinja. Sodelovala je v številnih gledaliških produkcijah po Sloveniji in pri tem ustvarila več kot štirideset gledaliških vlog, med njimi mnoge nosilne. Aktivna je v tako v institucionalnem gledališču kot na neodvisni sceni.

Na filmskem področju je dejavna tako doma kot v tujini. Sodelovala je v slovenskih, hrvaških, srbskih, švedskih in nemških filmskih produkcijah. Slovensko občinstvo jo najbolj prepozna po vlogi Tine Lanc v televizijskih serijah Jezero, Leninov park in Dolina rož ter kot voditeljico informativno razvedrilnih oddaj Izodrom, Krompir, Za repom. Poleg tega je posodila glas mnogim animiranim junakom in radijskim igram.

Za svoje delo je Nika Rozman prejela več nagrad: Borštnikovo nagrado za mlado igralko, priznanje Združenja dramskih umetnikov Slovenije (ZDUS) za umetniške dosežke, Vesno na Festivalu slovenskega filma, nagrado Najsvetlejša zvezda ter druge skupinske nagrade za projekte, v katerih je sodelovala. Dvakrat je bla tudi nominirana za nagrado Srce Sarajeva za vlogo v seriji. Nemški kratki film Resnica, v katerem igra naslovno vlogo, je prejel trideset mednarodnih nagrad, med drugim študentskega Oskarja in nominacijo za Bafto.

Sprejeta je bila na več pomembnih mednarodnih izobraževanj v filmski industriji: Sarajevo Talent Campus, International Screen Acting Workshop na Baden-Württemberg Film Academy, Casting Workshop ICDN na Sarajevskem Filmskem Festivalu ter programih Ponta Lopud in Reacting as a Star.

Med rezidenco v Berlinu bo med drugim sodelovala pri postprodukciji celovečernega filma Kuća Tanje Braković, ki je bil posnet v Srbiji in Nemčiji, v njem pa ima stransko vlogo. Pomagala bo pri pisanju scenarija za nov film z nemškimi sodelavci, se povezovala z lokalnimi ustvarjalci, iskala možnosti za nemško zastopstvo ter obiskala filmski festival, seminarje in več gledaliških predstav.

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Die Ausstellung DOOMS OF LOVE von Maja Smrekar wird vom 1. November 2024 bis zum 20. April 2025 im Nassauischen Kunstverein Wiesbaden zu sehen sein. Smrekar präsentiert darin ihre neuesten Arbeiten, die sich mit den Beziehungen zwischen Menschen und nicht-menschlichen Akteuren auseinandersetzen. Die Ausstellung wird am 31.

Oktober 2024 um 18:00 Uhr eröffnet. Anlässlich der Eröffnung wird auch ihre Arbeit „I Hunt Nature and Culture Hunts Me“ im Rahmen des 37. Exground Filmfestivals in Wiesbaden (17.-26. November 2024) gezeigt.

Im Rahmen des Follow Fluxus-Stipendiums, das Smrekar erhielt, entwickelte sie in Wiesbaden eine neue Arbeit, die das Thema ihrer Installation und Langzeitperformance Opus et Domus" (2018) weiterführt. Darin verknüpfte sie ihr eigenes Haar mit dem ihrer Hunde Ada und Byron zu einer ineinander verwobenen Metapher über Familie und Mutterschaft. Smrekar hat diese Fäden nun für eine Stickerei verwendet, mit der sie ihr Verständnis von Familie und Mutterschaft weiter vertieft. Spinnen und Sticken werden zu Metaphern für die ambivalente weibliche Fürsorgearbeit, mit der Smrekar die soziale und politische Instrumentalisierung des weiblichen und nichtmenschlichen, tierischen Körpers hinterfragt.

Ergänzt wird die Ausstellung durch zwei neue Arbeiten, die im Rahmen des Expanded Cinema-Programms des Exground Filmfests gezeigt werden. In diesen Arbeiten geht es um eine Kritik an anthropozentrischen Vorstellungen von Dominanz und Territorium, wobei der emotionale Kontext der Beziehung zwischen Mensch und Tier im Mittelpunkt steht. Gezeigt wird die Videodokumentation ihrer Performance „I Hunt Nature and Culture Hunts Me“ (2014), eine Arbeit, die sich unter anderem auf die verheerenden Verluste an Wildtieren während der Überschwemmungen in Slowenien im Sommer 2023 bezieht.

Am 6. Februar 2025 findet im Rahmen der Ausstellung eine Diskussionsveranstaltung mit dem Titel On Hybrid Art - Maja Smrekar and Follow Fluxus" statt. Zu Wort kommen der Kurator und Medientheoretiker Jens Hauser sowie der Kunstphilosoph Vid Simoniti, die sich in ihren theoretischen Arbeiten auch mit Smrekars Werk auseinandersetzen.

Maja Smrekar ist eine international anerkannte Künstlerin, die sich in ihren Projekten mit Biotechnologie, künstlicher Intelligenz und Bioethik auseinandersetzt. In ihren künstlerischen Projekten arbeitet sie häufig mit Wissenschaftlern zusammen und untersucht die Beziehung zwischen Mensch, Tier und Technologie. Eine ihrer bekanntesten Werkserien ist „K-9_topology“, in der sie die komplexen ethischen und emotionalen Beziehungen zwischen Menschen und Tieren, insbesondere Hunden, untersucht. Die Serie umfasst mehrere Performances, Installationen und wissenschaftliche Untersuchungen, in denen sie sich mit Fragen der Identität, Evolution und Hybridisierung auseinandersetzt und die Grenzen zwischen den Spezies und der natürlichen Welt hinterfragt. Mit ihrer Kunst eröffnet Smrekar einen Raum für Diskussionen über das Zusammenleben und die Konflikte zwischen Technologie, Natur und Ethik in der modernen Gesellschaft.

Seit Jahren erforscht Smrekar die Beziehung zwischen Mensch und Tier und verbindet in ihren Werken Kunst, Wissenschaft und Technologie. Ihre jüngste Ausstellung konzentriert sich auf ihre persönliche Erfahrung und Zusammenarbeit mit Tieren, insbesondere mit ihrer Hündin Ada, die im Frühsommer 2024 verstar

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Samostojna razstava Maje Smrekar z naslovom DOOMS OF LOVE bo v Nassauischer Kunstverein Wiesbaden potekala od 1. novembra 2024 do 20. aprila 2025, kjer bo predstavila svoja najnovejša dela, ki se ukvarjajo z razmerji med ljudmi in nečloveškimi akterji. Razstava se bo odprla 31. oktobra 2024 ob 18. uri, ob tej priložnosti pa bo tudi predstavitev njenega dela „I Hunt Nature and Culture Hunts Me" v okviru 37. Exground filmskega festivala v Wiesbadnu, ki bo potekal od 17. do 26.11.

V okviru Follow Fluxus štipendije, katere prejemnica je bila, je Smrekarjeva v Wiesbadnu razvila novo delo, ki nadaljuje temo iz njene instalacije in dolgotrajnega performansa "Opus et Domus" (2018), kjer je prepletala svoje lase s pasjimi dlakami svojih psov, Ade in Byrona, ter ustvarila preplet metafor o družini in materinstvu. Smrekarjeva je to prejo zdaj uporabila za vezenino, v kateri je razširila svoje razumevanje družine in materinstva. Predenje in vezenje postaneta metafori za ambivalentno žensko skrbstveno delo, s katerim Smrekar preizprašuje družbeno in politično instrumentalizacijo ženskega in nečloveškega, živalskega telesa.

Razstava bo razširjena z dvema novima deloma, ki bosta predstavljena v okviru programa Expanded Cinema na Exground Filmfest. Ta dela obravnavajo kritiko antropocentričnih idej o dominaciji in teritoriju, s poudarkom na čustvenih kontekstih odnosa med ljudmi in živalmi. Prikazani bosta video dokumentacija njenega performansa "I Hunt Nature and Culture Hunts Me" (2014) delo, ki med drugim naslavlja uničujoče izgube divjih živali zaradi poplav v Sloveniji poleti 2023.

6. februarja 2025 bo v okviru razstave potekalo predavanje "On Hybrid Art – Maja Smrekar and Follow Fluxus". V okviru dogodka bosta nastopala tudi kurator in medijski teoretik Jens Hauser ter filozof umetnosti Vid Simoniti, oba se namreč v teoriji posvečata tudi delu Smrekarjeve.

Maja Smrekar je mednarodno priznana umetnica, ki se v svojih projektih osredotoča na preučevanje biotehnologije, umetne inteligence in bioetike. Njeni umetniški projekti pogosto vključujejo sodelovanje z znanstveniki in raziskovanje odnosa med človekom, živalmi in tehnologijo. Ena njenih najbolj odmevnih serij je "K-9_topologija", v kateri raziskuje kompleksne etične in čustvene vezi med ljudmi in živalmi, še posebej s psi. Ta serija vključuje več performansov, instalacij in znanstvenih raziskav, kjer se posveča vprašanjem identitete, evolucije, hibridizacije ter preizprašuje meje med vrstami in naravnim svetom. Smrekarjeva s svojo umetnostjo odpira prostor za razpravo o sožitju in konfliktih med tehnologijo, naravo in etiko v sodobni družbi.

Smrekarjeva že vrsto let raziskuje odnose med ljudmi in živalmi, pri čemer njena dela združujejo umetnost, znanost in tehnologijo. Njena najnovejša razstava se osredotoča na njeno osebno izkušnjo in sodelovanje z živalmi, še posebej z njeno psičko Ado, ki je preminila v zgodnjem poletju 2024.

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V performansu Expanding Black umetniki kritično raziskujejo informacijske prostore, ki so nastali v različnih zračnih koridorjih med rusko invazijo na Ukrajino. Performans temelji na akustičnem zajemu (radijskih) signalov, ki so bili skoraj v realnem času ujeti med vojno, z dodatkom obsežnega arhivskega gradiva, ki zagotavlja kontekst. Osrednje vprašanje, ki ga performans naslavlja, je: Kako so ustvarjene in oblikovane javne sfere?

Marko Peljhan je slovenski umetnik, raziskovalec in pionir na področju interdisciplinarnih umetniških praks, ki povezujejo tehnologijo, znanost in umetnost. Eden njegovih najbolj prepoznavnih projektov je Makrolab, mobilni laboratorij, namenjen raziskavam okolja, telekomunikacij in migracij, ki je bil vzpostavljen na različnih lokacijah po svetu. Peljhanovo delo pogosto raziskuje razmerja med tehnologijo, naravo in geopolitičnimi vprašanji.

Peljhan je znan tudi po svojih projektih na Arktiki, kjer raziskuje klimatske spremembe in njihovo povezanost z globalnimi komunikacijskimi sistemi ter geopolitičnimi interesi. Njegova prizadevanja na Arktiki so del širšega koncepta, ki združuje umetnost, znanost in vojaško tehnologijo v iskanju alternativnih oblik komunikacije in preživetja v ekstremnih pogojih. S projektom Arctic Perspective Initiative (API) si prizadeva za razvoj trajnostnih in odprtokodnih tehnoloških rešitev za skupnosti, ki živijo v severnih polarnem območju. Peljhanovo delo na Arktiki tako poudarja nujnost premisleka o vplivih človeških dejavnosti na občutljive ekosisteme ter o strateškem pomenu tega območja v prihodnosti.

To dodatno poudarja njegovo vpetost v globalna vprašanja, kjer umetnost postaja orodje za preoblikovanje družbenih in ekoloških realnosti.

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Expanding Black erforscht die Informationsräume, die während des Angriffskriegs auf die Ukraine in den betroffenen Lufträumen entstanden sind. Die Lecture Performance basiert auf einer akustischen Grundlage von nahezu in Echtzeit abgefangenen (Radio-)Signalen aus dem Krieg, ergänzt durch umfangreiches Archivmaterial.  

Im Mittelpunkt der Veranstaltung steht die Frage, wie Öffentlichkeiten erzeugt und gestaltet werden.  Die Veranstaltung findet auf Englisch statt.

Marko Peljhan ist ein slowenischer Künstler, Forscher und Pionier auf dem Gebiet interdisziplinärer künstlerischer Praktiken, die Technologie, Wissenschaft und Kunst verbinden. Eines seiner bekanntesten Projekte ist das Makrolab, ein mobiles Labor, das für die Erforschung von Umwelt, Telekommunikation und Migration eingerichtet wurde und an verschiedenen Orten weltweit stationiert war. Peljhans Werk erforscht häufig die Beziehungen zwischen Technologie, Natur und geopolitischen Fragen.

Peljhan ist auch für seine Projekte in der Arktis bekannt, wo er den Klimawandel und dessen Verbindungen zu globalen Kommunikationssystemen und geopolitischen Interessen untersucht. Seine Aktivitäten in der Arktis sind Teil eines größeren Konzepts, das Kunst, Wissenschaft und Militärtechnologie miteinander verbindet, um alternative Formen der Kommunikation und des Überlebens unter extremen Bedingungen zu finden. Mit dem Projekt Arctic Perspective Initiative (API) setzt er sich für die Entwicklung nachhaltiger und quelloffener technologischer Lösungen für Gemeinschaften in der nördlichen Polarregion ein. Peljhans Arbeit in der Arktis betont die Notwendigkeit, über die Auswirkungen menschlicher Aktivitäten auf sensible Ökosysteme und über die strategische Bedeutung dieser Region in der Zukunft nachzudenken.

Dies unterstreicht zusätzlich seine Einbindung in globale Fragestellungen, in denen Kunst zu einem Werkzeug wird, um gesellschaftliche und ökologische Realitäten neu zu gestalten.

Ana Kravanja ist eine Künstlerin, die ständig die Grenzen zwischen Musik und Klang erforscht. Ihr Schaffen ist von Innovationen geprägt, da sie häufig die konventionellen Rollen von Instrumenten und Klängen in künstlerischen Kontexten hinterfragt. Mit ihrem einzigartigen Stil verbindet sie Elemente aus Volksmusik und experimenteller Musik und schafft dabei Räume für freie Improvisation. Ihre Arbeit zeichnet sich durch Subtilität und ein tiefes Gespür für Klanglandschaften aus, die eine Atmosphäre schaffen, in der die Zuhörer zu Mitgestaltern ihrer musikalischen Erzählung werden. Sie komponiert auch Originalmusik für Theateraufführungen, Filme, Animationen, Erzählungen, Poesie, Tanz und visuelle Performances. Ihr Schaffen zeichnet sich durch zahlreiche Innovationen sowohl in der Nutzung von Musikinstrumenten als auch in den Kompositionen aus.

Neben ihrer musikalischen Arbeit setzt sie sich auch für die Verbreitung experimenteller Kunst ein und beteiligt sich an zahlreichen interdisziplinären Projekten, in denen sie die Verbindungen zwischen Klang, Bewegung und visueller Kunst erforscht.

Ana Kravanja ist Mitglied der international etablierten Musikgruppe Širom, in der sie auf einer Vielzahl von traditionellen, klassischen und selbstgebauten Instrumenten spielt. Vor Kurzem trat die Gruppe auf der Pariser Fashion Week auf und begleitete die Modenschau der japanischen Marke CFCL.

In Berlin trat sie 2023 mit der Gruppe Širom im Rahmen der "Slowenischen Kulturtage" im Museum Europäischer Kulturen auf. Der Aufenthalt in der Residenz wird ihr zahlreiche neue Kontakte und Verbindungen ermöglichen sowie mehrere Konzerte. Sie sind herzlich eingeladen, diese zu besuchen oder zu hören:

16.10. Duo with Raed Yassin, Richten25, Berlin

18.10. Trio Kačis, Juckpulver, Theater neben dem Turm, Marburg

26.10. Interview at Cashmere Radio at 18h, Berlin

Ana Kravanja je umetnica, ki nenehno raziskuje meje med glasbo in zvokom. Njeno ustvarjanje prežemajo inovacije, saj pogosto preizprašuje konvencionalne vloge glasbil in zvoka v umetniških kontekstih. S svojim edinstvenim slogom združuje elemente ljudske in eksperimentalne glasbe, hkrati pa ustvarja prostore za svobodno improvizacijo. Njeno delo je prepoznano po subtilnosti in poglobljenem občutku za zvočne pokrajine, ki ustvarjajo atmosfero, v kateri poslušalci postanejo soudeleženci v njeni glasbeni zgodbi. Ustvarja tudi avtorsko glasbo za gledališke predstave, filme, animacije, pripovedovanja, poezijo, ples in vizualne performanse. Njeno ustvarjalnost zaznamujejo številne inovacije tako glede rabe glasbenih instrumentov kot v glasbenih kompozicijah.

Poleg ustvarjanja v glasbi si prizadeva tudi za širjenje eksperimentalne umetnosti in sodeluje v številnih interdisciplinarnih projektih, kjer raziskuje povezave med zvokom, gibanjem in vizualno umetnostjo. Ana Kravanja deluje v mednarodno etablirani glasbeni skupini Širom, kjer igra na množico tradicionalnih, klasičnih in lastnoročno narejenih glasbil.Pred kratkim so nastopili na tednu mode v Parizu, in sicer so spremljali modno revijo japonske znamke CFCL.

V Berlinu je s skupino Širom nastopila leta 2023 v okviru "Slovenskih kulturnih dnevov" v Muzeju evropskih kultur. Bivanje v rezidenci ji bo omogočilo številna nova poznanstva in povezovanja ter nekaj koncertov. Vabljeni ste,da jih obiščete oziroma poslušate:

16.10. Duet z Raed Yassin, Richten25, Berlin

18.10. Trio Kačis, Juckpulver, Theater neben dem Turm, Marburg

26.10. Intervju za Cashmere Radio ob 18h, Berlin

Am 13. September eröffnet das Kunstgewerbemuseum eine Ausstellung von Robertina Šebjanič, von einer Künstlerin und Forscherin, die sich in ihrer Arbeit mit der biologischen, (geo-)politischen und kulturellen Realität der aquatischen Umwelt und dem Einfluss des Menschen auf andere Organismen beschäftigt. In ihrer Analyse des Anthropozäns und seines theoretischen Rahmens verwendet die Künstlerin die Begriffe „aquatocene“ und „aquaforming“, um die Aufmerksamkeit auf den Einfluss des Menschen auf die aquatische Umwelt aufmerksam zu machen.

Lygophilia bezeichnet eine Serie forschungsbasierter Kunstwerke, die 2017 von Robertina Šebjanič in Mexiko initiiert und in Slowenien fortgesetzt wurde, um die Liebe (gr.: philéō) zur Dunkelheit (gr.: lúgē) unbekannter Bewohner:innen an für Menschen unwirtlichen Orten zu erkunden.

Lygophilia verwebt Mythologie und Wissenschaft, Geschichte und Zukunft, Ängste und Sehnsüchte, Kontinente, Kulturen, Menschen und nichtmenschliche Spezies miteinander. Lygophilia erzählt Geschichten, in deren Zentrum zwei faszinierende Kreaturen stehen: der mexikanische Axolotl und der slowenische Proteus.

Axolotl und Proteus, beide aquatische Salamander, die auf zwei verschiedenen Kontinenten beheimatet sind, haben nicht nur gemeinsam, dass sie sich vor dem Licht verstecken, beide dienen auch als Beispiel für parallele Evolution und Endemismus. Und beide stehen inzwischen auf der Liste der bedrohten Tierarten.

Axolotl und Proteus zeichnen sich durch ihre Langlebigkeit und ihre außergewöhnlichen Regenerationsfähigkeiten aus. Auch im Erwachsenenalter bewahren sie ewige Jugend. Sie sind Protagonisten alter Mythen, gehören zum kulturellen Erbe Mexikos und Sloweniens und dienen als nationale Symbole. Aufgrund ihrer spezifischen Eigenschaften stehen sie außerdem im Mittelpunkt der wissenschaftlichen Hightech-Forschungen.

Mit Lygophilia möchte Robertina Šebjanič zum Nachdenken über unsere kulturellen Vorstellungen von Biologie und Evolution anregen. Axolotl und Proteus sind beeindruckende Beispiele für die Anpassungsfähigkeit von Lebewesen an die sich ändernden Prozesse in der Natur und erinnern uns daran, dass es vielfältige Formen von Intelligenz auf unserem Planeten gibt. Angesichts ökologischer, geopolitischer und gesellschaftlicher Veränderungen möchte die Künstlerin auch zu mehr Empathie und Respekt für unsere natürliche Umwelt aufrufen.

Robertina Šebjanič ist eine slowenische Künstlerin, die sich in ihrer Arbeit mit den biologischen, chemischen, (geo-)politischen und kulturellen Realitäten der aquatischen Umwelt und den Auswirkungen des Menschen auf andere Organismen beschäftigt. Ihre Projekte fordern die Entwicklung empathischer Strategien, die darauf abzielen, die anderen (nicht-menschlichen) Organismen anzuerkennen. In ihrer Analyse des Anthropozäns und seines theoretischen Rahmens verwendet die Künstlerin die Begriffe „Aquatozän“ und „aquaforming“, um auf den menschlichen Eingriff in die Meeresumwelt hinzuweisen.

Lygophylia wird im Rahmen der Plattform Mehr als Mensch. Design nach dem Anthropozän im Museum für Angewandte Kunst in Berlin gezeigt:

Direktorin: Sibylle Hoiman Kuratorin von „ Mehr als Mensch“: Claudia Banz Restauratoren: Wibke Bornkessel, Christian Fischer, Franziska Kierzek Ausstellungsteam: Ann-Kathrin Illmann, Thorsten Kasper, Karoline Keiter, Laura Niklas

In Zusammenarbeit mit SKICA Berlin.

Foto: Amin Akhtar

13.9. bo v Kunstgewerbemuseum potekala otvoritev razstave Robertine Šebjanič, umetnice in raziskovalke, ki v svojem delu raziskuje biološko, (geo)politično in kulturno realnost vodnih okolij ter vpliv človeka na druge organizme. V svoji analizi antropocena in njegovega teoretičnega okvirja umetnica uporablja izraza "akvatocen" in "akvaformiranje" in s tem opozarja na človeški vpliv na vodno okolje.

Lygophilia označuje serijo raziskovalno osnovanih umetniških del, ki jih je leta 2017 v Mehiki začela Robertina Šebjanič in jih nadaljevala v Sloveniji, da bi raziskala ljubezen (gr.: philéō) do teme (gr.: lúgē) neznanih prebivalcev na za ljudi neprijaznih mestih.
Lygophilia prepleta mitologijo in znanost, zgodovino in prihodnost, strahove in hrepenenja, celine, kulture, ljudi in nečloveške vrste. Lygophilia pripoveduje zgodbe, v katerih sta v središču dve fascinantni bitji: mehiški aksolotl in slovenski proteus.
Aksolotl in proteus, oba vodna močeradca, ki prebivata na dveh različnih celinah, imata skupno ne le to, da se skrivata pred svetlobo, oba sta tudi primer vzporedne evolucije in endemizma. In oba sta zdaj na seznamu ogroženih živalskih vrst.
Aksolotl in proteus izstopata po svoji dolgoživosti in izjemnih sposobnostih regeneracije. Tudi v odrasli dobi ohranjata večno mladost. Sta protagonista starih mitov, del kulturne dediščine Mehike in Slovenije ter služita kot nacionalna simbola. Zaradi svojih specifičnih lastnosti sta tudi v središču znanstvenih visokotehnoloških raziskav.

Z Lygophilio želi Robertina Šebjanič spodbuditi razmišljanje o naših kulturnih predstavah o biologiji in evoluciji. Aksolotl in proteus sta impresivna primera prilagodljivosti živih bitij na spreminjajoče se procese v naravi in nas spominjata, da na našem planetu obstajajo številne oblike inteligence. Ob ekoloških, geopolitičnih in družbenih spremembah želi umetnica tudi spodbuditi k večji empatiji in spoštovanju naše naravne okolice.

Robertina Šebjanič je slovenska umetnica, ki se v svojem delu ukvarja z biološkimi, kemičnimi, (geo)političnimi in kulturnimi stvarnostmi vodnega okolja ter vplivom človeka na druge organizme. Njeni projekti spodbujajo razvoj empatičnih strategij, ki si prizadevajo prepoznati druge (nečloveške) organizme. V svoji analizi antropocena in njegovega teoretičnega okvira umetnica uporablja izraza "Akvatocen" in "aquaforming", da bi opozorila na človeški poseg v morsko okolje.

Lygophylia je prikazana v okviru platforme "Več kot človek. Oblikovanje po antropocenu" v Muzeju za uporabne umetnosti v Berlinu:


Direktorica: Sibylle Hoiman Kustosinja "Več kot človek": Claudia Banz Restavratorji: Wibke Bornkessel, Christian Fischer, Franziska Kierzek Razstavna ekipa Ann-Kathrin Illmann, Thorsten Kasper, Karoline Keiter, Laura Niklas

Razstava je nastala na pobudo in v sodelovanju s SKICO Berlin.


Foto: Amin Akhtar

Anmeldung erforderlich

In Zusammenarbeit mit dem Internationalen Zentrum für Grafik Ljubljana (MGLC) werden wir am Mittwoch, den 11. September, die Ausstellung von Grafiken verschiedener slowenischer Künstler aus der Sammlung des MGLC Ljubljana in der Botschaft der Republik Slowenien in Berlin eröffnen. Unter den ausgestellten Künstlern befinden sich die Grafikerin und visuelle Künstlerin Zora Stanič, das Kollektiv Laibach, David Kucler, der im Bereich Malerei und Grafik tätig ist, die in Berlin lebende Künstlerin Neža Jurman, die unter dem Künstlernamen Nez Pez arbeitet, der visuelle Künstler und Grafikdesigner Marko Šajn sowie das Künstlerduo Mateja Rojc und Simon Hudolin mit dem Namen Small but Dangers.

Zur Ausstellung hat der Kurator Božidar Zrinski geschrieben: „Die Auswahl der Werke sticht sowohl durch das Konzept als auch durch die formale Beziehung zum grafischen Medium hervor. Alle Werke sind im Grafikatelier des MGLC entstanden: Marko Šajn, David Kucler, Neža Jurman, Small but Dangers sind Autoren, die sich durch klar formulierte Inhalte, qualitativ hochwertige Vorbereitung und Ausführung der Werke auszeichnen. Sie navigieren erfolgreich zwischen aufrichtiger Selbstoffenbarung und einer klaren kritischen Haltung zur globalen gesellschaftlichen Situation und zum Zustand im Kunstsystem. Ergänzt werden sie durch Werke etablierter Autoren der Gruppe Laibach, Zora Stančič und Petra Varl.

Zur Eröffnung der Ausstellung wird die Direktorin des MGLC, Nevenka Šivavec, anwesend sein und die Aktivitäten des MGLC sowie die Ausstellung in Berlin vorstellen.

Das MGLC ist ein künstlerisches, bildungsbezogenes, residentes und freizeitliches Zentrum in Ljubljana, das durch die Kombination von Erbe, zeitgenössischer Kunst und Natur das Leben aller Generationen bereichert. Es ist auch der Hauptorganisator und Produzent der Grafischen Biennale Ljubljana, einer der ältesten und größten internationalen Ausstellungen im Bereich Grafik und zeitgenössische Kunst in Mittel- und Südosteuropa.

Neža Jurman

Neža Jurman (1985), die unter dem Künstlernamen Nez Pez arbeitet, hat Bildhauerei an der Akademie für Bildende Kunst und Design in Ljubljana studiert. Ihr Werk zeichnet sich durch sich wiederholende Motive aus, die sich durch verschiedene Medien ziehen – Grafik, Zeichnung, Malerei, audiovisuelle Arbeiten und Bildhauerei. Derzeit lebt und arbeitet sie in Berlin.

David Kucler (1994) ist im Bereich Malerei und Grafik tätig. Im Jahr 2021 hat er an der Akademie für Bildende Kunst und Design in Ljubljana seinen Abschluss in Malerei gemacht und den Akademiepreis für besondere künstlerische Leistungen erhalten.

Laibach

Laibach ist eine slowenische Musik- und Medienkunstgruppe, die 1980 in Trbovlje gegründet wurde. Seit den frühen 1980er Jahren war sie ein wesentlicher Teil des avantgardistischen Kunstkollektivs NSK (Neue Slowenische Kunst). Seit ihrer Gründung produziert Laibach neben Musik auch bildende und visuelle Werke, die Plakate, Bilder, Holzschnitte, Installationen, Videos, Performances und künstlerische Revueprojekte umfassen. Dieser Teil ihrer Praxis wird als Laibach Kunst bezeichnet.

Small but dangers ist das Künstlerduo Mateja Rojc & Simon Hudolin aus dem slowenischen Dorf Cerkno. "Small but Dangers" bedeutet nichts: Es handelt sich um eine absichtlich fehlerhafte Schreibweise der Paraphrase des Ausdrucks „klein, aber mächtig“ (sitan oder dynamitan), der in Südosteuropa für einen widerspenstigen und starken Einzelnen verwendet wird, der in der Lage ist, sich gegen und einen oft viel besser konsolidierten Feind zu behaupten.

Zora Stančič

Zora Stančič (1956), Grafikerin und visuelle Künstlerin, hat 1984 an der Akademie für Bildende Kunst in Sarajevo ihren Abschluss gemacht. Sie ist an der Akademie für Bildende Kunst und Design in Ljubljana als außerordentliche Professorin für den Bereich Grafik tätig.

Marko Šajn

Marko Šajn (1990) hat Malerei und Grafik an der Akademie für Bildende Kunst und Design in Ljubljana studiert und arbeitet als visueller Künstler und Grafikdesigner.

Petra Varl(1965) ist eine Künstlerin, die hauptsächlich im Bereich Zeichnung und Installation tätig ist. Sie lehrt als Professorin für Zeichnung und Grafik an der Abteilung für Bildende Kunst der Pädagogischen Fakultät der Universität Maribor. Sie hat Malerei an der Akademie für Bildende Kunst und Design in Ljubljana studiert.

SKICA Berlin in Zusammenarbeit mit dem MGLC Ljubljana und der Botschaft der Republik Slowenien in Berlin.

Prijave obvezne

V sodelovanju z Mednarodnim grafičnim likovnim centrom Ljubljana (MGLC) bomo v sredo, 11. 9., odprli razstavo grafik slovenskih umetnikov iz Zbirke MGLC Ljubljana na Veleposlaništvu Republike Slovenije v Berlinu. Med razstavljenimi umetniki so grafičarka in vizualna umetnica Zora Stančič, kolektiv Laibach, David Kucler, ki deluje na področjih slikarstva in grafike, v Berlinu živeča umetnica Neža Jurman, ki deluje pod umetniškim imenom Nez Pez, vizualni umetnik in grafični oblikovalec Marko Šajn, ter umetniški dvojec Mateje Rojc in Simona Hudolina Small but dangers.

Ob razstavi je kurator Božidar Zrinski zapisal: »Izbor del izstopa tako po konceptu kot po formalnem odnosu do grafičnega medija. Vsa dela so nastala v grafičnem ateljeju MGLC: Marko Šajn, David Kucler, Neža Jurman, Small but dangers so avtorice in avtorji, ki se izkazujejo z lucidno zastavljeno vsebino, kakovostno pripravo in izvedbo del. Uspešno plujejo med iskreno samoizpovedjo in jasno kritično držo do globalne družbene situacije in stanja v umetnostnem sistemu. Njim so pridružena dela uveljavljenih avtorjev skupine Laibach, Zore Stančič in Petre Varl.« 

Odprtja razstave se bo udeležila direktorica Mednarodnega grafičnega likovnega centra Nevenka Šivavec, ki bo ob odprtju predstavila dejavnosti MGLC in razstavo v Berlinu.

MGLC je umetniško, izobraževalno, rezidenčno in prostočasno središče v Ljubljani, ki s prepletom dediščine, sodobne umetnosti in narave bogati življenja vseh generacij. Je tudi organizator in producent Grafičnega bienala Ljubljana, ki je ena najstarejših in največjih mednarodnih razstav s področja grafične in sodobne umetnosti v srednji in jugovzhodni Evropi.

Neža Jurman

Neža Jurman (1985), z umetniškim imenom Nez Pez, je diplomirala iz kiparstva na Akademiji za likovno umetnost in oblikovanje v Ljubljani. Njen opus spremljajo ponavljajoči se motivi, ki se selijo skozi različne medije – grafiko, risbo, sliko, avdiovizualna dela in kiparstvo. Trenutno živi in ustvarja v Berlinu.

David Kucler (1994) deluje na področjih slikarstva in grafike. Leta 2021 je na Akademiji za likovno umetnost in oblikovanje v Ljubljani diplomiral iz smeri slikarstvo ter prejel nagrado akademije za posebne umetniške dosežke.

Laibach

Laibach je slovenska glasbena in večmedijska umetniška skupina, ustanovljena 1980 v Trbovljah. Od začetka osemdesetih let je bila poglavitni del avantgardnega umetniškega kolektiva NSK (Neue Slowenische Kunst). Od svoje ustanovitve naprej Laibach poleg glasbe ustvarja tudi likovna in vizualna dela, ki obsegajo plakate, slike, lesoreze, prostorske postavitve, videe, performanse in umetniške revialne projekte. Ta del njihove prakse je poimenovan Laibach Kunst.

Small but dangers sta umetniški dvojec Mateje Rojc in Simona Hudolina iz slovenske vasi Cerkno. "Small but dangers" ne pomeni ničesar: gre za namerno napačen zapis parafraze izraza »majhen, a silen« (sitan, ali dinamitan), ki se v jugovzhodnem delu Evrope uporablja za upornega in močnega posameznika, ki se je zmožen postaviti po robu in premagati sovražnika, le-ta je običajno veliko bolje konsolidiran.

Zora Stančič

Zora Stančič (1956), grafičarka in vizualna umetnica, je leta 1984 diplomirala na Akademiji za likovno umetnost v Sarajevu. Zaposlena je na ljubljanski Akademiji za likovno umetnost in oblikovanje kot izredna profesorica za področje grafike.

Marko Šajn

Marko Šajn (1990) je študiral slikarstvo in grafiko na Akademiji za likovno umetnost in oblikovanje v Ljubljani in deluje kot vizualni umetnik ter grafični oblikovalec.

Petra Varl (1965) je umetnica, ki deluje večinoma na področju risbe in instalacije. Na Oddelku za likovno umetnost Pedagoške fakultete Univerze v Mariboru kot redna profesorica poučuje risbo in grafiko. Študirala je slikarstvo na Akademiji za likovno umetnost in oblikovanje v Ljubljani.

SKICA Berlin v sodelovanju z MGLC Ljubljana in Veleposlaništvom RS v Berlinu.

Žiga Kariž ist ein renommierter slowenischer bildender Künstler, der an der Schnittstelle zwischen klassischer bildender Kunst, insbesondere Malerei, Konzeptkunst und neuen Medien arbeitet. Seit 2009 ist er Professor an der Fakultät für Malerei der Akademie für bildende Künste und Design der Universität Ljubljana (ALUO). Er hat an zahlreichen wichtigen internationalen Ausstellungen und Veranstaltungen teilgenommen, darunter die Biennale von Venedig und die Biennale von São Paulo, Brasilien.

Im Laufe seiner künstlerischen Karriere hat Kariž einen unverwechselbaren Stil entwickelt, der auch die Verschmelzung von Malerei und neuen Medien umfasst. Seine Arbeiten beschäftigen sich mit Themen wie der visuellen Wahrnehmung, der Rolle der Kunst in der modernen Gesellschaft und der Beziehung zwischen Künstler, Betrachter und Kunstwerk. Sein Projekt Terror=Decor, das auf der Biennale von Venedig gezeigt wurde, war ein wichtiger Meilenstein in seiner internationalen Karriere, da er in seinen visuellen Kompositionen die Verbindung von Politik und Ästhetik sowie die Rolle des Ornaments in politischen Kontexten untersuchte.

Während seines Aufenthalts in Berlin entwickelt Kariž Themen für neue Projekte und konzentriert sich insbesondere auf seine Arbeit mit dem Titel 1-12, die darauf abzielt, neue Einheiten zu generieren oder "urbane Visualitäten" in Form von 12 Mappen mit umfangreichem visuellem Material, das zum Teil bereits in Berlin gesammelt wurde, zu ordnen. Diese Stadt stellt somit in dieser Phase den idealen Raum für die Entwicklung des Projekts dar.

Žiga Kariž je priznani slovenski vizualni umetnik, ki deluje na presečišču klasične vizualne umetnosti, predvsem slikarstva, konceptualne umetnosti in novih medijev. Od leta 2009 je zaposlen kot profesor na oddelku za slikarstvo Akademije za likovno umetnost in oblikovanje Univerze v Ljubljani (ALUO). Med drugim je sodeloval na več pomembnih mednarodnih razstavah in dogodkih, med drugim na Beneškem bienalu ter v Braziliji na bienalu v São Paulu.

Žiga Kariž je v svoji umetniški karieri razvil prepoznaven slog, ki vključuje tudi preplet slikarstva in novih medijev. Njegova dela se ukvarjajo s temami, kot so vizualna percepcija, vloga umetnosti v sodobni družbi in odnos med umetnikom, gledalcem in umetnino. Njegov projekt Terror=Decor, predstavljen na Beneškem bienalu, je bil eden od ključnih trenutkov njegovega mednarodnega preboja, saj je skozi vizualne kompozicije raziskoval preplet politike in estetike ter vlogo okrasja v političnih kontekstih.

V okviru rezidenčnega bivanja v Berlinu pridobiva teme za nove projekte ter v ospredje postavlja delo na projektu, ki ga je naslovil "1-12". Gre za projekt v nastajanju, za generiranje novih enot oziroma urejanje "urbanih vizualij" v obliki 12 fasciklov z obsežnim arhivom vizualnega materiala, deloma že pridobljenega prav v Berlinu. To mesto torej predstavlja v tej fazi pravo okolje za razvoj projekta.

Umetnica v rezidenci, v mesecu avgustu je Urška Savič. Urška je fotografinja, novinarka na področju kulture, ustvarjalka radijskih oddaj in producentka umetniških dogodkov. Diplomirala je v Pragi na FAMU leta 2014, kjer se je ukvarjala s tematikami kolaža in fotomontaže. Leta 2020 je magistrirala na Akademiji za likovno umetnost in oblikovanje (ALUO) v Ljubljani, kjer se je na oddelku za kiparstvo osredotočala na prekomerno težnjo po dokumentaciji in arhivarsko prakso v sodobni umetnosti. Za magistrsko delo je prejela Prešernovo nagrado Univerze v Ljubljani.

Od leta 2017 dalje je sodelavka redakcije za kulturo in humanistične vede na Radiu Študent, kjer je z letom 2019 pričela voditi odprto radijsko umetniško - teoretsko raziskovalno platformo R A D A R. Od leta 2021 opravlja tudi delo tonske mojstrice v oddajnem studiu. Kot samozaposlena v kulturi sodeluje z različnimi publikacijami (Revija Fotografija/Membrana, Maska, Razpotja, Kino) in sodeluje pri ustvarjanju večmedijskih projektov v okviru različnih kulturnih dogodkov (Sluhodvod - Zavod Sploh, Festival Svetlobna gverila, Festival Rdeče zore, Festival Mladi levi, Festival Mesto žensk). V letu 2024 se je poleg tega pridružila uredniškemu odboru revije Fotografija, v študijskem letu 2023/24 pa je kot zunanja sodelavka pričela poučevati na Oddelku za fotografijo na ALUO.

Na rezidenci v Berlinu se bo posvečala dolgoročnemu interdisciplinarnemu projektu v razvoju “Arhivi pozabe”. Projekt se tematsko ukvarja z mehanizmi arhiviranja v sodobni digitalni družbi, pri čemer je fokus na področju umetnosti in kulture, obenem pa projekt radovedno obravnava tudi vpliv »arhivske mrzlice« na ostala področja človeškega življenja. Tekom svoje rezidence bo že drugič sodelovala v kolektivnem performansu dua LABOUR, tokrat na berlinskem Festivalu Berlin Atonal, v soboto, 24. 08. 2024 ob 20ih v Kraftwerku.

Foto: Nina Pernat

Die Künstlerin in der Residence im August ist Urška Savič. Urška ist Fotografin, Kulturjournalistin, Radiomoderatorin und Produzentin von Kunstveranstaltungen. Sie schloss 2014 ihr Studium an der FAMU in Prag ab, wo sie an den Themen Collage und Fotomontage arbeitete. Im Jahr 2020 erhielt sie ihren Masterabschluss an der Akademie der bildenden Künste und Design (ALUO) in Ljubljana, wo sie sich in der Abteilung für Bildhauerei mit der exzessiven Tendenz zur Dokumentation und Archivierungspraxis in der zeitgenössischen Kunst konzentrierte. Für ihre Magisterarbeit erhielt sie den Prešeren-Preis der Universität Ljubljana.

Seit 2017 ist sie Mitarbeiterin der Kultur- und Geisteswissenschaftlichen Redaktion von Radio Študent, wo sie seit 2019 die offene Radio-Kunst-Theorie-Forschungsplattform R A D A R leitet. Seit 2021 arbeitet sie auch als Tontechnikerin. Als selbständige Kulturschaffende arbeitet sie mit verschiedenen Publikationen zusammen (Magazine Fotografija/Membrana, Maska, Razpotja, Kino) und ist Mitgestalterin von Multimedia-Projekten im Rahmen verschiedener kultureller Veranstaltungen (Sluhodvod - Zavod Sploh, Svetlobna gverila Festival, Red Dawn Festival, Young Lions Festival, City of Women Festival). Im Jahr 2024 wurde sie außerdem Mitglied der Redaktion der Zeitschrift Fotografija, und im akademischen Jahr 2023/24 begann sie, als externe Mitarbeiterin am Fachbereich Fotografie der Akademie der bildenden Künste und Design zu unterrichten.

Während ihres Aufenthalts in Berlin wird sie sich auf das in Entwicklung befindliche interdisziplinäre Langzeitprojekt „Archive des Vergessens“ konzentrieren. Das Projekt befasst sich thematisch mit den Mechanismen des Archivierens in der heutigen digitalen Gesellschaft, mit einem Fokus auf den Bereich Kunst und Kultur, aber auch mit den Auswirkungen des „Archivfiebers“ auf andere Bereiche des menschlichen Lebens. Während ihrer Residenz wird sie zum zweiten Mal an einer gemeinsamen Performance des Duos LABOUR teilnehmen, diesmal im Rahmen des Berlin Atonal Festivals am Samstag, den 24. August 2024 um 20 Uhr in Kraftwerk.

Foto: Nina Pernat

Poesiefestival Berlin je največji pesniški festival v Evropi ter eden najpomembnejših pesniških dogodkov na svetu, ki že od leta 2000 v Berlin prinaša mednarodno poezijo in predstavlja aktualne trende v sodobni poeziji.

16. julija ob 19.30 se bodo v okviru dogodka Writing Change predstavili štirje pesniki in pesnice, ki iščejo lastne, nove in raznolike načine izražanja v svojih jezikih. Ena od njih bo Nina Dragičević.

Nina Dragičević je slovenska eksperimentalna pesnica, esejistka in zvočna umetnica. Znana je postala s pesmijo Ljubav reče greva (Škuc 2019). Pred kratkim je izdala pesniški zbirki "To telo, pokončno" (Škuc 2021) in "Ampak, kdo?" (Škuc 2023). Njena besedila se vrtijo okoli vprašanj identitete in človeškega telesa. Za svoje delo je med drugim prejela Werner Düttmann Fellowship 2023 (Akademie der Künste, Berlin), nagrado Dr. Ane Mayer Kansky 2023 (Univerza v Ljubljani), Jenkovo nagrado 2021 in Župančičevo nagrado 2020.

Potreben je nakup vstopnic

Dogodek podpira SKICA Berlin.

Foto © Nataša Velikonja

Das Poesiefestival Berlin ist das größte Poesiefestival Europas und eine der wichtigsten Poesieveranstaltungen weltweit. Bereits seit dem Jahr 2000 holt das Festival internationale Dichtung nach Berlin und präsentiert aktuelle Tendenzen zeitgenössischer Lyrik.

Am 16.7. um 19:30 Uhr präsentiert Writing Change vier Dichter:innen, die in ihren Sprachräumen ganz eigene, neue und dabei sehr unterschiedliche Wege des Ausdrucks suchen. Eine von denen ist Nina Dragičević.

Nina Dragičević, geboren 1984 in Novo mesto ist eine experimentelle slowenische Dichterin, Essayistin und Klangkünstlerin. Bekannt wurde sie mit ihrem Langgedicht „Ljubav reče greva“ (Škuc 2019, etwa: Liebe sagt, komm wir gehen). Zuletzt erschienen die Lyrikbände „To telo, pokončno“ (Škuc 2021, zu Deutsch etwa: Dieser Körper, aufrecht) und „Ampak, kdo?“ (Škuc 2023, zu Deutsch etwa: Aber, wer?). Dragičevićs Texten kreisen beharrlich um Fragen nach Identität und den menschlichen Körper. Sie erhielt u.a. das Werner-Düttmann-Stipendium 2023 (Akademie der Künste, Berlin), den Dr. Anna-Mayer-Kansky-Preis 2023 (Universität Ljubljana), den Jenko-Preis 2021 und den Župančič-Preis 2020.

Tickets erforderlich

Mit Unterstützung von SKICA Berlin.

Foto © Nataša Velikonja

Festival Rudolfstadt v nemški deželi Turingiji obiskovalcem nudi vpogled v glasbeno bogastvo najrazličnejših kultur in umetnikov iz približno 40 držav, ki bodo v Rudolfstadtu nastopili na skoraj 30 različnih odrih in razgibali celotno mesto. Vlado Kreslin in Mali Bogovi bodo na festivalu nastopili 5. julija ob 16. uri.

Kreslin se je rodil leta 1953 v Beltincih. Prva skupina v kateri je igral je bila Apollo, nato pa je kot pevec in kitarist igral v različnih skupinah. Leta 1991 je s skupino Martin Krpan nastopil kot predskupina koncerta Boba Dylana v Ljubljani. Njegovi zaščitni znaki so klobuk, uspešnice, ki jih poznajo skoraj vsi v Sloveniji, in Beltinška banda, s katero igra že od devetdesetih let prejšnjega stoletja. Vlado Kreslin poje v slovenščini in različnih lokalnih narečjih, pa tudi v angleščini, srbohrvaščini, bosanščini in italijanščini.

Kot glasbenik in kantavtor je pustil pomemben pečat v slovenskem kulturnem prostoru. Njegov glasbeni izraz, ki temelji na prepletanju tradicionalnih melodij, predanosti rocku in na izvirnem pesniškem izrazu je edinstven in brezčasen.

Potreben je nakup vstopnic

Dogodek podpira SKICA Berlin.

Foto © Milan Majcen

Rudolfstadt-Festival in der thüringischen Provinz öffnet den Blick für den musikalischen Reichtum der unterschiedlichsten Kulturen und Künstler*innen aus rund 40 Ländern die auf fast 30 Bühnen die ganze Stadt zum Klingen bringen. Am 5. Juli um 16. Uhr werden auf dem Festival Vlado Kreslin und Mali Bogovi auftreten.

Kreslin wurde 1953 in Beltinci geboren. Seine erste Band als Teenager war Apollo und als Sänger und Gitarrist spielte er anschließend in verschiedenen Bands. Mit der Band Martin Krpan war er 1991 mit Bob Dylan auf der Bühne. Sein Markenzeichen sind der Hut, den er immer trägt, seine Hits, die in Slowenien fast jedes Kind kennt, und die Gruppe Beltinška banda, bei der er seit den 1990ern bis heute spielt. Vlado Kreslin singt in Slowenisch und diversen lokalen Dialekten, aber auch in Englisch, Serbokroatisch, Bosnisch und Italienisch.

Als Musiker wie als Songschreiber hat Vlado Kreslin bedeutende Spuren in der slowenischen Kulturszene hinterlassen. Sein musikalischer Ausdruck, der auf der Verflechtung traditioneller Melodien, seiner Hingabe zum Rock und seinem originellen poetischen Ausdruck beruht, sind einzigartig und zeitlos.

Tickets erforderlich

Mit Unterstützung von SKICA Berlin.

Foto © Milan Majcen

Poesiefestival Berlin je največji pesniški festival v Evropi ter eden najpomembnejših pesniških dogodkov na svetu, ki že od leta 2000 v Berlin prinaša mednarodno poezijo in predstavlja aktualne trende v sodobni poeziji.

4. julija ob 18.30 bodo ob 25. obletnici festival otvorili v Haus für Poesie in sicer s posebnim dogodkom. Na dogodku bodo brali in nastopali štirje umetniki in umetnice, med katerimi bo tudi slovenska pesnica Barbara Korun. Berlinska glasbenica Masha Qrella bo poskrbela za glasbo, vrhunec večera pa bo govor nemškega literata Marcela Beyerja.

Barbara Korun je pisateljica rojena leta 1963 v Ljubljani. Dvajset let je delala kot šolska učiteljica ter kot lektorica in dramaturginja v slovenskih gledališčih. Njena prva pesniška zbirka je bila v Sloveniji nagrajena za prvenec leta, za pesniško zbirko Pridem takoj (2011) pa je leta 2011 prejela Veronikino nagrado kot najboljša slovenska zbirka leta. Piše tudi kritike in eseje ter aktivno promovira poezijo, ki jo pišejo ženske. Od leta 2013 organizira redna mesečna srečanja ob branju novih zbirk slovenskih pesnic, za kar je leta 2020 dobila nagrado Mira Slovenskega centra PEN.

Potreben je nakup vstopnic

Med drugim s podporo SKICE Berlin.

Foto © Šimen Zupančič

Das Poesiefestival Berlin ist das größte Poesiefestival Europas und eine der wichtigsten Poesieveranstaltungen weltweit. Bereits seit dem Jahr 2000 holt das Festival internationale Dichtung nach Berlin und präsentiert aktuelle Tendenzen zeitgenössischer Lyrik.

Am 4.7. um 18:30 Uhr, zum 25-jährigen Jubiläum, eröffnet das Haus für Poesie das diesjährige Poesiefestival mit einer besonderen Veranstaltung. Vier Künstler:innen lesen und performen und eine von ihnen ist die slowenische Dichterin Barbara Korun. Die Berliner Musikerin Masha Qrella wird auftreten und ein Höhepunkt des Abends wird die Festrede des deutschen Schriftsteller Marcel Beyers sein.

Barbara Korun, geboren 1963 in Ljubljana, Slowenien, ist freie Autorin. Sie arbeitete zwanzig Jahre als Lehrerin an Schulen sowie als Dozentin und Dramaturgin an slowenischen Theatern. Ihr erster Gedichtband wurde in Slowenien als bestes Debüt des Jahres ausgezeichnet, ihr Gedichtband „Pridem takoj” (2011) erhielt 2011 den Veronika-Preis als beste slowenische Gedichtsammlung des Jahres. Sie schreibt auch Rezensionen und Essays und setzt sich aktiv für die Förderung von Lyrik von Frauen ein. Seit 2013 organisiert sie regelmäßige monatliche Treffen zur Förderung der Arbeit slowenischer Dichterinnen, wofür sie 2020 den Mira-Preis des slowenischen PEN-Zentrums erhielt.

Tickets erforderlich

Die Eröffnung des 25. poesiefestival berlin wird freundlich unterstützt durch das Berliner Künstler*programm des DAAD, Slowenisches Kulturzentrum SKICA Berlin und lyrix - Bundeswettbewerb für junge Lyrik.

Foto © Šimen Zupančič

Im Juli ist der Artist in Residence Andrej Štular, ein kreativer Künstler, der in verschiedenen künstlerischen Bereichen tätig ist. Sein künstlerisches Schaffen umfasst Illustrationen und Comics, Malerei, Skulptur, Fotografie und Film sowie Puppenbau und Bühnengestaltung. Mit einer innovativen künstlerischen Sprache, die oft auf Recycling basiert, kombiniert er in seinen Werken verschiedene Techniken und Medien.

Štular hat in Einzel- und Gruppenausstellungen in Slowenien ausgestellt und an verschiedenen internationalen Festivals in Europa und im Ausland teilgenommen. Er ist Autor von sieben Büchern: Lustri (Kronleuchter) (2000), Kompost (2008), Živa sem! (Ich lebe!) (2011), Bežimo, svet se podira! (Lass uns rennen, die Welt bricht zusammen!), Kronike (Chroniken), Medved (Der Bär) (2019) und Ostri ritmi (Scharfe Rhythmen) (2021). Er hat auch mehrere Preise für seine Arbeiten in den Bereichen Illustration, Puppenspiel und Film erhalten.

Während seines Aufenthalts in Berlin wird er vor allem Werke in den Bereichen Assemblage und Comics schaffen. Da sich neben seiner eigenen Arbeit Štular auch für die Förderung junger Menschen engagiert wird er in Berlin für Schüler der slowenischen Sprache sein Kinderalbum mit dem Titel Medved (Der Bär) präsentieren und einen Comic-Workshop für sie leiten.

V mesecu juliju je umetnik v rezidenci Andrej Štular, ustvarjalec, dejaven na različnih umetniških področjih. V njegovem ustvarjanju se prepletajo ilustracija in stripi, slikarstvo, kiparstvo, fotografija in film ter oblikovanje lutk in scenografij. Z domišljeno likovno govorico, ki pogosto temelji na reciklaži, povezuje v svojih delih različne tehnike in medije.

Štular razstavlja na samostojnih in skupinskih razstavah v Sloveniji in sodeluje na raznolikih mednarodnih festivalih tako v Evropi kot drugod po svetu. Izdal je sedem avtorskih knjig: Lustri (2000), Kompost (2008), Živa sem! (2011), Bežimo, svet se podira! (2014), Kronike (2015), Medved (2019) in Ostri ritmi (2021), za svoja dela iz področja ilustracije, lutkarstva in filma pa je prejel več nagrad.

Na rezidenci v Berlinu bo snoval pretežno dela v tehniki asemblaža in stripe. Ker se Štular poleg lastnega ustvarjanja ukvarja tudi z mentorskim delom z mladimi, bo v Berlinu učencem slovenskega jezika predstavil album za otroke z naslovom Medved in zanje izvedel stripovsko delavnico.

Ob nogometni tekmi Slovenije proti Angliji bo v sklopu Fussballkultursommer 2024, prav na slovenski Dan državnosti, na Fan Zone v Berlinu nastopil primorski trio Pantaloons.

Pantaloons so izvirna skupina iz Slovenije z edinstveno glasbeno zvrstjo in energičnimi odrskimi nastopi. Tokrat prihajajo v Berlin, kjer bodo nastopili v berlinski navijaški coni v podporo slovenskim nogometašem, ki bodo na ta dan v Kölnu igrali proti Angliji. Luka Belič (saksofon), Aljaž Markežič (suzafon in sintetizator) in David Nik Lipovac (bobni) so skupaj od leta 2016. Njihov prepoznavni slog je skupek elektronske plesne glasba z elementi jazza, funka, breakbeata, dubstepa in še česa.

Sodelovanje podpira in soorganizira SKICA Berlin.

Link: https://www.draussenstadt.berlin/de/fussballkultursommer/kalender/pantaloons/10996

Im Rahmen des Fußballkultursommers 2024 wird das Trio Pantaloons anlässlich des Fußballspiels Slowenien gegen England in der Fanzone in Berlin auftreten. Es ist gleichzeitig der Slowenische Nationalfeiertag.

Pantaloons sind eine originelle, aufstrebende und energiegeladene Band aus Slowenien. Diesmal kommen sie nach Berlin, um in der Berliner Fan Zone mit ihrem Auftritt die slowenischen Fußballer an diesem Tag beim Spiel in Köln gegen England zu unterstützen. Luka Belič (Saxophon), Aljaž Markežič (Sousaphon und Synthesizer) und David Nik Lipovac (Schlagzeug) sind zusammen seit 2016. Ihr Markenzeichen ist elektronische Tanzmusik, mit Elementen aus Jazz, Funk, Breakbeat, Dubstep und mehr.

Kooperation zwischen Kulturprojekte Berlin und SKICA Berlin.

Link: https://www.draussenstadt.berlin/de/fussballkultursommer/kalender/pantaloons/10996

19.6. / Hohen Luckow - Gut Hohen Luckow / 19:00

20.6. / Dargun - Kloster - und Schlossanlage Dargun / 19:00 21.6. / Bleckede - Bleckeder Schlosshof Open Air / 19:00

Link: https://signum-saxophone.com/

Signum Saxophone Quartett sestavljajo štirje izvrstni saksofonisti: slovenska glasbenika Blaž Kemperle in Alan Lužar ter italijanska glasbenika Jacopo Taddei in Guerino Bellarosa. Leta 2006 so v Kölnu ustanovili kvartet saksofonov z mednarodnim slovesom.

Na letošnjem festivalu klasične glasbe Festspiele Mecklenburg-Vorpommern, ki je eden največjih festivalov klasične glasbe v Nemčiji, so SIGNUM imenovani za rezidenčne umetnike. Ob tem bodo izvedli kar 23 nastopov na različnih lokacijah po deželi Mecklenburg-Vorpommern.

Sodelovanje podpira SKICA Berlin.

Foto: SIGNUM saxophone quartet © Oliver Borchert, Festspiele Mecklenburg-Vorpommern gGmbH

19.6. / Hohen Luckow - Gut Hohen Luckow / 19:00

20.6. / Dargun - Kloster - und Schlossanlage Dargun / 19:00 21.6. / Bleckede - Bleckeder Schlosshof Open Air / 19:00

Link: https://signum-saxophone.com/

Das Signum Saxophone Quartet sind vier hervorragende Saxophonisten: die slowenischen Musiker Blaž Kemperle und Alan Lužar sowie die italienischen Musiker Jacopo Taddei und Guerino Bellarosa. Im Jahr 2006 gründeten sie in Köln ein Saxophonquartett mit internationalem Ruf.

Sie sind zu den "Artists in Residence" der diesjährigen "Festspiele Mecklenburg-Vorpommern" ernannt worden, einem der größten Klassikfestivals Deutschlands. Im Rahmen dieser Festivals werden sie 23 Auftritte an verschiedenen Orten in Mecklenburg-Vorpommern geben.

Mit Unterstützung von SKICA Berlin.

Foto: SIGNUM saxophone quartet © Oliver Borchert, Festspiele Mecklenburg-Vorpommern gGmbH

Kabaretno gledališče „Die Stachelschweine“ je priljubljeno prizorišče za ljubitelje političnega, kritičnega in zabavnega kabareta. Ob dvaindvajsetih tekmah UEFA Euro 2024 bodo v gledališču združili nogomet, kulturo, pogovore in satiro, zvezde in amaterje ter Evropsko prvenstvo v nogometu 2024.

16.6. bo pred neposrednim prenosom nogometne tekme Slovenija – Danska potekal pogovor s televizijskim voditeljem in nekdanjim športnim komentatorjem Igorjem Bergantom iz Slovenije, nekdanjim nemškim nogometašem in nogometnim menedžerjem slovenskega rodu Fredijem Bobičem in novinarjem Javierom Caceresom (Süddeutsche Zeitiung), ki ga bo vodil kabaretist Frank Lüdecke.

Ob 18.00 bo sledil prenos in komentiranje nogometne tekme v živo na velikem zaslonu. Med polčasom bo na sporedu tudi satirična analiza, med dogodkom pa bo potekala pokušina slovenskega vina in prigrizkov.

Gost iz Slovenije Igor Evgen Bergant je novinar in voditelj poznovečerne informativne oddaje "Odmevi" na slovenski nacionalni Televiziji Slovenija (TVS). Pred tem je bil na TVS športni komentator in je med drugim poročal o prvih uspehih slovenskih smučark in smučarjev po osamosvojitvi slovenske države. Bergant je komentiral tudi nogomet in leta 2006 spremljal poletno pravljico na svetovnem prvenstvu v Nemčiji. Izvira iz nemško govoreče družine iz Maribora.

Potreben je nakup vstopnic: https://stachelschweine.reservix.de/p/reservix/event/2263742

Dogodek podpira in soorganizira SKICA Berlin v sodelovanju z Veleposlaništvom RS v Berlinu in STO.

Das traditionsreiche Kabarett-Theater „Die Stachelschweine“ ist für Fans feinster politischer, kritischer und unterhaltsamer Kabarettkunst eine beliebte Anlaufstelle. An den 22 Spielabenden der UEFA-Fußball-EM 2024 verbindet das Theater Stachelschweine bei „Pfostenbruch“ Fußball und Kultur, internationale Begegnung und Satire, Stars und Laien, die Fußball-Europameisterschaft 2024 und Comedy.

In von Hausherr Frank Lüdecke moderierter Diskussionsrunde mit dem bekannten Fernsehmoderator und ehemaligen Sportkommentator Igor Bergant aus Slowenien, dem ehemaligen deutschen Fußballspieler und Fußballmanager slowenischer Herkunft Fredi Bobič und Journalisten Javier Caceres (SZ) beleuchten die Diskussionsteilnehmer am Sonntag, 16. Juni um 17:00 Uhr vor der Live-Übertragung des Fußballspiels Slowenien vs Dänemark das Einzigartige des Fußballs und der teilnehmenden Länder.

Während des „Pfostenbruch“ Spektakels wird das Fußballspiel ab 18:00 Uhr live auf einer Großleinwand übertragen und kommentiert. Eine satirische Halbzeitanalyse findet ebenfalls statt. Im Rahmen des Events werden Snacks und Wein aus Slowenien serviert.

Igor Evgen Bergant ist ein Journalist und Moderator der Spätabendnachrichtensendung "Odmevi" beim slowenischen öffentlich-rechtlichen Fernsehsender TVS. Davor war er Sportkommentator und hat für TVS die ersten Erfolge der slowenischen SkiläuferInnen nach der Unabhängigkeit des Landes begleitet. Er hat auch Fußball kommentiert und war 2006 beim WM-Sommermärchen in Deutschland dabei. Er stammt aus einer deutschsprachigen Familie aus Marburg (Maribor).

Tickets erforderlich: https://stachelschweine.reservix.de/p/reservix/event/2263742

Die Veranstaltung entsteht mit Unterstützung von SKICA Berlin, Botschaft der Republik Slowenien und STO.

Foto: SIGNUM saxophone quartet © Oliver Borchert, Festspiele Mecklenburg-Vorpommern gGmbH

Pod imenom RotorMotor se predstavljata ustvarjalca elektronske glasbe in didžeja Luka Lah in Nejc Pucko. Ukvarjata se tudi z glasbeno produkcijo in založništvom in delujeta pod znamko Nikola.

Njuno glasbeno ustvarjanje, ki se je začelo leta 2021, zaznamujejo zvrsti kot so house, trance, eurodance in ghetto house. Nastopata doma in v tujini, sta tudi stalna gosta posoškega festivala elektronske glasbe Butik.

Na rezidenci v Berlinu sta z namenom, da zaključita svoj novi EP, ki ga bosta skupaj z berlinskim zvočnim inženirjem Marcom Landendingerjem optimizirala v njegovem studiu. Med drugim bosta v Berlinu raziskovala tudi dobre prakse založništva v elektronski glasbi.

Foto © Marijo Zupanov

Unter dem Namen RotorMotor präsentieren sich die elektronischen Musikkünstler und DJs Luka Lah und Nejc Pucko. Die sind auch in der Musikproduktion und in Musikverlag tätig und arbeiten unter ihrer eigenen Marke Nikola.

Ihr musikalisches Schaffen begann in 2021 und ist geprägt von House, Trance, Eurodance und Ghetto-House. Duo RotorMotor treten in slowenischen und internationalen Clubs auf und sind regelmäßige Gäste des Festivals für elektronische Musik Butik in Posočje, Slowenien.

Sie sind als Artists in Residence in Berlin, um ihre neue EP fertigzustellen, die sie zusammen mit dem Berliner Toningenieur Marc Landendinger mastern werden. Außerdem werden sie sich mit Best Practices im Musikverlagswesen beschäftigen.

Foto © Marijo Zupanov

Die slowenische Post-Media-Künstlerin Saša Spačal wird auf der Wissenschaftskonferenz „Building Bridges for the Next Generations“ ihr Projekt „Radiotrophic Fungarium“ vorstellen. Die Diskussion mit Saša Spačal wird von Dr. Jan-Martin Wiarda moderiert und konzentriert sich auf das Raditrophic Fungarium.

Radiotrophic fungarium ist ein laufendes Forschungsprojekt. Die Forschung konzentriert sich auf die Frage, wie das Leben von Menschen und Pilzen vor schädlicher radioaktiver und UV-Strahlung geschützt werden kann, indem symbiotische Beziehungen zwischen den Arten entwickelt werden, die sich zu Schutzschilden und Zufluchtsorten in einem sich verändernden Klima entwickeln könnten. Es ist auch eine Hommage (nicht nur) an die Menschen, die gelitten und ihr Leben gegeben haben, um uns etwas über das Leben in radioaktiver Toxizität zu lehren.

Saša Spačal verbindet die Forschung über lebende Systeme mit zeitgenössischer Kunst und betont die Verbindungen zwischen dem Kontinuum von Umwelt und Kultur innerhalb des planetarischen Metabolismus.

Zu ihren künstlerischen Bestrebungen gehört die Entwicklung sorgfältiger biotechnologischer Methoden, Schnittstellen und Infrastrukturen, die sich in Zeiten des globalen Wandels sowohl mit organischen als auch mit mineralischen Erdstoffen befassen. Ihre Arbeiten wurden unter anderem im ZKM

Slovenska postmedijska umetnica Saša Spačal bo na konferenci „Building Bridges for the Next Generations“ predstavila raziskavo "Radiotrofni fungarij". Pogovor s Sašo Spačal bo moderiral Dr. Jan-Martin Wiarda, govorila pa bosta o radiotrofnem fungariju.

Radiotrofni fungarij je raziskava v teku. Zanimajo jo načini zaščite življenj ljudi in gliv pred škodljivim radioaktivnim in UV-sevanjem z razvojem simbiotskih medvrstnih odnosov, ki bi v spremenjenih podnebnih razmerah lahko prerasli v ščite in zatočišča. Je tudi poklon (ne zgolj) ljudem, ki so trpeli in dali svoja življenja, da bi nas poučili o življenju v radioaktivni toksičnosti.

Saša Spačal združuje raziskovanje živih sistemov s sodobno umetnostjo, pri čemer poudarja prepletenost kontinuuma okolja in kulture znotraj planetarnih metabolizmov. Njena umetniška prizadevanja vključujejo razvoj skrbnih biotehnoloških metodologij, vmesnikov in infrastruktur, ki se ukvarjajo tako z organskimi kot tudi z mineralnimi zemeljskimi agenti v času globalnih sprememb. Njena dela so bila predstavljena na prizoriščih, kot so ZKM